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Criticas próximos estrenos

Baby Driver ****

Divertida, refrescante y sólida manera de abordar el cine de acción en clave musical.

Un musical de acción. Eso es Baby Driver. Dicho sea de paso, recomiendo al lector de estas líneas que se repase las entrevistas con el director y protagonista de la película que hemos publicado en esta misma página web porque en las mismas se dan muchas pistas, sin hacer spoiler, de cómo está concebido el largometraje. Quizá así se despejen algunas dudas generadas entre ese tipo de iluminado que se prodiga en estos tiempos en nuestra sociedad que, vaya usted a saber por qué y cómo, ha llegado a la conclusión de que viendo simplemente un tráiler tiene ya información suficiente para opinar sobre la película sin necesidad de verla completa, y habitualmente opina lo peor, reparte etiquetadas y la pone a parir en las redes sociales en la creencia de que de ese modo le van a salir más palmeros que le rían la gracia.

No señores, los críticos y la gente que la ha visto de verdad completa –no sólo el tráiler- no nos hemos vuelto locos cuando decimos que Baby Driver es una película muy curiosa e interesante por su manera de abordar el género de acción, persecución, atracos a bancos y demás. Su acierto está en renovar unas estructuras genéricas muy utilizadas desde un punto de vista original, o al menos diferente de lo que estamos viendo en los últimos años en la cartelera. No se trata de que hayan descubierto el santo grial de la originalidad narrativa en el cine. Tampoco es eso. Pero sí han elaborado una película que consigue mantenernos interesados en lo que ocurre en la pantalla a pesar de que en esencia eso que ocurre en la pantalla lo hemos visto ya muchas veces. Y eso tiene mucho mérito.

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Cars 3 ***

Más completa e interesante en su propuesta que las dos anteriores.

La saga de Cars siempre me ha parecido de las más flojas propuestas del estudio Pixar, así que me ha sorprendido gratamente que en esta tercera entrega suba de nivel merced sobre todo a su capacidad para mejorar las dos películas precedentes, lo cual es doblemente meritorio, porque lo habitual es que las series se vayan gastando tanto en sus personajes como en sus planteamientos argumentales a medida que van cubriendo etapas. Sin la novedad de su parte –no era gran novedad la de Cars 1 y Cars 2-, sorprende que la gente de Pixar haya conseguido que esta tercera película sea claramente mejor que la segunda y por su tema y planteamiento mejore incluso un poco la primera.

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Colossal ***

Nacho Vigalondo vuelve a sorprender con mezcla de géneros.

Vigalondo sigue en su línea y en Colossal vuelve a tomar prestadas las claves más superficiales de un género cinematográfico para acabar contándonos una mezcla de comedia y drama de clave más cotidiana e incluso llegado el caso costumbrista. Y sigue demostrando que se mueve mejor con los personajes femeninos que con los masculinos. Colossal es en muchos aspectos muy cercana a Extraterrestre. En ambas, más allá de los personajes masculinos, brillan las féminas. Y no cabe duda que si en Extraterrestre el director tenía un poderoso aliado en la presencia de Michelle Jenner, en esta ocasión se decanta aún más claramente por el protagonismo femenino convirtiendo a Anne Hathaway en el epicentro de toda su historia. Y Hathaway se lo recompensa elaborando una especie de reinterpretación de la figura de heroína de comedia romántica con un aire de Audrey Hepburn, pero menos etérea y más carnal, más cercana y real, Manteniendo esa especie de mirada de ángel de la Hepburn, añade a la misma el punto necesario de realidad defectuosa para alejarla de la visión idealizada del Hollywood clásico y traer la fórmula hasta nuestros días. Su personaje, desde sus fallos humanos, se convierte así en una visión de lo femenino desde lo masculino, al menos al principio de la película, porque si algo tiene de positivo este largometraje es su capacidad para ir transformándose en algo diferente a medida que progresa en su camino. Otra cosa sería imposible de pensar en una película que corre desde el primer momento el riesgo serio de afirmar ser una cosa cuando en realidad es otra. La transformación de la película está tripulada por esa evolución de arco de desarrollo del personaje de Hathaway, que empieza siendo una irresponsable e inmadura fémina incapaz de tomar el timón de su propia vida y acaba tropezándose con una responsabilidad que podría servir como metáfora de la convulsa situación que atraviesa lo femenino en nuestros días, al menos, insisto, desde el punto de vista masculino. Creo que Colossal gana cuando finalmente se quita la careta, pero para ello hay que advertirle al público que no va a ver en ningún caso una especie de variante de Monstruoso, Godzilla o cualquier otra idea de película con bichosaurios que se pueda imaginar el espectador. No es la intención del director ni de la película entrar en ese corral. Su corral es otro. Y no quiero destriparlo. Pero sí quiero aclarar que conviene no confundirse. Lo que hace Vigalondo con esta película es proponer una reflexión sobre la mujer, cómo ven los hombres a la mujer, como se ve la mujer a sí misma y la profunda brecha, a veces casi abismo, que puede llegar a producirse entre ambos sexos, asentada sobre una incomprensión pero sobre todo sobre el miedo, mucha veces, las más de las veces, el miedo del hombre frente a la mujer, y si no el miedo, la perplejidad y la curiosidad del hombre ante el enigma de lo femenino. O lo que el hombre decide definir como el “enigma” de lo femenino. Que tal como finalmente explica la película, no es tal enigma, simplemente es libre albedrío de la mujer, tan libre albedrío como el que aspira a tener y cree tener, aunque no siempre lo tenga, el hombre.

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Día de patriotas ****

Una de las mejores películas de intriga y acción que vamos a ver este año.

El atentado terrorista perpetrado en la Maratón de Boston el lunes 15 de abril de 2013 dejó como salto la muerte de dos adultos y un niño y 264 heridos. Y además desató una caza de policías y FBI contra los asesinos. Día de patriotas aborda ambas cosas con una intención visual que convierte trata la realidad como ficción dando como resultado lo contrario del falso reportaje, esto es: una realidad adaptada a las estrategias de narración de ficción, en lugar de una ficción presentada como reportaje de lo real. El juego es interesante para el espectador y no cabe duda que el director de la película se lo tiene muy controlado, porque es la misma fórmula que aplicó a sus películas El único superviviente y Marea negra y que era lo más aceptable de su peor película hasta el momento, el evento blockbuster Battleship.

Peter Berg no busca un acercamiento realmente de reportaje o documental sobre la reconstrucción de los hechos reales que narra en la misma. No lo hizo en El único superviviente ni en Marea negra y no lo hace tampoco en Día de patriotas. Su acercamiento al asunto pide más bien prestados los hechos reales para construir una sólida propuesta de género, algo que le funcionó en el abordaje de la primera de las citadas para construir cine bélico y en la segunda para construir cine de catástrofe, con toda su dosis de melodrama y aventuras. En Día de patriotas el resultado es una buena película policíaca, toda vez que la mayor parte de su argumento se desarrolla en el territorio de la persecución y caza de los asesinos, a los cuales, inteligentemente, proporciona minutos de protagonismo y trata intentando mantener cierta distancia objetiva en lugar de convertirlos directamente en villanos de película. Tampoco sus héroes son héroes de película. Este matiz es importante porque merced al mismo se sostiene la identidad de la película.

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Dunkerque *****

Muy buena. Necesito verla urgentemente otra vez. Brillante reescritura del género bélico.

Christopher Nolan ha vuelto a hacerlo. Ha vuelto a poner en evidencia a quienes afirman que es un “cineasta sobrevalorado”, fórmula ya repetitiva y cansina, poco original, lugar común de sus detractores, que conforme avanza la carrera de este auténtico maestro capaz de impartir lecciones de cine en cada una de sus películas quedan cada vez más puestos en cuestión respecto a sus propios conocimientos cinematográficos. Es así de claro. Hay que mojarse ya. Y qué mejor momento para mojarse que Dunkerque: el cine de Nolan puede gustarte o no, estás en tu derecho. Pero negarle el pan y la sal como director es ya absurdo. Y Dunkerque lo pone nuevamente de manifiesto. Es una de sus mejores películas, y tal como apunté a modo de especulación en algunos de mis comentarios previos, finalmente, con la película vista, es ciertamente un nuevo punto de partida para su carrera que se amplía en horizontes y retos con este nuevo largometraje que además demuestra que el juego con el tiempo es el cemento sobre el que levanta el entramado narrativo de su estilo como autor.

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Gru 3: Mi villano favorito ***

Tópica continuación de las hazañas de Gru, en la que brillan por encima del protagonista las gamberradas de los minions y de un malvado a lo John Travolta, llamado Balthazar.

Las franquicias parecen dominar el panorama cinematográfico importado de Estados Unidos, por lo menos en cuanto a cine familiar se trata. Lejos de inventar nuevas fórmulas de diversión, los estudios están más conformes con apostar por lo ya conocido, y de esa manera arriesgar lo mínimo en sus obras destinadas a dominar las carteleras planetarias.

Gru 3 responde abiertamente a esa estrategia de negocio, centrada en el éxito asegurado; aunque la historia carezca de los mínimos de atracción para explicar su existencia.

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La casa de la esperanza ***

Jessica Chastain es el principal motivo para ver esta variante femenina de La lista de Schindler.

Todo gira en torno a Chastain, en el guión y de hecho en la manera de enfocar un proyecto que se hace más bien incomprensible interpretada por otra actriz. El personaje real que interpreta entronca directamente con la galería de figuras femeninas que viene interpretando Chastain durante toda su carrera. Ninguna de ellas escapa a tener una identidad de protagonismo total incluso cuando ha caído en alguna historia inicialmente prevista como protagonizada por personajes masculinos. El poder de Chastain ante la cámara se encuentra aquí respaldado además no sólo por la realidad de lo que se cuenta, sino por el hecho de que la fuente de inspiración de la película es la novela de Diane Ackerman que sigue los pasos de Antonina (el papel de Chastain) y su marido Johan Zabinski (en la película Johan Heldenberg), los guardianes del zoo de Varsovia, que ellos convierten en refugio para los judíos que intentan escapar a los nazis durante la ocupación alemana de Polonia en la Segunda Guerra Mundial.

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La guerra del planeta de los simios *****

La mejor y más completa de toda la saga de los simios, no sólo de la última trilogía.

Una película adulta y completa que en pleno ejercicio de madurez pone broche final brillante a la trilogía iniciada con El origen del planeta los simios y El amanecer del planeta de los simios. Matt Reeves ya había plantado las semillas de este desenlace en el tercer acto de El amanecer… y consigue darle a la franquicia un primer ciclo notable protagonizado por el personaje del simio César, y narrado en todo momento desde el punto de vista de los simios, más que de los humanos.

En ese sentido ha contado con un aliado esencial al que puede otorgársele tanta autoría y responsabilidad en el éxito comercial y los logros creativos de esta franquicia como a los guionistas y directores de la misma: Andy Serkis. El trabajo de construcción que lleva a cabo este actor con el personaje de César no sólo está a la altura de la riqueza del arco de desarrollo del mismo que le proporciona el guión, sino que aporta todos los matices esenciales para definir una gran interpretación que merece ya con esta película, más que nunca, que Serkis sea como mínimo nominado al Oscar, prescindiendo del hecho de que su trabajo como actor esté funcionando en sinergia con la tecnología de captura de movimiento. Es más, precisamente es este aspecto, en el que es sin duda Serkis el gran pionero, el que debería pesar aún más para que tuvieran en cuenta su trabajo con una especial complejidad que va más allá del que realizaría ejerciendo como actor “disfrazado” de simio portando máscara, prótesis, arropado por el maquillaje y con dos mitades de cocos colgando de la boca, dicho sea con todos mis respetos para los actores y maquilladores de la saga simia original, que me hicieron pasar muy buenos ratos en mi infancia y juventud, pero nos pongamos como nos pongamos, y por mucho que les tire a algunos la nostalgia cinéfila o cariño por lo artesanal, no pueden considerarse al mismo nivel de complejidad y perfección que tienen los simios en estas trilogía y el trabajo de los actores encargados de darles vida real, convertirlos en personajes de carne y hueso como nunca antes los habíamos visto. Porque hablamos de César, pero otro tanto en lo referido a construcción de personajes y trabajo de actores puede decirse de todos los miembros del reparto de esta película, con mención especial a Bad Ape, con el que Steve Zahn crea uno de los personajes más entrañables de la saga. Hay más drama y construcción de personaje en una mirada de César o de Bad Ape que en muchas interpretaciones de actores de carne y hueso que vamos a ver este año en la cartelera. Reconózcanse pues, a nivel premios, estos méritos que ya no pueden poner en duda ningún crítico, analista, profesional o aficionado al cine.

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Llega de noche ****

Terror de la misma naturaleza que La bruja. Terror psicológico. Buen terror.

Hablemos claro de una vez por todas y despejemos dudas. Hay un terror interesante y otro que no lo es en absoluto. Es un hecho. El terror poco o nada interesante va directamente a lo obvio, busca lo epidérmico, trabaja sobre lo visceral inevitable. El susto. El golpe de efecto. Hacer gritar al público que ya está predispuesto a gritar desde antes de salir de casa, por limitado que sea el golpe de efecto. Trabaja en la zona del campo de juego más fácil para provocar la reacción de los espectadores. Si nos acercan súbitamente un puño a la cara, den por seguro que vamos a parpadear. No podemos evitarlo. El sobresalto está garantizado en un 99´9 por ciento.

Ese es el terror débil, flojo, a veces incluso malo. Por fácil, por obvio, por tópico y por poco estimulante, tanto en su contenido argumental como en sus recursos para provocar la inquietud. Es el terror que acaba siendo humor. Es el terror en el que finalmente acabamos divirtiéndonos con el icónico asesino y contando sus brutales asesinatos como si fueran chistes. Es el terror que vamos a ver con las mismas expectativas que cuando nos subimos en una montaña rusa. Es el terror que nunca nos llevamos a nuestra casa. Que se queda en el cine.

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Su mejor historia ***

Entretenida y eficaz como peripecia romántica en el 70% de su metraje, aunque le falla el final.

Cine dentro del cine. Fórmula infalible como entretenimiento y curiosidad. Mejor aún si, como ocurre en este caso, alude de manera sesgada a acontecimientos que no son estrictamente “reales” al cien por cien pero claramente están relacionados con la manera en que el cine británico afrontó la propaganda durante la Segunda Guerra Mundial. Añadan a la propuesta que la historia se desarrolla durante los bombardeos de Londres por la Luftwaffe alemana y ya tienen todos los ingredientes necesarios para que, al menos durante una hora y media, más o menos, esta película funcione como un reloj y nos meta de lleno en esa época histórica, con una recreación del momento y el lugar que ciertamente sabe sacarle partido a sus mejores elementos. La historia de la joven que encuentra en el Londres bombardeado por los alemanes la oportunidad de trabajar como guionista para las películas de propaganda sirve eficazmente como punto de arranque para afrontar una descripción de personajes que bien podría definirse como una especie de La niña de tus ojos al estilo británico, dicho sea salvando todas las distancias que se les puedan ocurrir a los lectores entre la manera de entender estas cosas de la comedia mezclada con drama en España y con toque berlanguiano y el estilo más británico de tratar estos asuntos que podemos encontrar en películas recientes como Love Actually con momentos de peripecia de grupo que recuerdan Radio encubierta. El tema coral es la clave que mejor funciona en este largometraje, donde además Gemma Arterton saca el máximo partido a un registro diferente al más habitual en su carrera como fémina del cine de acción modo blockbuster, ejerciendo como heroína romántica de esta mezcla de comedia y drama con aplicación de la infalible fórmula de cine dentro del cine. Lo mejor de la película está sin embargo en el grupo de actores de reparto. Esa sería la parte más cercana al cine de Berlanga en su planteamiento y lógicamente es la que me resulta más atractiva como espectador. Brilla en personajes más interesantes que la trama romántica principal, especialmente por lo que se refiere a los personajes interpretados por un trío de actores infalibles: Bill Nighy interpretando a la estrella madura que se resiste a ver los estragos del tiempo en su cuerpo, su rostro y su carrera, Eddie Marsan, siempre enorme en la serie Ray Donovan, que ejerce aquí como representante del anterior, y Ellen McCrory, la tía de los Peaky Blinders, ejerciendo aquí como hermana del representante. El sarcasmo de estos personajes y la mirada socarrona a ese cine ya perdido se une a una buena reconstrucción de la época para completar lo mejor de la película.

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