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Crítica de la película Hogar

Los hermanos Pastor nos traen un interesante thriller apoyado en sus protagonistas.

Especialmente el papel espectacular como siempre, que hace Javier Gutiérrez, un tipo que conocemos poco a poco y acabamos descubriendo quién es realmente a lo largo de la historia. Pero también en un muy sólido Mario Casas dándole la réplica y por supuesto sin olvidarnos nunca de Ruth Díaz y Bruna Cusí, los personajes femeninos centrales de una trama que empieza en una dirección y acaba sorprendiendo para bien. Lo que en principio parece un cuento voyeurista sobre no dejar atrás el pasado y lo que ocupa en nuestra vida, pasa a ser una historia oscura de deseos, envidias y poder que obsesiona al protagonista durante todo el metraje. No es perfecta, ojo, pero consigue engancharnos sin lugar a dudas.

La historia nos lleva a un publicista, despedido de su trabajo, que no consigue encontrar quien le dé un nuevo empleo. Acuciado por las necesidades de la familia, de su mujer y de su hijo, se ve forzado a dejar su lujoso apartamento y mudarse a un modesto piso en las afueras. Pero es incapaz de dejar atrás el pasado. Atormentado por su situación, conservando una llave de su antiguo apartamento, pronto empezará a estudiar a sus nuevos inquilinos, envidiando la vida que él tuvo que dejar atrás y que ellos ahora poseen. Ahí es donde la trama comienza a dar un giro hacia un punto mucho más siniestro, del drama social al thriller de suspense cercano por ejemplo a Alguien me espía, de John Carpenter.

Crítica de la película Harriet: En busca de la libertad

Ilustrativo homenaje de Kasi Lemmonds a la figura de Harriet Tubman: la mujer que salvó de la esclavitud a cerca de un centenar de personas.

Harriet Tubman (nominada Minty, en su época como esclava en una plantación sureña) es una heroína a la que hay que reivindicar, por su valor y dedicación a la causa de la libertad. Con tal motivo, la cineasta Kasi Lemmonds (Eve’s Bayou) ha elaborado esta activa y reveladora película; en la que pone de manifiesto la valentía de la salvadora de esclavos, a la que conocían los dueños de las plantaciones como el bandido Moses.

La trama del filme comienza con la protagonista enclavada en las propiedades de la familia Brodess, donde siempre ha sido una posesión más del clan para el que presta sus servicios. Pero la joven Minty desea que sus futuros hijos crezcan libres. Tal anhelo hace que el dueño de la finca le imponga numerosos castigos, hasta que el heredero del antiguo patrón sugiere la venta de Minty. Sin más opción que la de escapar antes de la subasta, la muchacha decide huir al norte, para evitar el alejamiento forzoso de sus familiares y de su marido. Una vez en Filadelfia, Minty cambia su nombre por el de Harriet Tubman; y, desde su nueva residencia e identidad, colabora intensamente para la creación del Ferrocarril subterráneo: una organización pensada para sacar a los esclavos del sur, y ponerlos a salvo en las extensiones en las que no existían las prácticas sureñas de explotación contra la población negra.

Crítica de la película Skin

Un necesario alegato contra el racismo que coge fuerza gracias a la interpretación de Jamie Bell.

El racismo y el amor son dos temas que siempre han ocupado un lugar privilegiado en la filmografía de Guy Nattiv. Junto a Erez Tadmor, el director de Skin ya abordaba el poder de la comunicación en las relaciones románticas en el corto Dear God y el racismo en Stranger. Sin embargo, el reconocimiento internacional le llegó en solitario y de la mano de Skin, un interesante cortometraje ganador del Oscar en 2018 que afianzaba sus constantes temáticas y retrataba el auge del supremacismo blanco en Estados Unidos.

Crítica de la película Bloodshot

Entretenimiento al servicio de Vin Diesel.

Un producto más en la lista de los muchos que Diesel ha interpretado en el género durante toda su carrera, y que nos han dejado personajes que ya son parte de la historia del cine reciente, como Dominic Toretto. No es que aquí tengamos persecuciones de coches (aunque alguna hay) imposibles, ni tunning ni nada por el estilo. Pero sí el arquetipo de héroe forzado por las circunstancias, en una adaptación de los cómics de Valiant en torno al personaje que, en esta ocasión, mantiene cierta fidelidad a la esencia del cómic, aunque no del todo a su historia. Digámoslo así. Si usted ha leído los cómics, aunque haya muchos cambios en la trama (muchísimos) sabrá perfectamente lo que va a suceder en cada giro de guión. Porque ya lo ha leído con anterioridad…

No vamos a profundizar mucho en la historia porque muchos desconocen al personaje, pero la idea en apariencia es sencilla. Un soldado fallecido y traído de vuelta a la vida por nanotecnología que le da habilidades muy superiores a las de cualquier humano. A partir de ese arranque encontramos una historia sencilla, apañada, sin pretensiones y con un par de giros ajustados que hacen honor al personaje de cómic. El guionista de La Llegada y Destino Final 5 (sí, es el mismo, Eric Heisserer), une fuerzas a Jeff Wadlow, conocido por su trabajo en Blumhouse, en mediocridades como Verdad o Reto y Fantasy Island, pero también en Bates Motel o The Strain. No van a ganar el Oscar, claro. Pero cumplen y la película no les exige nada más.

Crítica de la película Onward

Pixar vuelve a maravillarnos.

Y quizá no sea la mejor de las películas de la compañía. O quizá no la recordemos igual que a algunos de sus clásicos, aunque no es ni de lejos la película más floja de Pixar, pero sin duda será uno de esos momentos que recordaremos cuando salgamos de la sala de cine, porque nos emocionaremos con lo que vamos a ver en pantalla, eso seguro. La película sabe ser emotiva sin ser obvia o evidente, sorprendiendo al espectador con un viaje de dos hermanos que no es lo que esperábamos al principio y que termina siendo una auténtica maravilla. De nuevo, los estándares de Pixar están siempre por las nubes, por lo que puede que Onward no sorprenda al público como otras de sus películas, pero tiene lo que le falta a muchas producciones, animadas o no, un buen guión y alma.

La historia nos presenta a dos hermanos, elfos, que viven en un mundo muy similar al nuestro, en el que la magia ha desaparecido por completo. Nadie cree en ella, nadie la usa ya. Todo el mundo confía en la ciencia. Pero ambos hermanos emprenderán una aventura épica cuando descubran un bastón mágico que su padre les dejó en herencia, y aprendan que uno de ellos es capaz de usar la magia que todos creían olvidada. Una historia de viaje de búsqueda, para encontrarse con ellos mismos, con quiénes son realmente y quiénes van a convertirse, pero también para devolver la magia al mundo, un mundo demasiado entusiasmado con el progreso como para volver a creer.

Crítica de la película The Gentlemen (Los Señores de la Mafia)

Vuelve el Guy Ritchie más gamberro. Le echábamos de menos.

Desde que en 2008 estrenase RocknRolla, la carrera del director y guionista ha ido en una dirección completamente opuesta a lo que vimos en los primeros años de su carrera, con Lock and Stock o Snatch. Desde entonces los blockbusters se cruzaron en su camino y con bastante éxito en películas como Sherlock Holmes, la secuela o Aladdin. En otros casos no tuvo tanta suerte, como en Operación U.N.C.L.E o, sobre todo, Rey Arturo, pero siempre mantuvo algo de su estilo, de su forma muy peculiar, personal y gamberra de entender el cine y las historias. Pero siempre echamos de menos al director que se zambulló sin complejos en el mundo de los bajos fondos británicos para mostrarnos  historias tan divertidas y fascinantes que se han convertido en cine de culto.

Aquí la historia sigue a un expatriado estadounidense que es un señor del crimen en Londres, donde tiene un gran negocio de marihuana, de cientos de millones de dólares al año, del que quiere deshacerse y abandonar ese mundo. Pero mientras busca comprador, muchos intentarán aprovecharse de la situación para hacerse con su negocio y su territorio, por uno u  otro medio. Pero nadie está preparado para lo que esta gente esconde realmente. A partir de aquí se desarrollan los muchos giros de guión de una película que es en realidad, cine dentro de cine, porque, como vamos a descubrir, la película tiene mucho que ver con ese mundillo y con la idea de contar historias en un guión…

Crítica de la película El Ritmo de la Venganza

Bien dirigida, bien protagonizada, lástima que el guión haga aguas.

Una película de la que nadie esperaba demasiado, centrada en un género tan trillado como el de las venganzas personales. Un personaje que descubre quién le arrebató algo muy querido y pone su meta en acabar con ese alguien, o esos. Nada nuevo bajo el sol, así que lo mínimo que le pedimos es que tenga un guión aseado. Nada más. Ni sorprendente, ni revelador, ni magistral. Aseado. Competente. Correcto. Coherente. No mucho más. Una historia que nos lleve de A a B y de B a C sin complicaciones. No necesita absolutamente nada más. El problema es que El Ritmo de la Venganza intenta reinventar la rueda y para ello la hace cuadrada. No sólo el invento era innecesario, sino que además no termina de funcionar.

La historia es la de una joven que tiene un futuro prometedor, una familia que la adora, un proyecto de vida… todo desaparece cuando toda su familia muere en un accidente de avión. Ella cae en el mundo de las drogas y la prostitución, incapaz de asumir la pérdida y llena de culpa. Pero cuando descubra que el accidente quizá fuese algo más, pondrá todo su empeño en encontrar a los culpables y acabar con ellos. No tiene mucho más misterio una trama que, por desgracia, está tan interesada en sorprendernos, en dejarnos sin aliento, que desaprovecha lo importante. Buenos actores, buen arranque… y todo desperdiciado cuando empiezan a ocurrir incoherencias en la historia que no hay por dónde cogerlas.

Crítica de la película El hombre invisible

Interesante nueva versión de la obra de H.G Wells que se apoya en una enorme Elisabeth Moss.

La película no resultará memorable y tiene muchas cosas mejorables en el guión de Leigh Whannell, pero es sin duda un nuevo punto de vista en el personaje, en las dudas y miedos que plantea, y en el mundo en el que vivimos. Y, sobre todo, nos muestra a una actriz que está en uno de los mejores momentos de su carrera, echándose a las espaldas la película, para meternos dentro de lo que sufre y vive su personaje, casi sin despeinarse y haciendo que parezca fácil algo tan complicado como darle la réplica a la nada. Al vacío que existe frente a ella cuando está sola y le toca reaccionar a su asaltante invisible.

Contada desde el punto de vista de la víctima, la película cuenta la historia de Cecilia, una mujer que vive en un matrimonio donde recibe malos tratos constantes, donde su marido, un hombre rico y poderoso, controla cada segundo de su vida, algo de lo que intenta escapar, lo que lleva al suicidio de él. Pero poco a poco Cecilia empieza a sentir que una presencia la acompaña. Que alguien está a su alrededor y no puede verlo. Acosándola, sin dejar que sea libre… ¿Será objeto de su imaginación debido al trauma o se encuentra realmente en peligro y su marido no está muerto, sino que ha conseguido convertirse en invisible? En cierta medida es lo que intentó proponer El hombre sin sombra de Paul Verhoeven, pero mucho mejor hecho, sin excesos morbosos y con bastante inteligencia.

Crítica de la película La llamada de lo salvaje

Buena adaptación de la novela de Jack London. Cine de aventuras para toda la familia.

Da gusto reencontrarse con este tipo de cine de aventuras que sabe cuál es su camino y no se deja arrastrar a los errores que en algunas ocasiones han servido como lastre de otras traducciones a la pantalla grande o pequeña de la novela de Jack London sobre el perro Buck.

El primer acierto de esta versión es que tiene claro y no esquiva y camufla el protagonismo del perro. No intenta meter con calzador protagonismo humano. Harrison Ford y Omar Sy sirven como compañeros de aventuras del protagonista en clave secundario humano, pero nunca desequilibran en favor del tratamiento de los personajes humanos lo que la novela de London planteó de manera muy clara.

Crítica de la película Queen and Slim

Una película de itinerario y denuncia bien escrita e interesante.

Imaginen un híbrido de Bonnie and Clyde (Arthur Penn, 1967) con La huida (Sam Peckimpah, 1972), pero con una lectura muy clara de denuncia del racismo y, por qué no decirlo, de miedo a la escalada imprevisible de la violencia racial en los Estados Unidos (no olvidemos que junto al momento inicial de violencia con el que arranca su historia la película contiene también el momento del joven con la pistola en la manifestación) que experimentan los afroamericanos de aquel país.

La fórmula general de esta fábula funciona bien porque está bien escrita y sus dos protagonistas tienen mucho a lo que agarrarse en el guión para poner su talento al servicio de los personajes, incluso en los momentos más simples e incluso ingenuos del relato. En definitiva, como finalmente muestra, la película es una historia de amor, pero está bien acompañada por esa mirada de los protagonistas sumiéndose en la noche al volante de los distintos coches con los que atraviesan la geografía norteamericana. Eso hace que lo que podría haber sido una película de itinerario romántico al estilo de Dos en la carretera (Stanley Donen, 1967), se convierta en un recorrido de pesadilla que se va alimentando no solo de la progresión de la relación entre los dos protagonistas inicialmente distanciados en esos planos junto a sus respectivas ventanillas del coche, que lo separan, sino también en una propuesta de reivindicación del punto de vista afroamericano de un paisaje inquietante por el que tradicionalmente solo habían transitado hasta el momento los blancos.

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