Crítica de la película RAMBO Last Blood

Lástima: no empieza a ser realmente Rambo hasta los 20 minutos finales.

Después de una larga espera y las buenas vibraciones que como disparate de acción nos dejó la cuarta película de la saga, Rambo: Last Blood me deja una sensación agridulce de desperdicio de reparto por guión flojo y que además en su primera parte aplaza la acción a que nos tiene acostumbrados la saga en sus entregas anteriores.

El problema añadido es que esa primera parte, la más emotiva -forzadamente emotiva, todo hay que decirlo-, aborda un tema serio, un asunto tan grave y trágico como la trata de blancas, y eso encaja mal con el tipo de disparate de acción y aventuras que siempre ha propuesto el tipo de propuestas que protagoniza este icónico personaje.

Es una pena porque sin duda la película esporádicamente en su primer y segundo acto y totalmente en el tercer acto, entra en el juego de lo que esperan los espectadores de la saga de Rambo, e incluso incluye un desenlace que es la acción más brutal del protagonista en sus cinco aventuras cinematográficas.

Crítica de la película Downton Abbey

Buena prolongación de la serie original que gustará a los seguidores de la misma.

Entre 2010 y 2015 la serie de televisión Downton Abbey se destacó en la oferta televisiva por su calidad y consiguió abrirse un hueco en las preferencias de los espectadores. Era televisión de calidad, y aunque su tema y propuesta no eran tan novedosas como algunos de sus “fans” incondicionales pretenden, no era nada nuevo (revisen la serie Arriba y abajo, de 1971), sin duda merecía estar siempre citada entre las producciones de mayor calidad de la pequeña pantalla.

Otra cosa es que a algunos nos interesen poco o nada las peripecias de la aristocracia británica de medio pelo y sus entregados y felices sirvientes, como es el caso de quien esto escribe.

Frente al largometraje que aquí comento me encuentro en la misma situación de obligado reconocimiento de la calidad de algo cuyo contenido no solo no me interesa absolutamente nada, y tiro de obligada objetividad, aparcando mi intenso desapego personal frente a toda esta fauna de personajes que tan poco inspiradores me resultan.

A Downton Abbey le reconozco en positivo el buen ritmo de la narración y la manera de mover elegantemente el protagonismo compartido de todos estos personajes sumidos en ese laberinto de falsas apariencias. El lenguaje visual se gana mi atención y mi aplauso sobre un guion que en realidad revisita y explota sin arriesgar las claves de la serie original, abusando de la baza del previsible interés de los seguidores de la serie por seguir metiéndose en las vidas de esta pintoresca fauna que constituyen los habitantes de esa mansión británica entregada a las tensiones y pequeñas intrigas que promueve el festejo de la visita real al lugar.

Crítica de la película Sordo

Interesante pero a ratos fallida adaptación del cómic de Rayco Pulido y David Muñoz.

Una historia sobre la Guerra Civil española, sí, un género quizá demasiado trillado en nuestra filmografía, pero que aquí pretende ofrecer al espectador algo distinto a través de un tono cercano al western, más cargado de acción y donde la carga política sea menor. Los malos son muy malos desde el principio y los buenos, muy buenos. O eso parece. Que los hechos sucedan en la Guerra Civil parece casi una excusa para dejar fluir una historia que, por desgracia y pese a todas sus buenas intenciones, es muy irregular, pasando de momentos brillantes a otros que dejarán indiferente a la audiencia o, peor aún, le harán preguntarse si ha merecido pagar el precio de la entrada.

Sordo sigue la historia, en plena Operación Reconquista, de un maqui que, tras una operación de sabotaje que no sale como estaba planeada, pierde el oído y debe intentar sobrevivir sin ese sentido en mitad del bosque, rodeado de tropas nacionales que intentan apresarle o acabar con su vida, sin saber muchas veces no sólo quién es amigo o enemigo, sino si merece la pena seguir adelante cuando todo está en tu contra. Por ejemplo la naturaleza. Una lucha que tiene muchos elementos de western crepuscular, uno de sus varios aciertos, y que nos plantea un mundo de personajes duros, fuertes por obligación, enfrentados al paisaje que les rodea, y en el caso del protagonista, aislados del mismo debido a la sordera que les incapacita.

Crítica de la película En Mil Pedazos

Un interesante viaje al infierno de un adicto.

De la mano del matrimonio compuesto por Sam y Aaron Taylor-Johnson, nos encontramos ante una película creada por y para ellos dos, que son no sólo directora y actor protagonista de la película, sino que además son los guionistas de la película, adaptando el libro de james Frey, quien contó en papel su propia historia. El resultado es una competente película dramática con un fantástico reparto, irregular y con algún altibajo, pero con interesantes reflexiones sobre la adicción y sobre los adictos. Aunque en el fondo, y ese es su gran pecado, no nos cuente nada nuevo, ni aporte nada que no hayamos visto con anterioridad… De hecho, casi todo lo que aporta lo teníamos ya en Días sin Huella. Y desde la película de Billy Wilder han pasado casi 75 años.

En Mil Pedazos toma, como decíamos, la historia real de James Frey, quien en la película está interpretado por Aaron Taylor-Johnson, por supuesto, y que en un momento determinado, tocando fondo en su vida, acaba en un centro de rehabilitación, un lugar donde nadie le obliga a estar, pero lo que le espera fuera es peor, por lo que se mantiene pese a todo, en un lugar donde deberá hacer frente a la adicción a las drogas y a su alcoholismo, y sobre todo a sus demonios. No estará solo porque una peculiar comunidad de personajes le acompañarán en el viaje, desde su hermano a su terapeuta, pasando por los otros habitantes del centro. Y quizá incluso, descubra de nuevo el amor.

Crítica de la película Untouchable

Ursula Macfarlane realiza un brillante documental en clave de película de terror, sobre las supuestas agresiones sexuales del productor Harvey Weinstein.

La mirada y las palabras cargadas de aparente sinceridad de la actriz Erika Rosenbaum abren la puerta al sórdido mundo creado por Harvey Weinstein, donde –según cuenta el documental- la violación a las aspirantes a estrellas del cine y a sus ayudantes más atractivas era la norma para él. A modo de thriller, la cineasta británica Ursula Macfarlane diseña una atmósfera que atrapa por la monstruosidad que despliega, y en la que la figura del depredador es retratada por las numerosas víctimas a las que violentó sexualmente.

La documentalista consigue establecer un ritmo narrativo sorprendente, que dibuja una clara línea de exposición, nudo y desenlace para tratar con rigor los espeluznantes hechos que toca. Para ello, Macfarlane toma la inteligente resolución de alejarse del eco mediático del juicio contra Weinstein, y procura ir paso a paso por su senda delictiva, desde sus inicios como productor musical en la ciudad de Búfalo.  Allí, la directora localiza el testimonio de una mujer, a la que convenció para viajar a Nueva York con fines profesionales. Una vez allí, en la habitación de hotel que ambos compartían, el entonces joven Harvey Weinstein abusó de su compañera, sin atender a la negativa de ella.

Este acto sirve para poner en antecedentes al espectador sobre la bestialidad de las agresiones sexuales que el cofundador de Miramax prolongó durante más de treinta años, y cuyas consecuencias fueron tapadas por bufetes de abogados y pagos millonarios a las víctimas. Una manera de silenciar las violaciones, que la documentalista enlaza directamente con el concepto de poder. Los testimonios de los protagonistas directos (tanto las mujeres de las que supuestamente abusó, como las personas que trabajaban a su lado) señalan al distribuidor americano de Cinema Paradiso como un tipo déspota y dictatorial, pese a su olfato para localizar buenos guiones y a su artificiosa cordialidad. Un individuo que se definía a sí mismo como el sheriff de la Meca del Cine.

[video] Crítica de la película AD ASTRA ★★★★ CON SPOILERS AVISADOS

[video] Crítica de la película IT. Capítulo 2 ★★★ CON SPOILERS AVISADOS

Crítica de la película Ad Astra

Una película de las que no se ven habitualmente en salas.

Cine de ciencia ficción con mucha miga. James Gray, director de películas tan interesantes como La Noche es Nuestra, El Sueño de Ellis, Two Lovers o Z, La Ciudad Perdida, para seguir en la línea de esta última película, usando el género para hablar de algo más, de algo más profundo y más serio. Más real de lo que puede parecer un viaje a través del espacio y que en esta ocasión comparte también con su anterior película el tema central, las relaciones padre e hijo, aunque en esta ocasión sea una relación de abandono, de un padre desaparecido y dado por muerto. Y todo eso, a través del género de ciencia ficción, pero también con mucho de cine de aventuras…

Brad Pitt, protagonista indiscutible, da vida a un astronauta, Roy McBride, quien se ve involucrado en una misión que cambiará su vida y puede que la de toda la humanidad. Un peligro que se cierne sobre todo el planeta y sólo un viaje a través del sistema solar puede salvarnos. Un viaje que podría además servir para descubrir lo sucedido a la primera misión que llegó tan lejos, la liderada por el padre de Roy, interpretado por Tommy Lee Jones, quienes dejaron de comunicarse con la Tierra hace muchos, muchos años, y fueron dados por muertos. Una misión que llevaba como tarea central la búsqueda de vida extraterrestre… Asomarse al vacío y ver si alguien responde a nuestra llamada. Pero todo aquello se perdió hace mucho.

Críticas usuarios de la película Infierno bajo el agua

J. Almirante ★★★★

Infierno bajo el agua es directa y al pie. Sustos, tensión, y una técnica totalmente efectiva a nivel visual. ¿Queréis evasión y entretenimiento?, ¿algo sencillo y muy bien hecho?, esta es la película perfecta. Raimi, sigues estando en lo alto.


Iván C.V. ★★★

Carne del personal.
Creo que esta película no engaña a nadie. Directa a lo que quiere contar sin liarse en derrocheros que no llevan a ningún lado. Ofrece lo que queremos ver, es decir, a la bella Scodelario enfrentarse a los caimanes y ver cómo resuelve. No tiene más. Buenas secuencias entre ella y los bichos, un buen manejo de la tensión (propio de Aja) y un ritmo que no decae. Producida por Sam Raimi (trilogía Spiderman). Em...vale.
Y lo dicho, a pesar de tener algunos fallos e introducir subtramas que no vienen a cuento, creo que vale la pena pagar su entrada.

Entretenimiento asegurado, aunque sus incondicionales puedan esperar algo más.


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Crítica de la película Quien a hierro mata

Paco Plaza factura una perfecta, enérgica y valiente muestra de cine negro.

Un reparto en estado de gracia capaz de vendernos todo lo que haga falta en cada uno de sus planos, un guión que sabe cómo cruzar los caminos paralelos de los personajes en un todo con un ritmo perfecto y tres líneas de acción casi en paralelo -el padre anciano, el enfermero vengador, los hijos traficantes metidos en una operación que les viene muy grande-, dosificando el drama cotidiano del  paciente en el asilo con dos líneas de tensión creciente del enfermero y los hijos en su laberinto criminal, una utilización del sonido notable en su densidad expresiva, capaz de materializar para el espectador todas y cada una de las corrientes psicológicas subterráneas que van destruyendo a los personajes, una puesta en escena sencilla pero eficaz y en algunos momentos plenamente consciente de la doble identidad genérica de su relato como drama e historia criminal, con algunos planos que resumen perfectamente esa dualidad de vida y muerte que preside toda la trama. Todo ello se da cita para poner en la cartelera la que en mi opinión va a ser una de las mejores películas del año, previsible receptora de nominaciones a premios Goya muy merecidas para sus artífices.

Paco Plaza ha facturado con este largometraje su mejor trabajo, y a través del mismo entra en una etapa de madurez en su cine que, crucemos los dedos, se me antoja muy prometedora de buenos ratos y buen cine para el futuro si sigue por este mismo camino.

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