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Crítica de la película La nueva vida de Britt-Marie

Bajo las hechuras convencionales de la película de Tuva Novotny hay profundidad y personajes muy humanos.

    La nueva vida de Britt-Marie es la adaptación de la obra homónima de Fredrik Backman y eso ya es una pista bastante sólida para aventurarse a adivinar el tono de la película. Backman es autor de otro éxito del cine sueco, Un hombre llamado Ove (Hannes Holm, 2015), un film que derrochaba humanidad y sentido del humor. Ya que las entretenidas historias y reflexiones del escritor conectan con el espectador, la directora Tuva Novotny encontró la oportunidad perfecta de redención después de que su ópera prima, Blind Spot, fuera considerada un alarde técnico emocionalmente incómodo para el gran público.

Crítica de la película Mi vida con Amanda

Emotivo y accidentalmente muy oportuno viaje de reflexión ante la pérdida.

    “Cuando en el plato hay algo que no te gusta ¿Lo comes al principio o al final?”. Es lo que le pregunta Amanda, la niña de la película, a su tío, encargado de cuidarla, en uno de esos momentos en que, ya para empezar, la película formula la clave argumental del asunto que se nos propones, esto es: los adultos-niños frente a los niños que enseñan a los adultos. O dicho de otro modo, lo que los adultos pueden llegar a aprender de los niños, especialmente si sus vidas no son precisamente organizadas, y necesitan un toque de responsabilidad.

     La infalible asociación niño-adulto suele funcionar bien en el cine casi siempre, el 95 por ciento de las veces. En el peor de los casos resulta en una historia entretenida por ese choque de mundos distintos y porque los viajes de quienes los representan puestos en paralelo da casi siempre buen juego argumental. Pero en este caso el dúo formado por David y Amanda, un adulto aniñado y una niña obligada quizá a crecer demasiado pronto desde la inocencia demoledora de sus siete años, consigue ser además un buen cebo de arranque para plantearnos un puñado de cuestiones interesantes.

Crítica de la película Entre la razón y la locura

Mediocre drama de época salvado por un imperioso reparto.

    Una película liderada por Mel Gibson y Sean Penn que tristemente se quedó sin fondos antes de tiempo, al parecer, y que los productores exigieron ver terminada antes que ver completa. Eso obligó a muchas cosas, eso provocó ciertos agujeros en la historia, muchos saltos de fe y la sensación de un producto a medio cocer, a medio hacer, pese a su magistral reparto. Incluso su director y guionista, Farhad Safinia, quien no fue reconocido en los créditos, firmados con el seudónimo P.B. Shemran. Gibson y Safinia querían rodar en Oxford, pero los retrasos y el exceso presupuestario llevó a la productora a obligar a rodar en el Trinity College, le retiraron los derechos de montaje final a Safinia, también su nombre y además comenzaron una batalla legal con Gibson y su productora que se negaban a que ese fuese el producto final que se lanzaba. Ninguno hizo promoción de la película.

Crítica de la película Tyler Rake

Cine de acción con un brutal Chris Hemsworth, pero un guión menos redondo.

       De la mano de la producción de los hermanos Russo, con guión del propio Joe y basado en la historia de su propia novela gráfica, que crearon junto a Ande Parks, nos llega esta película. Una historia alejada del mundo de superhéroes de Marvel donde los hermanos Russo y Hewmsworth, quien también produce esta película, han colaborado extensamente. Y eso nos lleva al otro nombre ligado a la película, el de su director, el debutante Sam Hargrave, experto doble de escenas de acción, coordinador de especialistas y coreógrafo, pero que aquí da el salto finalmente a la dirección con una película que le va como anillo al dedo. Un vehículo de acción con aires de película de los ochenta y de vehículo de acción asiática.

       Tyler Rake es un mercenario del mercado negro, que es contratado junto a su equipo, para rescatar a un joven secuestrado, hijo de un poderoso hombre enfrentado a otros no menos poderosos hombres. Rake hará lo que esté en sus manos por proteger al joven, incluso a riesgo de perder su vida o de equivocarse, porque algo le impulsa a salvar a este desconocido adolescente. Una carrera contrarreloj por las calles de una ciudad en guerra, con el gobierno, las bandas y cualquiera que desee hacerse un nombre buscando a ambos. Se pueden imaginar el resto. La verdad es que el guión, tiene demasiados tópicos y no hace falta darle muchas vueltas para saber lo que nos espera en cada momento. No pasa nada, la película nos distraerá con sus brutales secuencias de acción.

Crítica de la película Sergio

Flojo biopic de la vida del alto cargo de la ONU Sergio Vieira de Mello.

         Especialmente de sus últimos años y de su época en Irak, definida por un intento por cambiar las cosas tras la invasión de la coalición a inicios del siglo XXI. La película falla irremediablemente porque en su intento por humanizar al personaje se dedica a mostrarnos una serie de tópicos muchas veces terribles sobre su relación romántica con el personaje de Carolina Larriera, su pareja en el momento de contarnos la historia. Una historia romántica similar a la vista en otras películas como ésta. Por ejemplo aquella terrible con Ajelina Jolie y Clive Owen llamada Amar Peligrosamente. Un culebrón mal elaborado, sin sangre y con momentos sonrojantes, que es salvado por el talento de sus intérpretes.

         Sergio Vieira de Mello viaja a Irak para ser el alto cargo de la ONU en la región tras la ocupación norteamericana. Es 2003 y el país es un polvorín. La muerte de Sadam Hussein no parece solucionar nada y mientras la gente se desespera Sergio planea un cambio que pueda mover las cosas y salvar el país. Pero un atentado en la sede de la ONU de la capital, cambiará todo. Con su vida en riesgo, Sergio recordará su viaje hasta Irak, su paso por Timor Oriental, su relación con sus hijos y, sobre todo, con la que sería el amor de su vida, Carolina, que trabajó con él codo a codo durante los últimos años.

Crítica de la película Vivarium

Metáfora sobre la madurez en clave de inquietante, y a veces fallido, relato de ciencia ficción.

Una historia que nos recordará, inevitablemente, a los episodios de series míticas como La Dimensión Desconocida, Más allá del límite o, sobre todo, Black Mirror, la serie británica que más ha tocado recientemente este tipo de historias. La película de Lorcan Finnegan, su segunda como director, es un relato inquietante, sin duda, que homenajea a todas esas series y tiene detalles realmente interesantes. Quizá un tipo de relato no tan habitual en cien estos días, al menos en las películas de mayor presupuesto. Estrenada en nuestro país en la sala virtual que ha intentado mantener una fuente de estrenos continua aunque sea desde casa, Vivarium es una interesante película, aunque no sea una experiencia completamente redonda.

La película de Finnegan nos lleva a conocer a una joven pareja. Ella es profesora y él jardinero, y buscan tener su primer hogar. Una casa donde vivir juntos y, quién sabe, quizá tener una familia. Pronto visitan la promoción que un vendedor les ofrece, una serie de casitas todas iguales de color verde, donde quizá encuentren ese sitio que anhelan. Aunque pronto el vendedor les abandona y es imposible abandonar la urbanización para ellos. Una pesadilla que se verán obligados a vivir cuando un niño aparece en la casa para vivir con ellos. Un niño que no es precisamente un ser humano normal y que no deja de observarles. No hay forma de escapar de este mundo irreal, vacío, solitario y aterrador, del que no pueden escapar.

Crítica de la película La dama y el vagabundo

El nuevo remake live action de Disney es uno de los más flojos de la compañía y no aporta nada nuevo respecto al original.

Uno de los principales reclamos en cuanto a producción original en el desembarco de Disney+ en nuestro país eran la serie The Mandalorian y la adaptación en imagen real de todo un clásico como La dama y el vagabundo. Mientras que la primera tiene un acabado visual y un estilo narrativo cinematográfico que marca el camino a seguir para el resto de series de la plataforma, la película de Charlie Bean (La LEGO Ninjago película) simplemente no tenía un lugar mejor a donde ir.

La historia original de 1955 es de sobra conocida por todos. Es sencilla y cálida, además de funcionar como un reloj en sus escasos 75 minutos de metraje. El problema viene cuando ese relato que ya se ha contado infinidad de veces se estira, perdiendo ritmo y encanto, con un tono más propio de los remakes Disney de los años 90. En ese tiempo extra el guionista Andrew Bujalski hace que la historia de amor entre Reina (Tessa Thompson), una mimada cocker spaniel, y Golfo (Justin Theroux), un curtido perro callejero, sea más ingenua que la original, debido en parte a la ausencia de subtexto. La escasa expresividad de los caninos fruto de la mezcla de imagen real con CGI -mejorada, eso sí, si se compara con el remake de El rey león- provoca que subrayen en exceso mensajes del original que todavía siguen calando entre el público, como la importancia del hogar, la eterna lucha entre el sentimiento de libertad y de abandono o la denuncia del maltrato animal.

Crítica de la película El Hoyo

Brillante metáfora sociopolítica disfrazada de thriller de supervivencia.

El cine ha mostrado a lo largo de su historia el enfrentamiento del hombre contra seres de otros mundos o la propia naturaleza, pero a veces olvida que los monstruos más peligrosos pueden habitar dentro de cada uno de nosotros. El hombre es un lobo para el hombre, y a partir de esta reflexión el director Galder Gaztelu-Urrutia construye en El hoyo una intrigante y tensa distopia sobre la corrupción moral y la insolidaridad en tiempos críticos.

Todo comienza cuando Goreng (Ivan Massagué) despierta en una celda únicamente provista de dos camastros y un lavabo. Tan desconcertados como el protagonista, no sabemos dónde se encuentra, qué hay fuera o cómo ha llegado allí. De compañero de encierro tiene a un tipo sabio y turbio llamado Trimagasi (Zorion Eguileor) que le explica todo lo que debe saber. Se encuentran en el nivel 33 de El hoyo, un lugar conformado por un número desconocido de celdas (Trimagasi asegura que pueden ser más de doscientas) construidas unas sobre otras y comunicadas únicamente por un agujero en el centro de la habitación. Por él desciende una vez al día una mesa repleta de comida que disfrutan primero los que están en el primer nivel y que va menguando hasta desaparecer. Cada mes los internos cambian de nivel al azar, por lo que ambos deberán disfrutar de su privilegiada posición mientras puedan.

Crítica de la película Bloodshot

Entretenimiento al servicio de Vin Diesel.

Un producto más en la lista de los muchos que Diesel ha interpretado en el género durante toda su carrera, y que nos han dejado personajes que ya son parte de la historia del cine reciente, como Dominic Toretto. No es que aquí tengamos persecuciones de coches (aunque alguna hay) imposibles, ni tunning ni nada por el estilo. Pero sí el arquetipo de héroe forzado por las circunstancias, en una adaptación de los cómics de Valiant en torno al personaje que, en esta ocasión, mantiene cierta fidelidad a la esencia del cómic, aunque no del todo a su historia. Digámoslo así. Si usted ha leído los cómics, aunque haya muchos cambios en la trama (muchísimos) sabrá perfectamente lo que va a suceder en cada giro de guión. Porque ya lo ha leído con anterioridad…

No vamos a profundizar mucho en la historia porque muchos desconocen al personaje, pero la idea en apariencia es sencilla. Un soldado fallecido y traído de vuelta a la vida por nanotecnología que le da habilidades muy superiores a las de cualquier humano. A partir de ese arranque encontramos una historia sencilla, apañada, sin pretensiones y con un par de giros ajustados que hacen honor al personaje de cómic. El guionista de La Llegada y Destino Final 5 (sí, es el mismo, Eric Heisserer), une fuerzas a Jeff Wadlow, conocido por su trabajo en Blumhouse, en mediocridades como Verdad o Reto y Fantasy Island, pero también en Bates Motel o The Strain. No van a ganar el Oscar, claro. Pero cumplen y la película no les exige nada más.

Crítica de la película Onward

Pixar vuelve a maravillarnos.

Y quizá no sea la mejor de las películas de la compañía. O quizá no la recordemos igual que a algunos de sus clásicos, aunque no es ni de lejos la película más floja de Pixar, pero sin duda será uno de esos momentos que recordaremos cuando salgamos de la sala de cine, porque nos emocionaremos con lo que vamos a ver en pantalla, eso seguro. La película sabe ser emotiva sin ser obvia o evidente, sorprendiendo al espectador con un viaje de dos hermanos que no es lo que esperábamos al principio y que termina siendo una auténtica maravilla. De nuevo, los estándares de Pixar están siempre por las nubes, por lo que puede que Onward no sorprenda al público como otras de sus películas, pero tiene lo que le falta a muchas producciones, animadas o no, un buen guión y alma.

La historia nos presenta a dos hermanos, elfos, que viven en un mundo muy similar al nuestro, en el que la magia ha desaparecido por completo. Nadie cree en ella, nadie la usa ya. Todo el mundo confía en la ciencia. Pero ambos hermanos emprenderán una aventura épica cuando descubran un bastón mágico que su padre les dejó en herencia, y aprendan que uno de ellos es capaz de usar la magia que todos creían olvidada. Una historia de viaje de búsqueda, para encontrarse con ellos mismos, con quiénes son realmente y quiénes van a convertirse, pero también para devolver la magia al mundo, un mundo demasiado entusiasmado con el progreso como para volver a creer.

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