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Crítica de la película Midsommar

Agridulce regreso de Ari Aster detrás de las cámaras.

Y sé lo que muchos van a decir y he visto lo que opinaban muchos en Estados Unidos, miembros todos de la respetable crítica profesional, que en gran medida han alabado la segunda película como director de Aster, y siento decir que no puedo hacerlo como ellos. Estamos ante una buena película, por supuesto, pero ni está al nivel de Hereditary ni viene a revolucionar nada. Es una mezcla entre las obsesiones de su director con El Hombre de Mimbre y La bruja, pero no llega tampoco al nivel de ninguna de esas películas. Es buena pero es una oportunidad fallida que mezcla momentos de una enorme brillantez con otros que son realmente desesperantes, en los que el director se cree más listo que el espectador y se dedica a regodearse en ello. Aunque realmente no es más listo.

Midsommar es la historia de un grupo de amigos que se traslada a una pequeña población sueca, de donde es uno de ellos, a disfrutar de un peculiar festival de verano, en ese momento en el que apenas existe la noche y hay luz solar durante todo el día. Lo que parecen unas vacaciones más que interesantes, acaban convirtiéndose en un viaje lleno de peligro y misterio cuando descubran que la población es parte de un culto pagano con  unas intenciones oscuras (o no) y donde las miserias de cada uno de los miembros del grupo empiezan a salir a la luz. Una historia interesante que, de inicio, tiene uno de sus primeros pecados, su duración excesiva de casi dos horas y media, completamente innecesaria.

Crítica de la película Utoya. 22 de julio

Escalofriante recreación de Erik Poppe, de la matanza indiscriminada que perpetró el ultraderechista Anders Breivik, el 22 de julio de 2011.

Unas imágenes exhiben la estruendosa explosión en un edificio de oficinas del gobierno, en Oslo (Noruega). Estas secuencias, tomadas de manera confusa y un tanto amateur, dan paso al  nervioso movimiento de una cámara, que sigue a una chica llamada Kaja; la cual pasa un tiempo de relax y confraternización juvenil en la noruega isla de Utoya, al lado de su hermana pequeña. La adolescente muestra preocupación por lo ocurrido en la capital, y habla de ello con su madre y sus amigos; cuando de repente se escuchan unas detonaciones a lo lejos. Al principio, los chicos piensan que son petardos; pero todo se vuelve oscuro y neurótico, en el momento en que los adolescentes ven a un grupo de compañeros corriendo despavoridos a ponerse a salvo. A partir de esta escena, Erik Poppe introduce al espectador en la pesadilla real que experimentaron los chavales que estaban de campamento en la citada localización, el fatídico 22 de julio de 2011.

El cineasta nórdico opta por una estructura casi de documental, con personajes que, pese a estar inventados en sus respectivas identidades, guardan una correlación fiel con gran parte de las víctimas del sádico Anders Breivik.

Utoya. 22 de julio toma el estilo audiovisual de la impactante Elephant (Gus Van Sant, 2003), y lo mezcla con ciertos toques de El proyecto de la bruja de Blair (Eduardo Sánchez, Daniel Myrick, 1999); todo para generar un producto directo y descarnado, en el que no existe banda sonora, y donde los planos parecen gestionados por la urgencia y el miedo que padecen los muchachos que huyen de la muerte.

Crítica de la película Serenity

Duele ver tanto talento desperdiciado cuando además la idea era buena….

Serenity es la tercera película como director del guionista Steven Knight, un tipo con el talento suficiente para crear las series Taboo o, sobre todo, Peaky Blinders, y que ha escrito películas como Promesas del Este, Negocios Ocultos, El Caso Fischer o las que él ha dirigido, la más que interesante Redención y la brillante Locke. Pero también es el guionista de Aliados, Los Criminales de Noviembre, El Séptimo Hijo o esta que nos ocupa, así que no todo es brillantez en la cabeza del guionista. Y en este caso todo lo que propone es tan bizarro y está tan fuera de lugar, que uno no sabe realmente si es Knight o le han abducido y suplantado por un clon con la mitad de su talento… o la mitad de la mitad.

La historia es en base cine negro. Un hombre retirado en una isla como pescador, llevando a turistas a disfrutar de la pesca en su barco, y obsesionado con un atún enorme al que debe pescar. Su Moby Dick pero en atún. De repente aparece en la isla su exmujer que le ha encontrado y le ofrece dinero por llevar a pescar a su nuevo marido y dárselo de comer a los tiburones, porque el tipo la pega, la maltrata y es un peligro también para el hijo que tuvieron ellos dos y al que el protagonista no ve desde hace tiempo… Hay en la isla también un tipo que quiere contactar con nuestro pescador a toda costa… pero eso son cosas que deben ver para analizar ustedes mismos.

Crítica de la película Annabelle vuelve a casa.

Más que aceptable dentro de la miríada de secuelas, precuelas y spin offs de Expediente Warren.

Por encima de su primera entrega, pero todavía inferior a Annabelle Creation, que mostraba el nacimiento de este monstruo que forma ya parte de los iconos del cine de terror. No podía ser menos, si de una forma u otra la película ya ha aparecido en un buen puñado de películas, y además de su papel protagonista en su trilogía, tenía uno muy importante en Expediente Warren. El público todavía no se ha cansado de ella, así que puede seguir dando miedo un tiempo más. Y ahí reside la clave del buen hacer de la historia. No cansa al espectador pese a conocer a la muñeca a la perfección.

La historia nos presenta de nuevo a los Warren en esta ocasión, tiempo antes de la primera película, justo cuando entra en su poder la muñeca Annabelle, la maldita figura poseída por un demonio que lleva aterrorizando a la gente desde los años cuarenta. A través de la llegada a la casa, aparecen las auténticas protagonistas, McKenna Grace, sustituyendo a Sterling Jerins como Judy Warren, la hija del matrimonio, y su niñera, Mary, interpretada por Madison Iseman. Juntas tendrán que sobrevivir cuando la muñeca, convertida aquí en un faro para otras almas y espíritus, decida hacer de las suyas. Porque ya sabemos que lo que viene con Annabelle no son precisamente fantasmas que quieren volver a casa. Son almas condenadas con muy malas pulgas y muchas ganas de hacer daño.

[video] Crítica de la serie de HBO CHERNOBYL

La miniserie del año por el momento, o serie limitada como deseen llamarla. Con un reparto liderado por Jared Harris, Stellan Skarsgard y Emily Watson, la serie de Craig Mazin que relata con precisión casi quirúrgica los hechos sucedidos en Chernobil desde que sucedió el accidente hasta el juicio posterior, se ha convertido en uno de los fenómenos del año, con millones de espectadores discutiendo sobre su contenido, sus responsables y las repercusiones hasta la actualidad. Cuesta mucho, por momentos, separar realidad de ficción y entender que estamos ante una serie de ficción, no un documental. Eso es un elogio a lo que ha supuesto la serie y a su enorme calidad, siendo considerada por los seguidores de la web imdb.com como la mejor serie de la historia.

Jesús Usero

Crítica de la película Lo Nunca Visto.

Comedia sencilla y a veces algo simple.

Una trama que busca ser conciliadora, “buenrrollista”, positiva y una batalla más contra el racismo y la xenofobia, y lo consigue en determinados momentos, pero en otros peca de tópica y previsible, cuando no cae en lo ridículo o en lo ofensivo, no para la cultura de cada uno, ni para las razas, sino para la inteligencia del espectador. No es la tónica general de la película, pero sí es cierto que cae en esos tópicos y en ese juego demasiado a menudo, restándole méritos a una película que es divertida, sin duda, y que hace reír a la gente, que es su principal objetivo, pero no termina de quedar del todo redonda por varios motivos, y deja la sensación de que podía haber sido menos obvia… Menos evidente en su camino educador para la audiencia.

La trama es tan alocada como prometedora. Un pequeño pueblo perdido en la sierra, rival de sus vecinos de abajo, que tienen mejor suerte que ellos. Pese a sus intentos por resucitar el pueblo de cara a la gente, el pueblo se muere y ya no tiene ni 20 habitantes. Si no aumenta su población antes de que lleguen las elecciones, el pueblo será absorbido por sus vecinos y perderán su ayuntamiento, su médico, las quitanieves en invierno… hasta el cura. La solución llega de donde menos lo esperan. Cuatro personas han huido por el monte. Son africanos y en los medios dicen que son peligrosos, pero el pueblo pronto descubrirá que quizá sean la única oportunidad que tienen de salvarse, aunque eso les obligue a superar sus miedos, sus prejuicios y aprendan a convivir.

[video] crítica de la película EL REY LEON 2019

Miguel Juan Payán y Jesús Usero

Crítica de la película EL REY LEON 2019

Crítica de la película El Rey Leon

Remake repetitivo casi plano por plano del original, pero sin nervio.

El rey león en dibujos animados sigue sin ser destronado. A pesar del buen trabajo que hizo y de lo mucho que me convenció Jon Favreau en su remake de El libro de la selva, aquí la selva se le ha atragantado. Su versión de El rey león es un remake sin personalidad propia que además en un intento por rendir doble tributo al original de animación y la versión del mismo en clave musical, acaba por olvidar que debería tener una personalidad propia, a poder ser cinematográfica.

En algunos momentos el intento de hacer valer el legado del musical acaba por afectar al rendimiento cinematográfico de esta película.

Su otro problema radica en que no consigue estar a la altura de los grandes momentos clave de la película de animación. Ni en la estampida, ni en el humor de Timón y Pumba. Ni en la relación sentimental de Simba y Nala. Y por supuesto tampoco en el verdadero corazón, el alma del original: la relación de Simba y Mufasa, padre e hijo, que se explica como tema central del legado en esa secuencia donde Simba recupera su personalidad recibiendo el mensaje de la memoria de su padre.

No hay nervio en ninguno de esos momentos. No hay nervio porque el alarde de arte de dibujos animados es sustituido aquí por un alarde tecnológico visualmente impresionante, técnicamente sobresaliente… pero sin alma, sin nervio, sin ritmo.

Crítica de la película Wild Rose

Jessie Buckley se desmelena en este musical de naturaleza country, cuyo estilo recuerda al de The Commitments.

La voz rota y agresiva de Jessie Buckley alerta a los espectadores sobre el tono agridulce de este musical, que no sigue la norma habitual de las producciones del género calificado como feelin’ good. Pocas cosas de las incluidas en el guion de Wild Rose sirven para alcanzar el estado de bienestar que se percibe con Mamma Mia! o Amanece en Edimburgo; ya que la zozobra existencial que se respira recuerda más a las contorsiones dramáticas de The Rose, o a los accesos aguardentosos y costumbristas de The Commitments y Fama (más la película de Alan Parker, que la homónima serie de televisión).

Tom Harper construye una historia más cercana al cine de Ken Loach, que a los grandes espectáculos melódicos que copan las carteleras teatrales y cinematográficas. Pero el ejercicio resulta realmente estimulante, gracias sobre todo a la enérgica interpretación de la irlandesa Jessie Buckle. La actriz de Chernobyl realiza una caracterización memorable, en la piel de la peleona y soñadora Rose Lynn: una chica de Glasgow que acaba de salir de la cárcel, y que es capaz de arriesgar cualquier cosa por su anhelo de viajar a Nashville, en USA.

Crítica de la película El Cuento de las Comadrejas

Campanella vuelve a fascinarnos con un relato único.

En su vertiente más creativa, porque ya sabemos que hay dos Juan José Campanella, el director de cine de habla hispana, en Argentina principalmente, y el director de televisión respetado y admirado, pero más al servicio de la narrativa norteamericana que de sus propias historias. ¿Significa esto que menospreciemos el papel que juega el autor en el medio televisivo americano? Para nada, y Campanella ha dado algunos de los mejores episodios de tv de los últimos años. Pero cuando lo comparas con el trabajo del autor en películas como El Hijo de la Novia, El Secreto de sus Ojos, Luna de Avellaneda o la que nos toca hoy, El Cuento de las Comadrejas, todo palidece…

La historia nos presenta a un muy peculiar grupo de ancianos, liderados por una antigua estrella de cine, su esposo, un actor que nunca pasó de secundario, el director que ayudó a encumbrarla y el guionista que escribió sus mejores papeles. Esos personajes, ligados al mundo de la interpretación, se enfrentan a dos  jóvenes que parecen admirarlos, sobre todo a ella, con locura, y que les tratan con reverencia, como a las estrellas que un día fueron. Aunque quizá debajo de todo ese afecto y admiración, se esconda un motivo oculto que complique las cosas para este peculiar grupo de ancianos que tienen también más de un secreto que esconder, y que además no son precisamente un grupo de personas con las que uno pueda meterse sin que haya… consecuencias.

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