Crítica de la película Wild Rose

Jessie Buckley se desmelena en este musical de naturaleza country, cuyo estilo recuerda al de The Commitments.

La voz rota y agresiva de Jessie Buckley alerta a los espectadores sobre el tono agridulce de este musical, que no sigue la norma habitual de las producciones del género calificado como feelin’ good. Pocas cosas de las incluidas en el guion de Wild Rose sirven para alcanzar el estado de bienestar que se percibe con Mamma Mia! o Amanece en Edimburgo; ya que la zozobra existencial que se respira recuerda más a las contorsiones dramáticas de The Rose, o a los accesos aguardentosos y costumbristas de The Commitments y Fama (más la película de Alan Parker, que la homónima serie de televisión).

Tom Harper construye una historia más cercana al cine de Ken Loach, que a los grandes espectáculos melódicos que copan las carteleras teatrales y cinematográficas. Pero el ejercicio resulta realmente estimulante, gracias sobre todo a la enérgica interpretación de la irlandesa Jessie Buckle. La actriz de Chernobyl realiza una caracterización memorable, en la piel de la peleona y soñadora Rose Lynn: una chica de Glasgow que acaba de salir de la cárcel, y que es capaz de arriesgar cualquier cosa por su anhelo de viajar a Nashville, en USA.

Crítica de la película El Cuento de las Comadrejas

Campanella vuelve a fascinarnos con un relato único.

En su vertiente más creativa, porque ya sabemos que hay dos Juan José Campanella, el director de cine de habla hispana, en Argentina principalmente, y el director de televisión respetado y admirado, pero más al servicio de la narrativa norteamericana que de sus propias historias. ¿Significa esto que menospreciemos el papel que juega el autor en el medio televisivo americano? Para nada, y Campanella ha dado algunos de los mejores episodios de tv de los últimos años. Pero cuando lo comparas con el trabajo del autor en películas como El Hijo de la Novia, El Secreto de sus Ojos, Luna de Avellaneda o la que nos toca hoy, El Cuento de las Comadrejas, todo palidece…

La historia nos presenta a un muy peculiar grupo de ancianos, liderados por una antigua estrella de cine, su esposo, un actor que nunca pasó de secundario, el director que ayudó a encumbrarla y el guionista que escribió sus mejores papeles. Esos personajes, ligados al mundo de la interpretación, se enfrentan a dos  jóvenes que parecen admirarlos, sobre todo a ella, con locura, y que les tratan con reverencia, como a las estrellas que un día fueron. Aunque quizá debajo de todo ese afecto y admiración, se esconda un motivo oculto que complique las cosas para este peculiar grupo de ancianos que tienen también más de un secreto que esconder, y que además no son precisamente un grupo de personas con las que uno pueda meterse sin que haya… consecuencias.

Crítica de la película Yesterday

Danny Boyle y Richard Curtis diseñan convincentemente un mundo en el que The Beatles no han dejado legado alguno.

¿Qué habría pasado si The Beatles nunca hubieran copado las listas de éxitos? ¿Cómo habría sobrevivido la música del siglo XX sin las genialidades de John, Paul, George y Ringo? Estas preguntas son las que dotan de base argumental a esta extraña colaboración entre Danny Boyle y el guionista Richard Curtis. Y lo que sustentan tales diatribas es una historia altamente imaginativa y colorida, en la que las canciones del cuarteto de Liverpool son las auténticas protagonistas; incluso a pesar de ser temas supuestamente inéditos, para la mayor parte de los personajes que pueblan el metraje del filme.

Yesterday arranca con la pesarosa existencia de Jack Malik (Himesh Patel): un cantautor que está a punto de tirar la toalla, debido a la nula aceptación de sus actuaciones musicales. El joven solo encuentra el apoyo en su amiga y manager: una profesora de matemáticas llamada Ellie (Lily James). Sin embargo, todo ese desánimo cambia de repente. Un extraño apagón hace que Jack tenga un aparatoso accidente de tráfico, por lo que es ingresado en el hospital. Cuando el muchacho despierta, este descubre atónito que nadie recuerda a The Beatles, grupo que ni siquiera aparece en las búsquedas por Internet. Sin saber muy bien cómo reaccionar a la noticia, el protagonista interpreta un día Yesterday; y sus amigos le animan a escribir canciones tan buenas como esa. La oportunidad de alcanzar el triunfo en las ondas lleva a Jack a echar mano del extenso repertorio del cuarteto de Liverpool, y ofertarlo como propio. Pronto, las versiones de estos temas grabadas en youtube llaman la atención del famoso Ed Sheeran, quien se muestra entusiasmado con la capacidad compositora del otrora reponedor en un supermercado. Tras el apoyo de Sheeran, el protagonista es catapultado a un mundo de fans y contratos millonarios, que amenaza con destruir sus intereses artísticos, creativos y sentimentales.

Crítica de la película La (des) educación de Cameron Post

Chloë Grace Moretz encuentra un papel para lucirse respaldada por sus compañeros.

Los actores y el sentido del humor que permite equilibrar la parte más dura del argumento mediante la ironía son las mejores bazas con la que cuenta este largometraje a la hora de poner en pie un alegato contra las prácticas de “terapia” de “cura” de la homosexualidad que son el epicentro del argumento. Desde hace un tiempo, esta actriz tiene tendencia a perderse y quemarse en proyectos que están por debajo de su rendimiento e inevitablemente me recuerda la carrera que llevó hace años otra actriz de similares características, Kirsten Dunst. El talento de ambas ha estado por encima de algunas de la películas en las que han participado, lo cual que han sido frecuentemente desaprovechadas. En ese sentido pienso que al contrario de lo que ocurre con algunos de sus últimos trabajos -estoy pensando por ejemplo en La quinta ola, Malditos vecinos y La viuda-, La (Des)educación de Cameron Post le propone a su protagonista un guión más a la altura de su talento y le permite un juego más amplio de sus cualidades. Y eso en un tema que con gran facilidad, como muy recientemente ha mostrado El secreto de las abejas, puede trocarse en un campo de minas de clichés, ahogarse en los lugares comunes de la reivindicación más obvia y de poca profundidad.

Crítica de la película Elcano y Magallanes, la primera vuelta al mundo

Historia y animación para toda la familia.

Una película que parecía mucho más infantil de partida, pero que apuesta por contar una historia más para todos los públicos que sólo para los más pequeños. De hecho hay muchos momentos en los que la película no es precisamente para los más pequeños de la casa, sino para niños algo mayores. Hay violencia y batallas, momentos duros, de pérdida y de traición. Y una forma divertida de contar el primer viaje alrededor del mundo, comenzado por Magallanes y terminado por Elcano. Y perseguidos aquí por los portugueses, los villanos de la historia. No es que los portugueses sean malos, es que la película requiere de unos antagonistas y opta por los rivales históricos en aquel momento…

Elcano es un capitán vasco intrépido, valiente, quizá algo egoísta y demasiado pagado de sí mismo, siempre en problemas y con deudas, que se ve obligado en Sevilla a sumarse a la expedición de Magallanes, quien tiene una ruta secreta para dar la vuelta al mundo y llegar a las Indias por el Oeste, en lugar de por territorio portugués, quienes controlan la única ruta conocida hasta esa lejana tierra de donde llegan las especies que se han convertido en una mercancía tan valiosa como el oro. La película juega con esa historia, con ese viaje lleno de peligros, aventuras, traiciones y la leyenda de dos nombres que han pasado a la historia del mundo no sólo de la navegación, debido a su increíble gesta que narra la película.

Crítica de la película Spider-Man Lejos de Casa

Spider-Man cada vez más cerca de casa.

En el sentido de que cada vez se aproxima más lo que vemos en pantalla a la esencia de las viñetas, algo que muchos parecen no querer comprender, y lo siento. Por ellos y por lo que quiero explicar. La película es cada vez más fiel a la esencia de lo que es Peter Parker, un joven con una carga de culpa enorme sobre sus hombros que no es capaz de conciliar sus poderes con su vida mundana, y que pese a su inteligencia, sigue siendo un adolescente que no está preparado en muchos sentidos para enfrentarse al mundo. Spider-Man es romance, es aventura, es acción y es humor, un humor a veces extraño, que viene de la verborrea del personaje en acción y de su peculiar forma de ser fuera de la acción.

Es eso lo que me sacó de mis casillas en principio en Homecoming, esa manía por ridiculizar al héroe cuando estaba vestido de traje y en plena faena, no entendiendo que es entonces cuando Spider-Man no es un joven patoso, sino un héroe. Pero uno nervioso porque es joven, y tiene miedo, así que lo libera hablando sin parar. Aquí tenemos el paso a la madurez del héroe, que sigue teniendo 16 años, pero debe decidir si quiere aceptar esa responsabilidad, esa enorme carga, o si se convierte en un simple adolescente más. No es una decisión sencilla y la película la maneja muy bien porque, como en los cómics, tras un momento ligero y de humor, llega uno más devastador para el personaje. Uno que le rompe. Y eso funciona de maravilla.

Crítica de la película Tu mejor amigo: Un nuevo viaje

Sensible secuela de Tu mejor amigo, en la que Gail Mancuso sigue fielmente el esquema argumental establecido por el escritor W. Bruce Cameron.

A estas alturas, a nadie le pilla por sorpresa reconocer que el perro es el mejor amigo del hombre; a pesar de que la cosa no esté tan clara si se invierten los términos (sobre todo cuando aparece alguna noticia relativa al maltrato animal). El narrador W. Bruce Cameron quiso dar un voto de confianza a sus congéneres, y fusionar el mundo de los humanos y el de los canes; a través de un compromiso que requiere continuas reencarnaciones por parte del /los perro/s protagonista/s. De esta forma, y bajo semejante tesis, surgió el libro Tu mejor amigo, que se convirtió en un best-seller desde casi su aparición en las librerías.

La fórmula de encarrilar una historia de amor y amistad entre un niño y su can, que trasciende incluso al viaje hacia el Más Allá del segundo de ellos, cautivó a los lectores y al cineasta Lasse Hallström, quien había dirigido previamente la versión norteamericana de Siempre a tu lado (Hachiko).

Crítica de la película Los muertos no mueren

Divertida parodia de las películas de zombis y sus códigos repetitivos.

Jim Jarmusch se ríe en bloque de toda la cultura popular de nuestro tiempo, haciendo especial hincapié en los hípsters, con una historia que respeta cuidadosamente cada paso de desarrollo y cada código de identidad de las películas sobre muertos vivientes, a las que igualmente somete a la sátira con la complicidad de un puñado de actores que le siguen el juego.

Sin embargo sospecho que muchos espectadores no van a pillar lo más divertido del sentido del humor del director, cosa que ya ocurrió cuando se dedico a parodiar las últimas modas de películas sobre vampirismo en Solo los amantes sobreviven, película que, hay que aclararlo, es superior en su conjunto a ésta, aunque en el fondo ambas están abordando algunos temas comunes y persiguen desde su empeño en la sátira poner en solfa esta sociedad tan superficial, absurda, cacofónica y repetitiva en la que vivimos.

Crítica de la película Muñeco diabólico

Hace bien todo lo que podría hacer mal. Mejor que el original. Grande Mark Hamill.

En todo aquello en lo que podrían haber fallado, aciertan. Y el resultado es que esta nueva versión de Muñeco diabólico es mejor que el original. Tiene más solidez en su propuesta y presentación de personajes, y trabaja muy bien la complicidad del público para sacar más jugo a la propuesta de mezcla de comedia con terror que es la más apropiada para este tipo de proyecto.

Por un lado es un homenaje a las claves esenciales del original, incluso en lo referido a su lenguaje visual, su fotografía, los colores de algunos planos, los encuadres y en el argumento el juego de los niños asociados con síndrome de Goonies enfrentados a la amenaza, elementos todos ellos extraídos del cine de los ochenta (seguimos con el revival iniciado con la serie Stranger Things y la película It). Por otro lado es una sátira sobre un acuciante problema de nuestros días, nuestra creciente adicción y dependencia de las ya no tan nuevas tecnologías. La película saca el máximo partido a este asunto y en su principio, buscando una explicación más sólida que la del original para poder jugar con la complicidad del público, incorpora en la misma una parodia de lo que está ocurriendo con la economía internacional y parodia los miedos y leyendas urbanas asociadas a los lugares lejanos donde se fabrican muchos de los productos de esa “nueva tecnología” que tenemos en nuestras manos. Es algo que siempre le sale bien a esta película: matar dos pájaros de un tiro.

Crítica de la película En los 90

Veraz, descarnada y amarga. El nacimiento de la voz de un prometedor autor.

En los títulos de crédito iniciales uno ve que la película está escrita y dirigida por Jonah Hill, el eterno adolescente salidorro surgido de la factoría Apatow, y rápidamente piensa que va a asistir a una sucesión de chistes escatológicos y gags de dudoso gusto. La presencia de un adolescente como protagonista no hace sino alimentar esas sospechas, por lo que Hill aprovecha para noquear al espectador desde el primer plano. Por sorpresa, nos encontramos ante una película seria, durísima y visceral.

En los 90 cuenta la historia, con ciertos tintes autobiográficos, de Stevie (fantástico Sunny Suljic), un chico de 13 años que vive en Los Ángeles de los años 90 en el seno de una familia completamente disfuncional. Ante los estallidos de violencia de su hermano y la constante afluencia de desconocidos que visitan el cuarto de su madre, Stevie se refugia en una tienda de skate en la que encuentra un nuevo grupo de amigos. Para encajar comienza a compartir su pasión por el skate, pero el camino hacia la felicidad puede torcerse cuando se toman malas decisiones.

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