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[video] Crítica de la película Rocketman por Miguel Juan Payán y Jesús Usero

Crítica de la película Rocketman

Buena película en la fórmula de biografía musical con un Taron Egerton sobresaliente.

Soy consciente de que es demasiado pronto para pensar en en los nominados a los más celebrados galardones en la producción de este año, pero no sería nada raro que si la memoria hace su trabajo a pesar de lo lejos que pilla la temporada de premios, veamos a Taron Egerton en la lista de candidatos de premios correspondientes a 2019. Lo merece tanto por su trabajo ante las cámaras como por la inteligencia que ha aplicado al mismo y la desbordante energía con la que defiende el nada fácil encargo de dar vida a esa volcánica entidad musical que es Elton John.

La puesta en escena se alía con Egerton para aplicarle una demoledora potencia de arranque a este largometraje que recoge algunas de las mejores características de los musicales y el estilo de Alan Parker, a los que recuerda sobre todo en su primera parte, e incluye secuencias y planos tan bien construidos como el del momento en que la familia de Reginald escucha por primera vez a Elton John en el piano de la casa en el que lleva tocando desde la infancia. Con Reginald/Elton en primer plano y la madre al fondo con vestido azul y encuadrada por la puerta, esa escena es una definición mucho más perfecta de la verdadera magia de la música del protagonista que la posterior secuencia dedicada a su primer  concierto en Estados Unidos dando el mítico salto junto al piano que iba a definir el espectáculo Elton John que siempre ha acompañado al músico Elton John.

Crítica de la película Bohemian Rhapsody  

No es perfecta ni mucho menos, pero tiene varios momentos gloriosos.

La historia de una de las bandas de rock más conocidas de todos los tiempos, Queen, contada en un periodo de tiempo que nos lleva desde 1970, cuando Freddie Mercury se une a Bryan May y Roger Taylor, hasta 1985, en el concierto del Live Aid en Wembley ante más de 100000 personas presentes, y con cientos de millones más viéndolo en televisión, y uno de los momentos cumbres de la historia de la banda… Aunque realmente la película nos habla de la historia de Freddie y de su estela como leyenda del rock, sin olvidar su polémica vida privada, y la enfermedad que acabó con su vida, el SIDA. Desde el respeto, eso sí…

Crítica de la película Ha nacido una estrella 

Gran tarjeta de presentación de Bradley Cooper como director y Lady Gaga como protagonista de cine. Una película que seguro sonará en alguna categoría durante la temporada de premios, y que presenta una historia de sobra conocida por todos, porque es la cuarta ocasión que llega a las pantallas, y en esta, la verdad, creo que podemos decir que es la mejor de las cuatro. La historia de William A. Wellman y Robert Carson fue presentada al público por primera vez en 1937, con Wellman a los mandos de la película como director. Seguramente la más conocida fuese la de 1976 con Kris Kristofferson y Barbra Streisand. Y la mejor hasta la fecha era la de George Cukor de 1954. Hasta la fecha, claro.

Crítica de la película Moonwalker de Michael Jackson

De la imaginación de Michael Jackson nace una película como ninguna otra". En esta frase, pronunciada por Constantino Romero en el trailer de "Moonwalker", está condensada la esencia de toda la película. Si a la media hora de cinta te sigues preguntando qué estás viendo o porqué toda esa amalgama de videoclips, trocitos de documental, música y trama cinematográfica infantiloide, que parece montada por el mismísimo mono Bubbles, recuerda que estás asistiendo simplemente a lo prometido, un viaje al interior de la imaginación de Michael Jackson, que no es poco decir. El artista no solía dar entrevistas, pero se expresaba a través de su trabajo, y en "Moonwalker" quiso aprovechar la gran pantalla para abarcar mucho, aunque apretase poco. En la película tenía que recordar la trayectoria artística, presentar sus nuevos videoclips y convertirse en el actor que diese vida a su fantasía: meterse en la piel de una especie de superhéroe musical que consigue salvar a un grupo de niños de las garras de un narcotraficante interpretado por Joe Pesci.

El germen y pieza angular de la película lo constituye el cortometraje de "Smooth Criminal", el séptimo sencillo extraído del álbum "Bad", un videoclip que rivaliza, si no supera, al propio "Thriller". A su alrededor había que construir una historia que comenzó titulándose "Chicago Nights". Una de las primeras ideas de Michael era hacer un western al estilo de "Los siete magníficos"; por otro lado, se visualizaba a sí mismo y a otros diez bailarines con elegantes trajes bailando en un viejo teatro. No en vano, la canción había evolucionado desde una maqueta titulada "Al Capone". El propio Bob Fosse fue requerido para dar ideas en esos primeros momentos. Sería el bailarín y coreógrafo Vincent Paterson, con el que había trabajado en "Beat It" años antes, el que aportó el ambiente del hampa de los años 30 en Chicago. Dos años antes de comenzar a rodar, Michael comenzó a reclutar a un equipo en el que se barajaron los nombres de los directores Ron Howard o Robert Zemeckis, o el del técnico de efectos especiales Kevin Pike. Howard no supo por dónde coger el proyecto. El director, que venía de dirigir "Un, dos, tres... Splash" (1984) y "Cocoon" (1985), necesitaba un merecido descanso y dio un paso atrás. Zemeckis, recién fichado por Disney para dirigir "¿Quién engañó a Roger Rabbit?", también dejó pasar la oportunidad. Pike, que había sido citado por su trabajo en los efectos especiales de "Regreso al futuro", en especial por su adaptación del DeLorean, vio potencial en las sugerencias de Michael y se alistó. Quien ocupó la silla de director fue Colin Chilvers. La especialidad del británico eran los efectos especiales, entre ellos, hacer volar a Superman. Además dirigía, al menos para televisión, y tenía experiencia trabajando con niños. Chilvers llamó a su compañero de trabajo en "Superman", David Newman, para que escribiese un guión que diese cohesión al caos imaginativo de Michael. Le bastaron 26 páginas para tener una hoja de ruta en cuya ejecución se saltarían todas las reglas narrativas. Fue uno de esos escasos momentos de la historia del cine en los que el proyecto no tenía fecha de finalización, ni presupuesto estimado. Michael estaba al mando y se lo podía permitir económicamente, costase lo que costase. Chilvers, en busca de una estética sobre la que reposar el peso de la historia, propuso a Michael inspirarse en "El tercer hombre", el clásico del cine negro de Orson Wells. Además del citado Pesci, el resto de personajes lo conformaban tres chavales, Brandon Adams, Kellie Parker y Sean Lennon, el hijo de John y Yoko Ono.

¿Merece entonces la pena invertir 93 minutos en visionar este proyecto? Sin duda. "Moonwalker" captura para siempre en el tiempo a un artista en uno de los puntos más álgidos de su carrera. Captura también parte de la esencia de la añorada década de los '80. Todo en la película hace retroceder a ese momento. El color, los efectos especiales, la loca narrativa y, por supuesto la música, lo más incontestable del film. "Una película como ninguna otra". No será que no lo avisaban.

Toni Arias

Este texto es un extracto del libro MAGIA EN MOVIMIENTO: MICHAEL JACKSON A TRAVÉS DEL CINE Y LOS VIDEOJUEGOS cuyo precio es de 19€ + 3€ de gastos de envío y se puede adquirir a través de este enlace de PayPal:

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Crítica de la película Mamma Mia: Una y otra vez

Buena secuela musical, en algunos aspectos incluso superior a la original. Los fans de ABBA y del musical Mamma Mia están de enhorabuena con esta secuela que ofrece más música del grupo sueco y una profundización en el universo creado para el musical. Y los fans de la película, con la vuelta de todo su reparto al completo más alguna incorporación de lujo, también deben estar de celebración. Además porque era muy sencillo equivocarse, hacerlo mal completamente, caer en errores de secuelas y segundas partes varias. La mayor parte del tiempo no lo hace, y así, Mamma Mia Una y otra vez, se convierte en una más que digna película musical. Secuela, sí, pero con identidad propia y con su propia forma de acercarse a los personajes.

Se nota la mano del gran Richard Curtis, ausente por completo en la primera película, para dar nueva vida a la historia. Mamma Mia fue un éxito, pero bebía demasiado de su versión musical, dejando poco o nada como elemento cinematográfico. Era el musical, pero con muy pocos elementos propios personales, más allá de su genial reparto. No había nada realmente único. Que la autora del libreto lo fuese del guión también, explica esa situación. Aquí el guión, basado en una historia de Curtis, corre a cargo del ol Parker, el autor de los guiones de la saga Hotel Marigold. El humor brilla en la película, más que en la anterior. El tono de autoparodia, las ganas de todos de reírse de sí mismos… Todo funciona a la perfección.

En ese sentido es mejor, igual que en lo visual. La película parece tener más presupuesto, pero también más recursos visuales por parte de su autor. El hecho de que sean dos historias en realidad, presente y pasado, ayuda al uso de más colores y a sacar la historia de la pequeña isla para hacerla recorrer mundo de forma acertada. A eso hay que sumar un reparto sensacional, que incorpora nombres como Lily James, Cher o Andy García. Tanta estrella hace que alguno tenga menos tiempo en pantalla de lo deseable, y que alguna historia secundaria pierda fuerza. Pero con tanto talento en el reparto, con casi todos ellos cantando de forma maravillosa, el éxito parece garantizado.

La película prefiere emplear canciones del grupo ABBA mucho menos conocidas, exceptuando un par de temas, que repetir todo lo escuchado y cantado en la primera película (alguna sí, se repite, pero tiene su lógica). Los problemas son de guión con la película. Hay considerables agujeros en las tramas tanto del presente como del pasado, y se nota que tiene dos películas que quiere contar en una sola, lo que limita una de las historias, mucho menos potenciada que la otra. Necesitaba un guión más elaborado en lo dramático, que no quedase tan cojo ni diese tantas vueltas (musicales o no) alrededor de lo mismo. Podía ser mejor, claro, pero es una digna secuela. Superior a la original, sin lugar a dudas, aunque no sea perfecta.

Jesús Usero

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VENGADORES: LA GUERRA DEL INFINITO XXXXX

Crítica de la película La ciudad de las estrellas: La La Land 

Una de las mejores películas que vamos a ver este año. Lección de cine.

Normalmente no me interesa el cine musical, pero tengo que reconocer que desde su arranque esta película me enganchó y a medida que avanza en su desarrollo crece hasta convertirse en una de las mejores películas del año que ahora acaba de empezar. Tiene además el ADN de la película nominada a los Oscar y muchas papeletas para ser una de las ganadoras. Me dio la impresión de que Damien Chazelle, que ya nos había sorprendido muy gratamente con su trabajo en Whiplash, ha conseguido todo aquello que se propuso lograr, pero no logró, Francis Coppola con una de sus películas más arriesgadas pero peor comprendidas en su momento: Corazonada.

Crítica de la película Step Up Revolution

Cuarta entrega de la saga de baile, que en esta ocasión se traslada a Miami. Sorprende encontrarse con una saga de estas características, que nunca ha sido un taquillazo rotundo, aunque ha dado a luz a alguna estrella actual como Channing Tatum, pero que con todo sigue sacando entregas en salas de cine en lugar de directamente a vídeo. No es una crítica, ni mucho menos. Imagino que el coste es tan pequeño y que anda tras ella una compañía tan potente como Disney, que con poco que recaude ya es un éxito. Pero me sorprende con la de películas con grandes repartos que pasan de puntillas por la taquilla americana, (esta misma semana vemos un ejemplo, Shanghai), Step Up sigue gozando de gran salud.

Y eso que la trama tiene poco donde rascar. Grupo de jóvenes rebeldes que baila en las calles paralizando a quienes les rodean, para obtener un premio que les saque del anonimato, joven bailarina que quiere ser una estrella pese a la oposición del padre e historia de amor entre el joven líder del grupo y ella. Que por el camino empleen el baile para luchar contra una inmobiliaria que pretende acabar con el barrio de Miami donde viven y trabajan… es lo de menos.

Porque, reconozcámoslo, actores casi amateurs que destacan por sus habilidades como bailarines y su belleza, no porque sean actores en sí, cuerpos esculpidos, diálogos llenos de tópicos, personajes algo planos, historia de amor de andar por casa… Todos sabemos a lo que nos enfrentamos cuando vemos una película como ésta. No engaña a nadie. Es honesta de principio a fin. No sólo desde el principio de la película, sino desde el principio de la saga. Y es más, ¿a quién le importa? Lo que interesa realmente, y creo que cualquiera que haya visto alguna película de la sala coincidirá conmigo, son las coreografías y los bailes, los cuerpos sudorosos para los adolescentes y que al terminar la película sientas que has disfrutado las coreografías. Que sean buenas, espectaculares.

Y de eso la película anda sobrada. Desde el baile inicial en la calle, cada vez que el grupo the Mob se pone en marcha con una nueva locura nos sorprenden creando algo realmente brillante, que llena la pantalla, más allá incluso del baile. Desde la insuperable performance en el museo hasta el baile final, cada escena es aún más compleja que la anterior, como esa cena en un restaurante donde The Mob se presenta con un espectáculo basado en las máscaras venecianas.

Así que no se engañen. Aquí se viene a ver bailar a la gente. Y vaya que si lo hacen bien. Posiblemente sea la mejor película desde la original, aunque el único actor de verdad sea el genial Peter Gallagher. El resto, música, baile y entretenimiento que no llegará a mejor película del año, pero que cumple con lo que ofrece de sobra y que, con poco que te guste el baile, se disfruta desde el primer al último minuto sin aburrir ni un instante.

Jesús Usero.

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