Jesús Usero

Jesús Usero

Periodista cinematográfico experto en televisión

Comedia divertida aunque se quede corta al final. Es el problema de muchas comedias pretendidamente gamberras, y es el problema de Una Noche fuera de control, superar lo visto anteriormente, ser gamberra de verdad y llevar el humor a límites no explorados anteriormente. En el caso de esta película es todavía más difícil, porque pese a las buenas maneras, la película continuamente recuerda a Resacón en Las Vegas, cruzada con Very Bad Things. La primera era gamberra y si forzaba los límites de lo políticamente correcto hasta lugares muchas veces insospechados, y la segunda era humor negro salvaje y ofensivo, con un final tan hilarante como deprimente. Aquí nos hacen reír, de verdad, pero no se terminan de arriesgar. No terminan de hacer algo realmente gamberro.

La historia es la de una mujer que se presenta al senado y que prepara su despedida de soltera en Florida, junto a sus amigas de la universidad. Un grupo que lleva tiempo sin estar todas juntas, pero que pretende pasar un fin de semana increíble junto a la amiga australiana de la protagonista, que se reúne allí con ellas. El problema será que la fiesta con el stripper se va de madre y éste acaba muerto… ¿Qué hacer para no acabar con sus huesos en prisión? ¿A qué les suena de algo? Pues eso. Aunque, eso sí, los responsables del tráiler se merecen un premio por no reventar la película y contar sólo hasta ese momento, la premisa inicial, dejando varias sorpresas argumentales para el espectador por el camino.

Kong: Skull Island review

The best King Kong movie since the original. A character that since its premiere in cinemas in 1933 has become an icon for the cinema, an icon with two remakes, the last of them, directed by Peter Jackson. It is very difficult to revisit that character without repeating previous schemes and themes, and that is something that Jordan Vogt-Roberts film fully achieves. A trip to Skull Island in which we will not see New York, nor a Beauty and the Beast love story, but a display of adventure, action and great visual effects that on one hand brilliantly honors King Kong and on the other is a homage to the war movies of the 70s, with Apocalypse Now at the top.

No, I'm not comparing Kong with Coppola's masterpiece, much less. Neither in subjects, nor in depth ... Nothing has to do with it. But this film does offer various visual tributes to that and the Vietnam War in movies in general. To the cinema of the 70 in particular visually, to offer a visual spectacle of first order, pure entertainment that also keeps a couple of pleasant surprises. From the design of the island, Kong itself, the locations or the creatures that inhabit it (moving away from the typical dinosaurs to give us a new series of monsters ... like that terrifying giant spider), passing through the action of the movie, the tone of the film itself, more focused on Kong than in humans.

Crítica de la película Kong: La Isla Calavera

La mejor película de King Kong desde la original. Un personaje que desde que se estrenó en cines en 1933 se ha convertido en un icono para el cine, un icono con dos remakes, el último de ellos, el dirigido por Peter Jackson. Es muy difícil revisitar ese personaje sin repetir esquemas previos, y eso es algo que la película de Jordan Vogt-Roberts consigue plenamente. Un viaje a la Isla Calavera en el que no veremos Nueva York, ni una revisión de La Bella y la Bestia, sino un despliegue de cine de aventuras, acción y grandes efectos visuales que por un lado homenajea con brillantez a King Kong y por otro al cine bélico de los 70, con Apocalipsis Now a la cabeza.

No, no estoy comparando Kong con la obra maestra de Coppola, ni mucho menos. Ni en temas, ni en profundidad… Nada tiene que ver. Pero esta película sí ofrece diversos homenajes visuales a aquella y a la guerra de Vietnam en el cine en general. Al cine de los 70 en particular, para ofrecer un espectáculo visual de primer orden, puro entretenimiento que además guarda un par de gratas sorpresas. Desde el diseño de la isla, el propio Kong, los parajes o las criaturas que la habitan (alejándose de los típicos dinosaurios para darnos una nueva serie de monstruos… como esa terrorífica araña gigante), pasando por la propia acción de la película, el tono de la misma, más centrado en Kong casi que en los humanos.

Crítica de la película Múltiple de M. Night Shyamalan

Shyamalan regresa por la puerta grande. Al género que le hizo más que popular, el terror o algo similar, con gotas de cine fantástico y con personalidad propia, algo que había perdido en las últimas superproducciones que había dirigido y que no llegaba a funcionar en varias películas antes de ellas, pero que aquí, mejorando los resultados de La Visita, vuelve a brillar con fuerza, dejando claro que ha vuelto y esperemos que para quedarse. Pero sobre todo ha vuelto para sorprender al espectador y dejarle sin palabras tras las poco menos de dos horas de metraje que tiene Múltiple, que incluye una escena justo al acabar la película cuya sola presencia ya hace más que merecido el precio de la entrada, pero que esperamos que nadie destripe a los espectadores. Sería una pena.

La película se centra en tres chicas secuestradas por un tipo con personalidad múltiple, hasta 23 personalidades, que alberga en su mente, y que espera la llegada de la 24ª personalidad a la que llaman la Bestia. Las chicas intentarán convencer a alguna de las personalidades de que las ayude a escapar mientras el sujeto es tratado por una psiquiatra algo particular. Una historia así se centra en dos factores básicos. Un guión que sorprenda al espectador y un reparto que haga creíbles los personajes, sobre todo en el caso de James McAvoy, que es quien tiene que multiplicarse en la película y dar vida hasta a nueve de las personalidades de su personaje. Nueve papeles en uno, todos distintos, todos peculiares…

Entretenida y disparatada a partes iguales. Es más, no pretende más que ser una sátira no sólo del género sino de la dirección que ha tomado la carrera de su protagonista, Vin Diesel, tras el renacimiento de la saga Fast and Furious, que aquí da un paso adelante para regresar a otra franquicia, que sólo tuvo éxito en su primera entrega, y que pretende convertirse de nuevo en un punto de arranque para más entregas, tan parecidas a la de FF que cuesta diferenciarlas. De hecho esa es su mayor pega, que se parece demasiado a Fast and furious y carece de cualquier tipo de personalidad propia. Podría pasar por una nueva entrega de la otra franquicia, pero con un presupuesto mucho menor. Pero mucha más coña limonera.

La trama… ¿en serio ahora vamos a preguntar por la trama de esta película? Es lo de menos, una simple excusa que trae a Xander Cage de entre los muertos y en la que se suman escenas de acción supuestamente impactantes (recordemos el menor presupuesto) con diálogos insufribles para buscar un objeto que puede provocar el fin del mundo. No importa. La clave son los muchos momentos de acción, las risas (intencionadas la mayoría) y el devenir de rostros conocidos para conseguir alcanzar al mercado sobre todo internacional. De ahí la presencia de Donnie Yen, Tony Jaa o Deepika Padukone. El resto son excusas baratas y buscarle tres pies al gato. La película no pretende brillar, quiere entretener y llevar la parodia a las situaciones.

Crítica de la película Train to Busan

Una de las mejores películas de zombis de los últimos años. Aunque quizá decir zombis sea erróneo. En realidad son infectados, de estos que comen carne humana y contagian, sí, pero lo hacen a toda velocidad. No están muertos, no, están infectados y convertidos en esa clase de zombis que comenzaron a hacerse populares con 28 Días Después, por ejemplo, y que no gustan mucho a George A. Romero. Pero en este caso funcionan de maravilla debido al trabajo excelente de dirección, ritmo, guión e interpretación de todos los implicados en una película que no cuenta nada nuevo, nada que no hayamos visto hasta ahora, pero que lo hace con frescura al situar a sus personajes en un tren que viaja de Seúl a Busan.

Sang-ho Yeon da el salto al cine de imagen real tras un par de largos animados, y lo hace con una película que es secuela, precisamente, de una de esas películas animadas, Seoul Station, en la que se narra la aparición del brote vírico que convierte a la gente en zombis y cómo llega a la estación de tren de Seúl. Train to Busan toma la historia justo ahí, con un grupo de personas que suben al tren justo cuando el virus llega a la estación, sin saber que una persona infectada se encuentra en el tren con ellos y acabará desatando el caos dentro del tren, ante los desconcertados pasajeros, entre los que hay un matrimonio que espera su primer hijo, un joven equipo de baseball, una mujer y su anciana madre, los miembros de la tripulación…

Crítica de la película Contratiempo

Interesante thriller español, entretenido y muy bien rodado. Aunque no perfecto, ni necesita serlo. Oriol Paulo, su director y guionista, ya demostró de sobra que sabía crear cine de suspense bien construido en torno a un muy buen reparto y una excelente puesta en escena con El Cuerpo, una película que aunque distinta en cierta medida a Contratiempo, posee un elemento en común, la intención de jugar al gato y el ratón con el espectador, proponerle un juego, un puzle que recomponer y con el que mantenerle interesado durante el tiempo de la proyección, ofreciéndole pistas pero de esas que no sabes de cuál puedes fiarte y de cuál no, para llegar a un final sorprendente que haga la experiencia entretenida para el público. Satisfactoria. Y Contratiempo lo consigue.

Un próspero hombre de negocios, joven adelantado, con familia y un futuro brillante, se ve envuelto en un oscuro caso, en el que es acusado de la muerte de su amante. Una abogada experta en estos casos, tratará de obtener toda la verdad del sujeto para intentar salvarle de la cárcel. Pero, ¿todo lo que cuenta es la verdad o hay distintas verdades dependiendo del punto de vista? Todo ello desde el momento en que un pequeño contratiempo cambia los planes de todos los personajes. A partir de esa premisa construye Paulo la película en torno a sus personajes centrales de verdad, encerrados en un cuarto, intentando que la verdad salga o no a la luz. El resto son recuerdos, historias, medias verdades…

Aunque sea uno de sus papeles más recordados y aunque sea también uno de los que más éxito le ha proporcionado en su carrera, Liam Neeson parece no estar interesado en repetir como Bryan Mills una vez más, incluso si la serie/precuela que se estrena en breve se convierte en un éxito. 

Crítica de la película La llegada

Una de las mejores películas del año. Dennis Villeneuve vuelve a fascinar con una arriesgada e inteligente propuesta de ciencia ficción, que sirve como tantas veces en el género, como metáfora de la propia condición humana, de quiénes somos o lo que somos, lo que podemos conseguir y destruir. Lo hace además sin subirse a ningún púlpito para sermonear al personal, sin discursos ni proclamas, con mucha sencillez y anclando la historia en un personaje, el de Amy Adams, que es en muchos sentidos todos y cada uno de nosotros. Una bellísima película sobre el lenguaje y la comunicación o falta de la misma, sin dejar de lado nuestros miedos, nuestros deseos… Quizá no sea para todo el mundo, quizá el público no tenga la paciencia necesaria para disfrutar de una película con “invasión” alienígena que no se centra en los efectos visuales, ni en la acción, ni en los diálogos épicos o similares. Es una historia intimista, que he leído al guionista Max Landis, que es un cruce entre El Árbol de la Vida y Encuentros en la Tercera Fase. Puede ser una buena comparativa, pero en realidad tiene más que ver con Interstellar, aunque alguno no quiera verlo…

Villeneuve ha demostrado ser uno de los más brillantes directores de la actualidad. Uno de esos talentos que son capaces de maravillar con cada una de sus nuevas propuestas, y que además es capaz de saltar de un género a otro con una facilidad pasmosa (aunque personalmente lo que hace con el policíaco y el thriller en Prisioneros y Sicario es lo que más me gusta de su trabajo. Y mira que me encantan Enemy o Incendies. Pero esas dos… son el tipo de cine que me hace vibrar en la butaca de un cine). Aquí pasa a la ciencia ficción, aunque en realidad no deja de ser una excusa para tratar otros temas, algunos recurrentes en su filmografía. Pero si teníamos algún tipo de miedo de lo que podía suceder con Blade Runner 2049, la esperada secuela de Blade Runner, podemos perder ese miedo por completo. Villeneuve va a hacer una película que sorprenderá a todo el mundo, lo tengo más que claro. Como ha sorprendido a todos esta historia donde el tiempo y la realidad se mezclan para dar una sensación tanto de viaje como de sueño, de mezcla de realidad y fantasía. Y de una humanidad aplastante.

Crítica de la película Criminal

Entretenida y competente película de acción con fondo de ciencia ficción.

Tomando a ratos una identidad prestada de películas como Cara a cara de John Woo y la saga de Jason Bourne, Criminal es más divertida de lo que me esperaba y, salvo por su empeño en meter con calzador una subtrama sentimentaloide que no viene al caso y además es difícil de tragar, me parece que funciona muy bien como título de evasión. Bien, muy bien defendida por sus actores, con un Kevin Costner que tira de veteranía para sujetar y construir el personaje protagonista por encima de todos los tópicos que le han echado encima, y sobreviviendo incluso a una desnaturalización del personaje de partida que le lleva a convertirse de villano ejemplar en antihéroe a la fuerza, respaldado eficazmente por los siempre infalibles Gary Oldman y Tommy Lee Jones, con Jordi Mollá completando el cuarteto en clave de villano muy solvente. Incluso Gal Gadot, a la que le toca el papel más tontorrón y con menos recursos argumentales, un topicazo de cuidado, esquiva el manto de llorona simplona y edifica como mejor puede algo más asumible por el espectador, luchando con un momento de subtrama promocional de los valores de la familia que francamente se podían haber ahorrado porque es un panfleto moñón y además poco currado que no entra ni con calzador en el resto de la trama.

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