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Crítica de la película Aves de Presa

Mejor de lo esperado. Muy divertida. Margot Robbie reina.

El tráiler no le hace justicia. La película, más allá de cuales puedan ser las intenciones y reivindicaciones pregonadas a los cuatro vientos por sus artífices, es un vehículo para el lucimiento de Margot Robbie. Y en eso cumple su objetivo y obedece a su naturaleza primaria. Que luego haya otros personajes que con el trabajo de las actrices y el actor encargado de desarrollarlos salen adelante como adecuados y eficaces comparsas para la fiesta de Robbie es algo positivo, grato para el espectador. Pero en su origen, Aves de presa es una fiesta montada para Robbie. Ella lo sabe. Nosotros como público también. Y la consecuencia, si sabes a lo que vas, es un rato muy entretenido y diversión con muy potables secuencias de acción.

Que nadie se llame a engaño. Se titula Aves de presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn). Con calzador. Blanco y en botella.

Crítica de la película Aves de Presa

Un nuevo giro en el cine de superhéroes.

Divertida, diferente y llena de acción. Una muy grata sorpresa tras un par de tráilers que no hacían prever que lo que estaba por venir fuese una película muy redonda, muy inteligente y con mucho potencial por explotar en el universo de estos personajes. La película tiene varias responsables en ese sentido. La directora Cathy Yan, la guionista Christina Hodson y Margot Robbie, no sólo en su papel de Harley Quinn, reina de la película, sino también productora de la película. Aunque menciono especialmente el papel de Hodson, guionista que ya dio mucha dignidad a la saga Transformers con Bumblebee y que ahora escribe una película completa y, en cierta medida, compleja. La película tiene guión…

Un guión que implica la búsqueda de un diamante y la ruptura de Harley Quinn con el Joker, para que un grupo de personajes se lancen a la búsqueda de un diamante y a la caza de Harley, lo que lleva a un cruce de caminos entre personajes que servirá como nacimiento del grupo. Aunque el grupo sea una pequeña parte y en realidad se trate de una película de Harley Quinn, donde todos los demás personajes son secundarios, sin más. No supone ningún problema narrativo y hasta se agradece, aunque en el futuro, ya conociéndolas, sería interesante que tuviesen un peso mayor en la trama o incluso que fuesen las protagonistas absolutas de la historia y que el camino de Harley Quinn fuese otro. La trama, eso sí, es muy cercana a la de cualquier cómic.

Crítica de la película Vida oculta

Malick regresa con un relato poético y desgarrador sobre la guerra.

Pero no sobre el frente y sobre los caídos en combate, ni siquiera un viaje a la locura como La Delgada Línea Roja. Terrence Malick nos traslada a la Austria profunda, a un pequeño pueblo de agricultores y pastores donde un hombre decide decir no a la guerra, enfrentarse sólo al nazismo por el mero hecho de negarse no sólo a luchar, sino a jurar lealtad a Adolf Hitler, lo que inicia una historia desconocida por la mayoría, una vida oculta, tapada muchas veces por las historias de heroísmo o sacrificio del frente, pero no por ello una historia menos importante. Vida oculta es un relato sobre los valores, la honestidad y la fe, algo que no se ve todos los días. Una historia pequeña y, justo por ello, grande.

La película nos habla de un joven matrimonio, formado por Franz y Fani. Tienen una granja en un pequeño pueblo en Austria. Cultivan, cuidan del ganado, tienen tres hijas preciosas… son felices. Incluso acogen a la hermana de ella y a su suegra. Pero los rumores de la guerra son cada vez más cercanos. Cuando los nazis invaden Austria un sentimiento de odio empieza a crecer, y cada vez más jóvenes son llamados a filas. Primero a entrenar, luego a combatir, jurando lealtad a Adolf Hitler. Algo que Franz no puede aceptar. No es sólo que repudie la guerra, podría ser un objetor de conciencia, o pedir destino en un hospital… es más que eso, es la idea de representar los valores nazis y jurarles lealtad lo que le impide aceptar y le llevará a seguir su propia conciencia sin flaquear nunca.

Crítica de la película El escándalo

A caballo entre la sátira y la más dolorosa realidad, con un reparto magistral.

La clave de El Escándalo es que, pese a tomar como punto de partida un tema muy serio como es el de los abusos sexuales y los ambientes laborales machistas y tóxicos (por decirlo suavemente), lo hace muchas veces desde un tono satírico que ridiculiza todavía más la situación y a algunos de sus personajes, especialmente al Roger Ailes que interpreta John Lithgow. Un tipo tan despreciable que incluso cuando nos remarcan las cosas buenas que ha hecho, sentimos náuseas. La película es heredera de títulos como El Lobo de Wall Street, La Gran Apuesta o Juego de Armas. De hecho comparte guionista con La Gran Apuesta, y eso es algo que se nota en ciertas claves…

Nicole Kidman da vida a Gretchen Carlson, una presentadora de FOX News que ve cómo su carrera se va a pique después de rechazar las proposiciones nada decentes de su jefe. Gretchen decide denunciarlo pensando que otras la seguirán, debido a que los abusos en FOX se han sucedido durante décadas. De hecho una de las estrellas de la cadena Megyn Kelly (Charlize Theron) sabe bien lo que es eso, como también lo descubrirá Kayla Pospisil (Margot Robbie) una recién llegada. Pero derribar a un hombre como el presidente de Fox News no será sencillo. El miedo, la sensación de abandono, las consecuencias… todo hace que muchas de las mujeres que sufrieron acoso o abusos sexuales no se quieran aventurar… ¿Serán capaces de derribar a este hombre? ¿A qué precio?

Crítica de la película Un momento en el tiempo - Waves

Imaginativo retrato coral de dos hermanos y de su familia desestructurada, un trabajo que recuerda en esencia al de la oscarizada Moonlight.

Un efecto hipnótico se eleva en cada fotograma que compone esta inspirada y estilística película, la cual sigue una línea de recreación en el tiempo y el espacio voluntariamente ralentizada, y algo recargada; lo que da un aura casi poética a lo que ocurre a lo largo del argumento central.

La historia de Waves no es particularmente innovadora. Narrada desde el parapeto agradecido de los dramas familiares, el guion arranca con Tyler Williams (Kelvin Harrison Jr.): un chico de instituto que destaca en el equipo de lucha libre, situación que le granjea popularidad y los méritos suficientes para aspirar a una beca universitaria. Pero todo esto se tuerce, cuando el joven sufre una lesión incurable en su hombro. El fin de la práctica deportiva acaba con las esperanzas de futuro de Tyler, quien ve cómo su relación con su novia naufraga, frente al embarazo no deseado de esta. Durante una discusión violenta, Tyler golpea a su antigua pareja y le provoca la muerte. Este hecho lleva al muchacho a la cárcel, con una sentencia de cadena perpetua.

Crítica de la película Underwater

Sorprendente homenaje al género de terror bajo el agua.

De donde no esperábamos absolutamente nada, como mucho un descalabro como pudo ser Life, nos encontramos con una película que aprovecha muy bien algunos de los elementos con los que cuenta desde su inicio. Un buen reparto, lleno de rostros conocidos y buenos actores y actrices, un interesante punto de partida, y una localización inmejorable para la historia, el fondo marino. Oscuro, siniestro… pocas personas no sienten un escalofrío al pensar en la profundidad del océano, donde no llega la luz del sol y la oscuridad es absoluta, y donde, realidad o no, nuestras pesadillas, los mayores monstruos pueden hacerse realidad. La película sabe usar ese espacio para generar tensión y hacer que crezca poco a poco a lo largo del relato.

Una estación de trabajo situada en el fondo de la fosa de las Marianas, a casi 7 millas de profundidad, donde una empresa está perforando para obtener materiales del fondo marino. Un terremoto provoca un desastre que permite a algunos huir pero deja encerrados e incomunicados a un pequeño grupo de supervivientes que tendrá que embarcarse en una peligrosa aventura para sobrevivir. Aunque, lo que no saben, es que quizá no estén solos ahí abajo… Noventa y cinco minutos sólo de duración para una película que ni siquiera nos deja aburrirnos y que cuenta con un sólido y competente reparto para defender la historia, apañada, correcta, con demasiados clichés y algún momento absurdo que se repite, pero también con curiosos detalles y un giro final muy jugoso.

Crítica de la película Las Aventuras del Doctor Dolittle

Fallida película de aventuras familiar que no aprovecha su enorme potencial.

Situar a Robert Downey Jr. como líder de un proyecto como éste, parecía todo un acierto. Una película sobre el personaje del Doctor Dolittle, una nueva adaptación del mismo, que supone cine para toda la familia, con animales parlantes y un protagonista estrafalario en una aventura única. Y todo eso aparece en esta nueva versión… simplemente no en la medida adecuada. Por exceso o por falta, la película falla en casi todos sus niveles, convirtiéndose en un chasco, no sólo por todos sus fallos, sino por el sabor que deja a oportunidad perdida. A película que podía haber sido mucho más en otras manos, y que se escapa a nuestra comprensión en qué momento salió mal.

La aventura comienza con un Dolittle alejado del mundo, que sólo se relaciona con sus animales y no quiere saber nada de los humanos. Pero una grave enfermedad de la reina le obligará a embarcarse en una peligrosa misión junto a algunos de estos animales y a un joven aprendiz al que no tiene más remedio que aceptar. En este punto podemos decir que mucha gente, al ver la película doblada, no tendrá que enfrentarse a uno de los problemas de la película, el trabajo de su productor y protagonista. Robert Downey Jr. está tan obsesionado con crear su propio Jack Sparrow que no se da cuenta de que ese no es el camino, y por ejemplo con el acento del personaje, convierte al mismo en un caos que a ratos es inglés, otras veces escocés, otras tantas americano… y así.

Crítica de la película Para toda la muerte

Simpática y surrealista comedia, donde la exageración de las situaciones planteadas contribuye a generar el elemento humorístico.

La sensación de estar ante un sainete del siglo XXI –convenientemente alargado en extensión- asalta rápidamente la mente, al contemplar las idas y venidas que efectúan los personajes de esta esforzada y colorista cinta, del actor y director Alfonso Sánchez (Superagente Makey).

Entre las costuras del guion de Para toda la muerte hay restos actualizados de Miguel Mihura y de Jardiel Poncela, aunque en su resolución se observe un componente de artificialidad colectiva, que no existía en la mayoría de las obras de los citados dramaturgos.

El argumento de esta alocada movie de Sánchez sigue los pasos de José (Alberto López): un hombre que ha pasado ocho años estudiando unas oposiciones, para acceder a un trabajo decente y seguro en España. Sin embargo, cuando le comunican por Internet que ha pasado el examen, y que se puede considerar a sí mismo como funcionario del Estado; una llamada le alerta de que ha habido un error en las listas publicadas, y que él es el primer suplente y no un reconocido trabajador en plantilla. Incapaz de contar a su esposa y a sus parientes y amigos la delirante situación, el aspirante a servidor público decide ir a casa del opositor que le precede en el puesto demandado, y acabar con su vida. Pero una concatenación de despropósitos hace imposible esta tarea criminal, sobre todo porque hay más de una persona que quiere acabar con la existencia del sujeto en cuestión.

Crítica de la película Judy

Rupert Goold dirige este biopic algo convencional, sobre la estrella que protagonizó El mago de Oz.

La caída a los infiernos de la bebida y el abandono profesional son los resortes utilizados por el cineasta Rupert Goold para acercarse a los últimos años de vida de la actriz Judy Garland. Un periodo coincidente con la gira que la que fuera pareja profesional de Mickey Rooney llevó a cabo por los escenarios de Londres, durante el invierno de 1968.

La estética de un glamur decadente prende en cada fotograma que compone este recorrido por los recuerdos y padecimientos de una Judy Garland encarnada, con esfuerzo y artificiosidad, por Renée Zellweger. La actriz de El diario de Bridget Jones efectúa una correcta caracterización de una señora tan complicada y poliédrica, como era la madre de Liza Minnelli; lo que genera un repertorio de gestos milimétricos y maquillajes excesivos, con los que pretende retratar a la movie star. Sin embargo, en todo momento da la sensación de que se está viendo a un doble intentando convertirse en Judy Garland, y nunca hay atisbos de que la estrella de Cita en Saint Louis se expanda a través de la mirada y los movimientos de Zellweger.

Crítica de la película Adú

Salvador Calvo filma una emotiva película, sobre un niño que tiene que escapar de su país de origen con su hermana

Adú es ante todo una obra necesaria, máxime en un mundo en el que el fenómeno migratorio es satanizado por muchas de las fuerzas políticas que campan en Europa y el resto del planeta. De las concertinas de Melilla a las odiseas iniciadas en lugares en los que la muerte está en cada esquina y pueblo, el filme presenta distintos escenarios y posturas personales, frente a lo que supone reflexionar sobre la inmigración ilegal.

A modo de mosaico coral, el guion se compone de tres historias, entrelazadas por las circunstancias y la casualidad. La primera tiene lugar en Melilla, donde un grupo de guardias civiles es sometido a juicio, por la muerte de un refugiado que pretendía saltar la valla -coronada con alambre de espino- que separa España de Marruecos. El segundo relato transcurre en África, y lo protagoniza un activista en favor de los animales, que intenta preservar la vida de unos elefantes, amenazados por los cazadores furtivos y los tratantes de marfil. Y por último, aunque no por ello la menos potente, está la trama que da título al largometraje, y que la lidera la mirada deslumbrante de un niño llamado Adú, que debe huir de su lugar de origen con su hermana, después de la muerte de su madre a manos de una organización criminal.

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