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Crítica de la película La casa del terror

Macabra versión del juego de escape room y de las ferias populares de los pueblos, con la aparición de unos psicópatas que recuerdan al legendario Pinhead, de Hellraiser.

El aroma de los filmes de terror adolescente de los ochenta, con huidas frenéticas hacia la supervivencia y asesinos con ganas de “cargarse” a todos los incautos que caen en sus redes, prende con fuerza en esta divertida película de Scott Beck y Bryan Woods.

A modo de atracción enloquecida, la trama arranca con un grupo de veinteañeros ansiosos por  vivir experiencias al límite de lo soportable, durante la celebración de la Noche de Halloween. Entre los citados estudiantes se encuentra Harper (Katie Stevens): una chica con un traumático pasado de malos tratos por parte de su padre, que intenta dar carpetazo a su relación con un hombre de similar comportamiento al de su progenitor. La panda escapa de la ciudad, para buscar una extraña y apartada Casa del Terror, que promete un verdadero viaje al horror. Con el objetivo de pasarlo de miedo, los jóvenes penetran en los siniestros laberintos de esta caseta circense; pero lo que desconocen los chavales es que ningún cliente sale con vida, ni finaliza el recorrido propuesto.

Crítica de la película Madre

Sorogoyen vence pero no termina de convencer.

Su largometraje Madre viene precedido de un portentoso cortometraje del mismo título que es el arranque de la película, y además de Reino, la última película del cineasta, y una de las mejores películas españolas de los últimos años. Por eso quizá las expectativas eran tan elevadas y por eso la decepción ha sido algo mayor de lo esperado. ¿Significa eso que Madre es una mala película? Ni mucho menos. El director de Que Dios Nos Perdone parece no saber hacer algo así. Pero sí es cierto que esperábamos una de las mejores películas del año y no ha sido así. Es buena, por momentos muy buena, pero sabe a poco. Sabe a oportunidad perdida o quizá a otra cosa… Quizá a secuela que nunca debió suceder.

Porque de eso trata Madre. Es una secuela del cortometraje del mismo título con el que Sorogoyen estuvo nominado al Oscar. Él e Isabel Peña, coguionista, dan un giro a la historia y mientras que el arranque de la película es en sí mismo el cortometraje, el resto es otra cosa muy distinta. La historia de una madre que recibe una llamada de su hijo de 6 años, de viaje con su padre. El niño está en una playa de Francia, sólo, asustado. Su padre no aparece, y la llamada a su madre, en Madrid, es cada vez más angustiosa cuando la batería empieza a acabarse. 10 años después, esa madre vive en la playa donde su hijo desapareció, incapaz de dejar atrás el pasado, hasta que entabla relación con un joven de la edad que tendría su hijo ahora… ¿podría ser él?

Crítica de la película One Piece Estampida

La mejor película de One Piece hasta la fecha.

Comienzo esta crítica sin exagerar, ni engañar a nadie… One Piece Estampida es sin lugar a dudas el evento cinematográfico animado que todo fan de la franquicia esperaba tras 20 años desde su primera aparición en la pequeña pantalla. El trailer ya apuntaba maneras, pero el finalizado proyecto ha resultado ser una apabullante sorpresa.

Antes de nada, hay que aclarar que no estamos ante una película con un guion impresionante o una trama que nos va a dejar con la boca abierta. No. Si lo vuestro objetivo es esto, os habéis equivocado eligiendo esta película, o en este caso, estáis a tiempo de quedaros en casa y ver A Silent Voice o Your Name. One Piece Estampida no es una película compleja y difícil de la que hay que estar pendiente por si hay algo que te has perdido, sino que va más allá de eso; Es una concentración de años y años de historia y personajes que han sido reunidos en un extraordinario evento donde la acción y los combates predominan ante cualquier otra cosa. No necesita un endiablado guion para que todo fluya, ya que lo que se pretende no es otra cosa que reunir al elenco de piratas y personajes que han ido apareciendo a lo largo de la serie para mostrar un evento único donde, aquellos fanáticos que han seguido las aventuras del chico con el sombrero de paja y su tripulación, van a disfrutar como niños. Ya no solo los fanáticos estarán encantados con la cinta, sino que aquellos que no sigan la serie también se encontrarán con un buen espectáculo de tortas y humor, aunque como es lógico, muchos de los personajes serán poco conocidos para ellos y alguna que otra referencia se les escapará, pero nada preocupante.

Crítica de la película Le Mans ’66

Perfecta para la temporada de premios, llena de pasión, ritmo y talento.

Una guerra entre dos compañías de coches que iba más allá de lo comercial, a lo competitivo, a un par de coches compitiendo en Le Mans por ver quién era el más rápido, y a Ford enfrentándose a Ferrari, la marca que había dominado la competición durante años. Parecía imposible que un coche americano pudiese vencer allí, pero la historia demostró lo contrario. Como ven, se trata de una historia americana, que es uno de sus pequeños problemas, que los espectadores se sientan alienados de la historia por ese orgullo de Ford contra Ferrari, y no se interesen por una película realmente brillante, que suena ya como posible candidata a los OScars, entre otros premios, este año.

Basada en hechos reales, presenta la historia de un conductor retirado, Carroll Shelby, obligado a retirarse realmente, que desea volver a las carreras aunque no sea detrás del volante. Al frente de una escudería, diseñando un coche, moldeándolo con un equipo y un piloto, papel clave que desempeñaría Ken Miles, piloto brillante y mecánico, aunque con un carácter muy peculiar. Entre ambos se enfrentarían no sólo a Ferrari, sino a las adversidades de trabajar para Ford, un equipo en el que la burocracia agotaba muchas de las fuentes de creatividad, y en el que el impulso marcado por el propio Henry Ford II, quedaban ahogadas por aquellos que le rodeaban y se encargaban de cambiar sus directrices en su beneficio. O en perjuicio de otros para no quedar en mal lugar…

Crítica de la película Estafadoras de Wall Street

Entretenida banalización de la estafa vendida como comedia picaresca.

Aunque ha saltado la campaña para vender el trabajo de Jennifer López como posible candidato al Oscar, lo cierto es que esta película es simplemente una entretenida fábula sobre la moderna picaresca erótico-festiva de las grandes urbes y vende un tema y un estilo no muy original que en todo caso puede convertirla en complemento menor para programa doble con la superior El lobo de Wall Street. Afeada con algunos momentos telefílmicos que le impiden volar más alto, como por ejemplo la tópica reunión final-familiar navideña, con regalitos y todo, de las “estafadoras-amigas”, cuyo oficio es drogar a sus clientes para vaciarles los bolsillos enredándolos con la promesa de favores sexuales -espero haber sido lo suficientemente políticamente correcto como para no despertar las iras de la policía del pensamiento-, la película acaba por debajo del nivel que podría haber alcanzado.

No dudo que este es, sin duda, el mejor papel de Jennifer López en toda su carrera. Que por ello merezca una nominación al Oscar ya no lo voy a comprar. Pero en todo caso no le hace ningún favor ese tonillo telefílmico que va pillando la cosa conforme avanza hacia su desenlace.

Crítica de la película Klaus

Brillante muestra de cine de animación que llega de un estudio español.

Un estudio que además tenía la nada sencilla tarea de hacer la primera película de animación de Netflix. Sí, su primera película. Sabemos que el gigante del streaming tiene un gran catálogo de series de animación propias, pero ahora han dado el salto a las películas con Klaus, una poderosa historia de orígenes que es un bello canto a la lealtad y la amistad y una de las películas navideñas más brillantes que recordamos. Principalmente porque la Navidad, pese al peso enorme que tiene en la trama, no lo tiene en el tema, en el fondo de la historia, donde lo que realmente importa son un grupo de personajes maravillosos. Y un pueblo tan peculiar como inolvidable, donde los vecinos andan como locos por matarse entre ellos.

Klaus nos quiere contar, como si de una película de superhéroes se tratase, el origen de Santa Claus, de Papa Noel, y lo hace a través de la historia de un joven cartero. Un cartero hijo del responsable del servicio en este peculiar país, que harto del carácter de su hijo lo manda al peor pueblo del mundo, donde debe conseguir que se envíen un mínimo de cartas o será desheredado. El pueblo vive en una guerra continua entre dos clanes, así que la tarea parece imposible. Hasta que nuestro héroe conoce a Klaus, un anciano con aspecto de vikingo, viudo y solitario, pero que construyó cientos de juguetes y ahora quiere hacérselos llegar a los niños…

Crítica de la película Ventajas de Viajar en Tren

Uno de los viajes más surrealistas y divertidos del año.

Pero también de los más irregulares. Sin duda la primera película de Aritz Moreno, que tiene cortos tan interesantes como Cólera, no es una película sencilla de ver o de digerir. Primero exige al espectador que esté pendiente de sus recovecos, de sus giros, de sus detalles y de sus personajes que no siempre son quienes aseguran ser o sí lo son, pero su locura nos muestra otra cosa. Segundo porque no pone frenos a su historia, a sus caminos incluso más allá del tren, y a las consecuencias de estos, haciendo que ciertos momentos puedan ser… quizá duros de ver para los espectadores, especialmente en el tramo que corresponde a Quim Gutiérrez. Es parte del juego y o entras en él, o la película te pude resultar repugnante. Pero si aceptas ese juego, será liberadora.

Un viaje en tren puede cambiarte la vida. Así le sucede a una mujer que descubre a un compañero de viaje realmente peculiar en el tren, que le cuenta una trágica y cómica historia y que le hace seguir el hilo de la misma hasta sus últimas consecuencias, mezclando a la vez la historia con la suya y con las de otros personajes, haciendo que el relato resulte tan caótico como fascinante, con un grupo de personajes al borde de la locura o directamente locos. Lo mejor es que el espectador acuda a ver la misma sin saber nada, o casi nada, de lo que va a encontrarse. Y que se sorprenda con personajes como los de Javier Botet, Quim Gutiérrez, Macarena García, Luis Tosar, Pilar Castro o Belén Cuesta…

Crítica de la película Detective Conan: El puño de zafiro azul

Parece que fue ayer cuando Alfa Pictures sorprendía al público otaku anunciando el estreno en cines españoles del largometraje numero 22 del famoso detective Conan Edogawa tras su enorme éxito en Japón rompiendo récords en taquilla. Debido a su buena acogida aquí en España, no era de extrañar que la distribuidora volverá una vez más a apostar por traer otra cinta de la franquicia, siendo en este caso The Fist of Blue Sapphire, última película de la saga que ha logrado superar a su antecesora en el país del sol naciente. Aquí solamente queda un mes para poder disfrutarla en la gran pantalla y ya os adelanto que no os defraudará.

Como muchos de vosotros ya sabréis, Kaito Kid regresa en esta nueva cinta, siendo este uno de los principales hilos conductores de la trama, lo cual se agradece porque es un personaje muy querido por los fans (tanto que llego a tener su propia serie en Japón). Podría tratarse perfectamente del protagonista de esta historia, trayendo consigo la mayoría de momentos interesantes del film junto a Makoto Kyogoku, el karateka que protagoniza las escenas de acción y combates como no podía ser de otro modo, además de ser otro de los personajes importantes en la historia. Es lo bueno de la mayoría de las películas de la franquicia, que los personajes secundarios cobran a veces incluso más importancia que el propio Conan (incluso Sonoko tiene un papel en todo esto), lo que supone todo un acierto. Ah, y hay una sorpresita con respecto a aparición de personajes, que, aunque parecía una “referencia” como tantas otras, más de uno se alegrará.

Crítica de la película La trinchera infinita

Opresiva y estremecedora película, en la que es posible compartir el miedo y la angustia del represaliado protagonista, tanto por el golpe militar de 1936 como por la dictadura franquista.

El tiempo parece detenerse en esta esforzada obra de Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Aregi. Sin prisas ni veleidades vertiginosas, el trío de cineastas narra la historia de Higinio y Rosa, con la paciencia analítica que requiere acercarse a uno de los períodos más oscuros de la historia contemporánea de España (el correspondiente al comienzo de la Guerra Civil y el de la posterior dictadura franquista).

Desde las escenas iniciales, cuando Higinio (Antonio de la Torre) tiene que huir de su lecho matrimonial, para evitar ser asesinado por un grupo de partidarios de Franco; La trinchera infinita se erige como una huida constante, en la que la cámara sigue con precisión la asfixia cotidiana que sufren los personajes protagonistas.

La acción arranca en 1936, coincidiendo con el golpe militar que dio origen a la Guerra Civil Española. Higinio y Rosa (Belén Cuesta) llevan casados solo unos meses. Una madrugada, la pareja escucha cómo en el exterior de su casa se detiene un camión. De él bajan unos soldados con el uniforme nacional, hecho que obliga a Higinio a escapar rápidamente de su hogar. Delatado por un vecino del pueblo, el hombre es metido en el camión, con destino a un fusilamiento seguro. En medio de un momento de confusión, el militante republicano salta del transporte y se esconde en el bosque. Una vez que los perseguidores han bajado la guardia, el otrora miembro del ayuntamiento regresa con Rosa, quien decide esconder a su marido en el subsuelo de la casa. Año tras año, la situación no mejora, e Higinio tiene que estar oculto hasta 1969, siempre condenado a pasar sus días en espacios reducidos y con luz escasa.

Críticas usuarios de la película Día de lluvia en Nueva York dirigida por Woody Allen


Rafa ★★★★

Día de lluvia en Nueva York nos trae al Woody Allen más simpático y agradable de ver en la última década. Una película que se ve con una sonrisa que va creciendo conforme avanza la historia, mientras nos muestra esa aventura en Nueva York que vive la ingenua periodista interpretada por Elle Fanning y el viaje de autodescubrimuento del atribulado, inteligente e inconformista Gatsby (Timothy Chalamet). Divertida crítica y burla al lado más cutre de Hollywood, representado por un director, un guionista y un actor, mostrándonos sus miserias. No es una obra a la altura de sus grandes, pero ocupa una digna posición en su segundo escalón.
3 ⭐️ y media sería lo justo. Un 7,5.


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