Le Mans ’66 ★★★★

Noviembre 09, 2019

Crítica de la película Le Mans ’66

Perfecta para la temporada de premios, llena de pasión, ritmo y talento.

Una guerra entre dos compañías de coches que iba más allá de lo comercial, a lo competitivo, a un par de coches compitiendo en Le Mans por ver quién era el más rápido, y a Ford enfrentándose a Ferrari, la marca que había dominado la competición durante años. Parecía imposible que un coche americano pudiese vencer allí, pero la historia demostró lo contrario. Como ven, se trata de una historia americana, que es uno de sus pequeños problemas, que los espectadores se sientan alienados de la historia por ese orgullo de Ford contra Ferrari, y no se interesen por una película realmente brillante, que suena ya como posible candidata a los OScars, entre otros premios, este año.

Basada en hechos reales, presenta la historia de un conductor retirado, Carroll Shelby, obligado a retirarse realmente, que desea volver a las carreras aunque no sea detrás del volante. Al frente de una escudería, diseñando un coche, moldeándolo con un equipo y un piloto, papel clave que desempeñaría Ken Miles, piloto brillante y mecánico, aunque con un carácter muy peculiar. Entre ambos se enfrentarían no sólo a Ferrari, sino a las adversidades de trabajar para Ford, un equipo en el que la burocracia agotaba muchas de las fuentes de creatividad, y en el que el impulso marcado por el propio Henry Ford II, quedaban ahogadas por aquellos que le rodeaban y se encargaban de cambiar sus directrices en su beneficio. O en perjuicio de otros para no quedar en mal lugar…

Crítica de la película Estafadoras de Wall Street

Entretenida banalización de la estafa vendida como comedia picaresca.

Aunque ha saltado la campaña para vender el trabajo de Jennifer López como posible candidato al Oscar, lo cierto es que esta película es simplemente una entretenida fábula sobre la moderna picaresca erótico-festiva de las grandes urbes y vende un tema y un estilo no muy original que en todo caso puede convertirla en complemento menor para programa doble con la superior El lobo de Wall Street. Afeada con algunos momentos telefílmicos que le impiden volar más alto, como por ejemplo la tópica reunión final-familiar navideña, con regalitos y todo, de las “estafadoras-amigas”, cuyo oficio es drogar a sus clientes para vaciarles los bolsillos enredándolos con la promesa de favores sexuales -espero haber sido lo suficientemente políticamente correcto como para no despertar las iras de la policía del pensamiento-, la película acaba por debajo del nivel que podría haber alcanzado.

No dudo que este es, sin duda, el mejor papel de Jennifer López en toda su carrera. Que por ello merezca una nominación al Oscar ya no lo voy a comprar. Pero en todo caso no le hace ningún favor ese tonillo telefílmico que va pillando la cosa conforme avanza hacia su desenlace.

Klaus ★★★★

Noviembre 05, 2019

Crítica de la película Klaus

Brillante muestra de cine de animación que llega de un estudio español.

Un estudio que además tenía la nada sencilla tarea de hacer la primera película de animación de Netflix. Sí, su primera película. Sabemos que el gigante del streaming tiene un gran catálogo de series de animación propias, pero ahora han dado el salto a las películas con Klaus, una poderosa historia de orígenes que es un bello canto a la lealtad y la amistad y una de las películas navideñas más brillantes que recordamos. Principalmente porque la Navidad, pese al peso enorme que tiene en la trama, no lo tiene en el tema, en el fondo de la historia, donde lo que realmente importa son un grupo de personajes maravillosos. Y un pueblo tan peculiar como inolvidable, donde los vecinos andan como locos por matarse entre ellos.

Klaus nos quiere contar, como si de una película de superhéroes se tratase, el origen de Santa Claus, de Papa Noel, y lo hace a través de la historia de un joven cartero. Un cartero hijo del responsable del servicio en este peculiar país, que harto del carácter de su hijo lo manda al peor pueblo del mundo, donde debe conseguir que se envíen un mínimo de cartas o será desheredado. El pueblo vive en una guerra continua entre dos clanes, así que la tarea parece imposible. Hasta que nuestro héroe conoce a Klaus, un anciano con aspecto de vikingo, viudo y solitario, pero que construyó cientos de juguetes y ahora quiere hacérselos llegar a los niños…

Crítica de la película Ventajas de Viajar en Tren

Uno de los viajes más surrealistas y divertidos del año.

Pero también de los más irregulares. Sin duda la primera película de Aritz Moreno, que tiene cortos tan interesantes como Cólera, no es una película sencilla de ver o de digerir. Primero exige al espectador que esté pendiente de sus recovecos, de sus giros, de sus detalles y de sus personajes que no siempre son quienes aseguran ser o sí lo son, pero su locura nos muestra otra cosa. Segundo porque no pone frenos a su historia, a sus caminos incluso más allá del tren, y a las consecuencias de estos, haciendo que ciertos momentos puedan ser… quizá duros de ver para los espectadores, especialmente en el tramo que corresponde a Quim Gutiérrez. Es parte del juego y o entras en él, o la película te pude resultar repugnante. Pero si aceptas ese juego, será liberadora.

Un viaje en tren puede cambiarte la vida. Así le sucede a una mujer que descubre a un compañero de viaje realmente peculiar en el tren, que le cuenta una trágica y cómica historia y que le hace seguir el hilo de la misma hasta sus últimas consecuencias, mezclando a la vez la historia con la suya y con las de otros personajes, haciendo que el relato resulte tan caótico como fascinante, con un grupo de personajes al borde de la locura o directamente locos. Lo mejor es que el espectador acuda a ver la misma sin saber nada, o casi nada, de lo que va a encontrarse. Y que se sorprenda con personajes como los de Javier Botet, Quim Gutiérrez, Macarena García, Luis Tosar, Pilar Castro o Belén Cuesta…

Crítica de la película Detective Conan: El puño de zafiro azul

Parece que fue ayer cuando Alfa Pictures sorprendía al público otaku anunciando el estreno en cines españoles del largometraje numero 22 del famoso detective Conan Edogawa tras su enorme éxito en Japón rompiendo récords en taquilla. Debido a su buena acogida aquí en España, no era de extrañar que la distribuidora volverá una vez más a apostar por traer otra cinta de la franquicia, siendo en este caso The Fist of Blue Sapphire, última película de la saga que ha logrado superar a su antecesora en el país del sol naciente. Aquí solamente queda un mes para poder disfrutarla en la gran pantalla y ya os adelanto que no os defraudará.

Como muchos de vosotros ya sabréis, Kaito Kid regresa en esta nueva cinta, siendo este uno de los principales hilos conductores de la trama, lo cual se agradece porque es un personaje muy querido por los fans (tanto que llego a tener su propia serie en Japón). Podría tratarse perfectamente del protagonista de esta historia, trayendo consigo la mayoría de momentos interesantes del film junto a Makoto Kyogoku, el karateka que protagoniza las escenas de acción y combates como no podía ser de otro modo, además de ser otro de los personajes importantes en la historia. Es lo bueno de la mayoría de las películas de la franquicia, que los personajes secundarios cobran a veces incluso más importancia que el propio Conan (incluso Sonoko tiene un papel en todo esto), lo que supone todo un acierto. Ah, y hay una sorpresita con respecto a aparición de personajes, que, aunque parecía una “referencia” como tantas otras, más de uno se alegrará.

Crítica de la película La trinchera infinita

Opresiva y estremecedora película, en la que es posible compartir el miedo y la angustia del represaliado protagonista, tanto por el golpe militar de 1936 como por la dictadura franquista.

El tiempo parece detenerse en esta esforzada obra de Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Aregi. Sin prisas ni veleidades vertiginosas, el trío de cineastas narra la historia de Higinio y Rosa, con la paciencia analítica que requiere acercarse a uno de los períodos más oscuros de la historia contemporánea de España (el correspondiente al comienzo de la Guerra Civil y el de la posterior dictadura franquista).

Desde las escenas iniciales, cuando Higinio (Antonio de la Torre) tiene que huir de su lecho matrimonial, para evitar ser asesinado por un grupo de partidarios de Franco; La trinchera infinita se erige como una huida constante, en la que la cámara sigue con precisión la asfixia cotidiana que sufren los personajes protagonistas.

La acción arranca en 1936, coincidiendo con el golpe militar que dio origen a la Guerra Civil Española. Higinio y Rosa (Belén Cuesta) llevan casados solo unos meses. Una madrugada, la pareja escucha cómo en el exterior de su casa se detiene un camión. De él bajan unos soldados con el uniforme nacional, hecho que obliga a Higinio a escapar rápidamente de su hogar. Delatado por un vecino del pueblo, el hombre es metido en el camión, con destino a un fusilamiento seguro. En medio de un momento de confusión, el militante republicano salta del transporte y se esconde en el bosque. Una vez que los perseguidores han bajado la guardia, el otrora miembro del ayuntamiento regresa con Rosa, quien decide esconder a su marido en el subsuelo de la casa. Año tras año, la situación no mejora, e Higinio tiene que estar oculto hasta 1969, siempre condenado a pasar sus días en espacios reducidos y con luz escasa.

Críticas usuarios de la película Día de lluvia en Nueva York dirigida por Woody Allen


Rafa ★★★★

Día de lluvia en Nueva York nos trae al Woody Allen más simpático y agradable de ver en la última década. Una película que se ve con una sonrisa que va creciendo conforme avanza la historia, mientras nos muestra esa aventura en Nueva York que vive la ingenua periodista interpretada por Elle Fanning y el viaje de autodescubrimuento del atribulado, inteligente e inconformista Gatsby (Timothy Chalamet). Divertida crítica y burla al lado más cutre de Hollywood, representado por un director, un guionista y un actor, mostrándonos sus miserias. No es una obra a la altura de sus grandes, pero ocupa una digna posición en su segundo escalón.
3 ⭐️ y media sería lo justo. Un 7,5.


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Crítica de la película Los Rodríguez y el Más Allá

Simpática película familiar que sin embargo no brilla en ningún momento.

La nueva película de Paco Arango tiene, como siempre en su carrera, el aliciente de anunciarse como una película cuya parte de la recaudación irá directamente a la Fundación Aladina, para ayudar a los niños con cáncer. Y eso es una maravilla y siempre aplaudiremos al creador por hacer algo así con todas sus producciones, incluso con algunas llegando a entregar toda la recaudación de la misma a la fundación. Pero eso no salva siempre una película, ni la hace mejor. Y aunque por momentos entretiene y hace que nos riamos de cuando en cuando, la película falla a muchos niveles y deja al espectador intentando descubrir qué es lo que ha visto realmente.

Porque Los Rodríguez y el Más Allá es una película de corte familiar que nos lleva a una historia con tintes de ciencia ficción en la que el hijo de la familia descubre que su difunto abuelo escondía muchos secretos y que la familia tiene una conexión con otro mundo, Maktub, pero esa conexión pone en peligro a su familia e incluso a la propia existencia de ambos planetas. Con un reparto plagado de estrellas y rostros populares, con gente como Geraldine Chaplin, Eduardo Soto, Omar Chaparro, Santiago Segura, Mariana Treviño, Macarena Gómez, Tomás Pozzi u Óscar Casas, la película tiene ante todo un primer escollo que superar y es su excesiva duración. Una historia que no debería ocupar más de 90 minutos se acerca peligrosamente a las 2 horas, haciendo determinados momentos muy cuesta arriba.

Doctor Sueño ★★★

Octubre 30, 2019

Crítica de la película Doctor Sueño

Mejor de lo previsto, decae en su desenlace víctima del exceso de mimetismo con El resplandor.

Secuela innecesaria de la película de Stanley Kubrick, hace sus primeros movimientos con cierta solvencia y habilidad para configurarse como una buena propuesta de cine de terror, ajeno eso sí a los sustos que quizá espere la gente. Es más sólida de lo que cabía temer después de ver su tráiler, que por otra parte merece pasar a la historia como uno de los peores tráiler del cine y no le hace ningún honor a lo que podemos encontrar en la película.

Funciona correctamente en el primer y segundo acto, e incluso tiene el valor de distanciarse del cine de susto más gratuito que me temo pueden esperar -equivocadamente- algunos espectadores. En eso respeta en cierto modo el tono de El resplandor que se apartó del terror más convencional para buscar lo inquietante jugando a la contra del terror superficial de susto facilón. Incluso me parece positivo que en sus primeras escenas Doctor Sueño haga una especie de declaración de principios e independencia de la película de Kubrick presentando el personaje de Rebecca Ferguson. Y aprovecho ya para decir que la actriz es lo mejor de la película, el motor de la misma, y su personaje tiene por sí mismo interés suficiente como para que en lugar de habitar una secuela de El resplandor contaran su propia historia y la de su grupo de colegas. Aunque tampoco es que con este grupo de antagonistas Doctor Sueño sea una innovadora porque en 1987 Kathryn Bigelow ya nos presentó unos vampiros de neowestern en su película Los viajeros de la noche en los que es difícil no pensar cuando vemos a Ferguson/Rose y su grupo.

Crítica de la película Parásitos

Bong Joon Ho vuelve dirige una película redonda que merece estar entre las mejores del año.

Se está poniendo difícil y al mismo tiempo interesante decidir qué películas merecen estar en la lista de las diez mejores del año en esta recta final de 2010, y eso es bueno para el espectador. Sin duda Parásitos es una imprescindible del cine que hemos visto esta temporada y de los últimos años. Y lo es jugando la carta de lo inclasificable. Porque podemos decir muchas cosas de ella, salvo que sea fácilmente etiquetable. Todo lo contrario. Juega tanto con los naipes de la baraja del suspense como con los de la baraja de la crítica social poniendo nuevamente de manifiesto la facilidad que tienen los grandes maestros del cine de Corea del Sur en los últimos veinte años para poner en pantalla un tratamiento de los géneros cinematográficos que desafía el adocenamiento y la repetición y camuflaje de esos mismos géneros en la clave de las franquicias en el cine estadounidense.

Es así, además de todas las demás virtudes que luce, una ventana abierta al cambio, a otras posibilidades de regocijo y disfrute en el cine.