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Crítica de la película El creyente

Cédric Kahn construye un drama tedioso, superficial y doctrinal sobre la superación de los problemas mediante la espiritualidad.

Ganadora en la 68ª edición del Festival de Berlín del premio a Mejor Actor para el joven Anthony Bajon, El creyente presenta un primer acto con el que se entienden perfectamente los halagos recibidos. En él, Thomas, un joven de 22 años con problemas de drogodependencia, se une a una comunidad religiosa aislada en el monte en la que los jóvenes se rehabilitan gracias a la paz que encuentran en la oración y el apoyo mutuo. Todo lo que atañe al síndrome de abstinencia de Thomas y su inadaptación al centro está retratado de forma dura y veraz y es lo más interesante, pero es una ilusión que se desvanece una vez comienza el segundo acto y se descubren las verdaderas intenciones del director.

En el nudo, las distintas fases del proceso de desintoxicación se suceden demasiado rápido y la evolución del personaje es abrupta. La profundidad que pretendía el relato en sus primeros compases, con la lucha de Thomas contra sus demonios interiores y sus conversaciones con su compañero Pierre (Damien Chapelle) y el director de la institución Marco (Àlex Brendemühl), se pierden para dejar paso a una película centrada en la religión y el recogimiento espiritual repleta de oraciones y cánticos. Esto hace que el personaje principal y el resto de miembros de la comunidad se vuelvan cada vez más planos con el paso de los minutos y el verdadero foco de interés se termine apagando: lo que podría haber sido una emotiva reflexión sobre como la amistad y encontrar el sentido de tu vida te puede llevar de nuevo al camino recto deriva en otra muestra trivial de cine religioso que intenta captar nuevos adeptos al cristianismo y que los ya creyentes se reafirmen en su fe.

Crítica de la película Godzilla: rey de los Monstruos

Sinceramente, esperábamos más, pero es más entretenida que la primera entrega...

Eso sí, no llega a Kong: La Isla Calavera por muchos motivos que ahora explicaré y que dejan un sabor de boca agridulce. De hecho he pasado un buen rato decidiendo si la película era de dos o tres estrellas, debido a que la sensación final es de entretenimiento, pero de una carencia de solidez dramática o de algo a lo que sujetar a los personajes humanos que realmente asusta. Y eso que hay un fantástico reparto defendiendo sus personajes (o sus arquetipos sin ninguna tridimensionalidad) pero no es suficiente porque el guión carece de cualquier punto de coherencia o de interés siquiera por lo que hacen esos personajes humanos. Y en lugar de tomárselo a broma, de reírse del cliché, de los tópicos o de las situaciones imposibles, como hacía Kong, en lugar de llevarnos en un viaje lleno de aventuras, pone a los personajes encerrados en entornos grises discutiendo cosas que pueden hacer y que muchas veces no hacen…

Crítica de la película El Sótano de Ma

Sin Octavia Spencer, estaríamos ante una película más bien ramplona.

De hecho, es Octavia Spencer quien levanta la película dirigida por, ni más ni menos, que Tate Taylor, responsable de que Spencer tenga un Oscar por Criadas y Señoras, y quien ha aceptado este proyecto de Blumhouse con Jasdon Blum como productor, quizá por necesidad tras el fiasco que supuso La Chica del Tren, quizá porque le apetecía probar a rodar una película de suspense con giros de guión imposibles y con un reparto de jóvenes actores insípidos casi todos ellos, pero de adultos con más Oscars que el 90% del cine actual. Allison Janney y Octavia Spencer. Y Juliette Lewis, Luke Evans y Missi Pyle. Mucho más interesante que el reparto de jóvenes actores, la verdad…

Crítica de la película Mr. Link. El origen perdido

Una nueva maravilla de Laika.

Cada fotograma de Mr. Link es una obra de arte y el ritmo, la aventura y la comedia no decaen en todo el metraje. Ese es el nivel que alcanza con su nueva película el estudio de animación stop-motion, que ya no tiene nada que envidiar, más allá de los mastodónticos presupuestos y la fidelidad del público, a grandes compañías como Walt Disney o Pixar.

Visualmente la película es todavía más rica que otras producciones de Laika por la variedad de escenarios que ofrece y el nivel de detallismo. No se antoja repetitiva porque la animación varía junto al tono en las distintas partes de la aventura. Chris Butler, que ya se había encargado junto a Sam Fell de dirigir para el estudio El alucinante mundo de Norman, divide la película en tres partes perfectamente diferenciadas, lo que hace que el ritmo y el interés del espectador no se pierdan por su gran dinamismo. En su primera parte, con Sir Lionel Frost, el mayor investigador de mitos, monstruos y leyendas, en la Inglaterra victoriana intentando formar parte de la sociedad de exploradores recuerda a las películas y la literatura de Sherlock Holmes por la propia ambientación y la locuacidad y excentricismo del protagonista. La segunda, con el encuentro de Frost con el eslabón perdido y la interacción entre los dos en el salvaje oeste, funciona a la perfección como una buddy movie en clave de western cómico que homenajea constantemente a las películas de Terence Hill y Bud Spencer, especialmente a la trilogía de Trinidad durante la escena de la taberna, en la que la violencia y el slapstick se dan la mano. Se trata de una serie de situaciones que sacan una sonrisa debido al choque de Mr. Link con el mundo de los humanos, la buena planificación (el uso del fuera de campo y las reacciones en primer plano de Frost son impagables) y la excelente labor en el doblaje español de Arturo Valls y Brays Efe. En la tercera parte de la historia, con el viaje en busca de los orígenes de la criatura, se convierte en una película de aventuras clásica mucho más exótica y con un punto de Indiana Jones, que se deja ver en el clímax y la set piece del barco, la cual contiene un curioso guiño visual a Origen.

Crítica de la película 10 días sin mamá

Simpática a ratos, pero previsible y no tan divertida como sería.

Nos quejamos muchas veces de las comedias españolas, por su carácter realmente localista, con chistes en los que acusamos a nuestros guionistas de un aroma rancio y de hacer bromas con cosas pasadas de tiempo, y muchas veces incluso pasamos a hablar del carácter homófobo, xenófobo o machista de nuestros productos (que no niego que a veces está ahí) y no sé si hemos visto el resto de productos del panorama europeo o americano en lo que a comedias se refiere, sobre todo el italiano, que muchas veces nos sorprenden para bien, pero que en este caso nos traen una película que bien podría ser del siglo pasado… con un aroma a cerrado, a pasado de tiempo, porque su aparente feminismo esconde una capa de paternalismo que asusta…

La historia es previsible, con una familia donde el marido, que trabajaba en otra región lo que le hacía viajar durante la semana, por fin vuelve a la oficina central, pero no parece muy interesado en pasar más tiempo con la familia, y sí en cargar todas las tareas del hogar en su esposa, abnegada madre que dejó su trabajo como abogada para cuidar a la familia. La pareja tiene tres hijos, una muy pequeña, un crío que es un terrorista en potencia, y una adolescente. Cuando el marido se enfrenta a un rival en la empresa, la madre, cansada de ser lo que es, decide tomarse unas vacaciones de 10 días en Cuba junto a su hermana. El caos se cierne entonces sobre la familia.

Crítica de la película El día que vendrá 

Keira Knightley construye una memorable interpretación, en esta apasionada película sobre el sentimiento de pérdida.

El final de la Segunda Guerra Mundial trajo consigo la destrucción literal de un continente europeo asolado por las bombas, y plagado de escombros y cadáveres escondidos entre las grietas de la sinrazón propagada por las hordas del Tercer Reich. Semejante escenario de sombras y fantasmas es donde el novelista inglés Rhidian Brook ambientó su éxito literario, titulado The Aftermath (La secuela): texto cargado de sensualidad y amargura medioambiental, que el cineasta James Kent (Margaret) ha traducido al lenguaje de las imágenes en movimiento. Un ejercicio que ha propiciado la elaboración de un filme intenso y frío a la vez, el cual cuenta con las excelentes interpretaciones de un elenco capitaneado por la singular Keira Knightley (mucho más mimética y contenida, que en otros largometrajes).

Crítica de la película Nación Cautiva 

Astuto giro en el planteamiento de Distrito 9 en busca de reinventar el subgénero de invasiones extraterrestres.

Echábamos de menos la vuelta del director Rupert Wyatt a la ciencia ficción tras sentar las bases en El origen del planeta de los simios de una de las mejores trilogías del género. De hecho, la historia de César presenta suficientes puntos en común con Nación cautiva como para poder afirmar que existen una serie de constantes temáticas en su filmografía: la privación de libertad, la seguridad y el control vs la libertad, la llamada a la rebelión para combatir la represión o cómo la ausencia de la familia moldea nuestra personalidad.

En Nación Cautiva un joven que forma parte de un grupo de rebeldes intenta plantar cara a los humanos colaboracionistas y a los aliens que se adueñaron del planeta hace diez años. Un punto de partida que tiene ecos de la actualidad, con las políticas migratorias de Donald Trump o el ascenso de la ultraderecha en Europa, y que define perfectamente el tono de la película: una distopía en forma de thriller político de espías. Quien espere explosiones, testosterona y patriotismo rancio en la línea de Independence Day o Transformers se ha equivocado de sala. Si tuviéramos que definirla, sería como un cruce entre Distrito 9 (cambiando a los aliens por humanos como especie sometida) con la saga de Jason Bourne y los ideales políticos de V de Vendetta. Si quitáramos a los aliens el resultado sería prácticamente el mismo, y ahí residen sus virtudes y defectos.

Videocrítica de la película La Lista de Schindler por Miguel Juan Payán

El próximo jueves 28 de febrero regresa a los cines españoles La lista de Schindler, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Liam Neeson, Ben Kingsley y Ralph Fiennes

Una edición que celebra su 25 aniversario con una versión remasterizada que incluye por primera vez sonido en 7.1 y Atmos e imagen en 4K, además de una presentación de su director, Steven Spielberg.

Crítica de la película El Vicio del Poder

Adam McKay vuelve a satirizar la sociedad americana.

Con un reparto brillante, el director de La Gran Apuesta se mete de lleno en la política americana tras asaltar la economía en su anterior película, también una de las nominadas a diversos premios el año de su estreno. En esta ocasión repiten junto a McKay gente como Christian bale o Steve Carell, el primero como protagonista imprescindible de la película y uno de los grandes favoritos a llevarse el Oscar este año, dando vida a un político republicano como Dick Cheney, quien fuese vicepresidente de George W. Bush, un puesto que podía ser decorativo en manos de otros, pero que en su caso le convirtió en uno de los hombres más poderosos del mundo, que cambió en gran medida la política americana y mundial…

Crítica de la película Como Entrenar a tu Dragón 3

La historia de Hipo y Desdentao llega a una maravillosa conclusión

No me canso de repetir que Como entrenar a tu dragón es la mejor trilogía de cine de animación o cine familiar de la última década, y una de las más grandes que puedo recordar, posiblemente a la altura de sagas como Toy Story. Y si no llega a ese nivel le falta muy, muy poquito. Enormemente superior a todo lo estrenado por Dreamworks o a todas las sagas que han poblado los cines con mayor o menor éxito de taquilla, ya sea Mi villano favorito, Ice Age, Kung Fu Panda, Madagascar… A todas las vence por un motivo sencillo… Cómo entrenar a tu dragón tiene alma. Y unos guiones de una madurez brillante que nos hablan de crecer, de madurar, de aceptar responsabilidades, del amor (no del romántico o no únicamente), pero, sobre todo, de la derrota y la pérdida…

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