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Crítica de la película El Rey Leon

Remake repetitivo casi plano por plano del original, pero sin nervio.

El rey león en dibujos animados sigue sin ser destronado. A pesar del buen trabajo que hizo y de lo mucho que me convenció Jon Favreau en su remake de El libro de la selva, aquí la selva se le ha atragantado. Su versión de El rey león es un remake sin personalidad propia que además en un intento por rendir doble tributo al original de animación y la versión del mismo en clave musical, acaba por olvidar que debería tener una personalidad propia, a poder ser cinematográfica.

En algunos momentos el intento de hacer valer el legado del musical acaba por afectar al rendimiento cinematográfico de esta película.

Su otro problema radica en que no consigue estar a la altura de los grandes momentos clave de la película de animación. Ni en la estampida, ni en el humor de Timón y Pumba. Ni en la relación sentimental de Simba y Nala. Y por supuesto tampoco en el verdadero corazón, el alma del original: la relación de Simba y Mufasa, padre e hijo, que se explica como tema central del legado en esa secuencia donde Simba recupera su personalidad recibiendo el mensaje de la memoria de su padre.

No hay nervio en ninguno de esos momentos. No hay nervio porque el alarde de arte de dibujos animados es sustituido aquí por un alarde tecnológico visualmente impresionante, técnicamente sobresaliente… pero sin alma, sin nervio, sin ritmo.

Crítica de la película Los muertos no mueren

Divertida parodia de las películas de zombis y sus códigos repetitivos.

Jim Jarmusch se ríe en bloque de toda la cultura popular de nuestro tiempo, haciendo especial hincapié en los hípsters, con una historia que respeta cuidadosamente cada paso de desarrollo y cada código de identidad de las películas sobre muertos vivientes, a las que igualmente somete a la sátira con la complicidad de un puñado de actores que le siguen el juego.

Sin embargo sospecho que muchos espectadores no van a pillar lo más divertido del sentido del humor del director, cosa que ya ocurrió cuando se dedico a parodiar las últimas modas de películas sobre vampirismo en Solo los amantes sobreviven, película que, hay que aclararlo, es superior en su conjunto a ésta, aunque en el fondo ambas están abordando algunos temas comunes y persiguen desde su empeño en la sátira poner en solfa esta sociedad tan superficial, absurda, cacofónica y repetitiva en la que vivimos.

Crítica de la película Muñeco diabólico

Hace bien todo lo que podría hacer mal. Mejor que el original. Grande Mark Hamill.

En todo aquello en lo que podrían haber fallado, aciertan. Y el resultado es que esta nueva versión de Muñeco diabólico es mejor que el original. Tiene más solidez en su propuesta y presentación de personajes, y trabaja muy bien la complicidad del público para sacar más jugo a la propuesta de mezcla de comedia con terror que es la más apropiada para este tipo de proyecto.

Por un lado es un homenaje a las claves esenciales del original, incluso en lo referido a su lenguaje visual, su fotografía, los colores de algunos planos, los encuadres y en el argumento el juego de los niños asociados con síndrome de Goonies enfrentados a la amenaza, elementos todos ellos extraídos del cine de los ochenta (seguimos con el revival iniciado con la serie Stranger Things y la película It). Por otro lado es una sátira sobre un acuciante problema de nuestros días, nuestra creciente adicción y dependencia de las ya no tan nuevas tecnologías. La película saca el máximo partido a este asunto y en su principio, buscando una explicación más sólida que la del original para poder jugar con la complicidad del público, incorpora en la misma una parodia de lo que está ocurriendo con la economía internacional y parodia los miedos y leyendas urbanas asociadas a los lugares lejanos donde se fabrican muchos de los productos de esa “nueva tecnología” que tenemos en nuestras manos. Es algo que siempre le sale bien a esta película: matar dos pájaros de un tiro.

Crítica de la película El secreto de las abejas

Floja película con alma de telefilme que se desorienta y desperdicia su tema.

Totalmente previsible casi en cada paso de su recorrido, resuelta visualmente de manera correcta, pero con la misma obviedad que aplica al poco elaborado desfile de lugares comunes con los que va resolviendo su argumento -ejemplo: madre atrapada, rejas por delante, así de obvio y poco sutil en su intento de exteriorizar el conflicto psicológico que vive el personaje-, esta película transcurre en la mayor parte de su metraje como un telefilme escrupuloamente apegado a la articulación del relato sobre una serie de puntos de giro muy evidentes y fáciles de anticipar por el espectador. Se inclina así más por el melodrama sembrado de tópicos que por explorar seriamente y en profundidad el tema que aborda. Es por ello una película postal y además descaradamente oportunista.

Crítica de la película El creyente

Cédric Kahn construye un drama tedioso, superficial y doctrinal sobre la superación de los problemas mediante la espiritualidad.

Ganadora en la 68ª edición del Festival de Berlín del premio a Mejor Actor para el joven Anthony Bajon, El creyente presenta un primer acto con el que se entienden perfectamente los halagos recibidos. En él, Thomas, un joven de 22 años con problemas de drogodependencia, se une a una comunidad religiosa aislada en el monte en la que los jóvenes se rehabilitan gracias a la paz que encuentran en la oración y el apoyo mutuo. Todo lo que atañe al síndrome de abstinencia de Thomas y su inadaptación al centro está retratado de forma dura y veraz y es lo más interesante, pero es una ilusión que se desvanece una vez comienza el segundo acto y se descubren las verdaderas intenciones del director.

En el nudo, las distintas fases del proceso de desintoxicación se suceden demasiado rápido y la evolución del personaje es abrupta. La profundidad que pretendía el relato en sus primeros compases, con la lucha de Thomas contra sus demonios interiores y sus conversaciones con su compañero Pierre (Damien Chapelle) y el director de la institución Marco (Àlex Brendemühl), se pierden para dejar paso a una película centrada en la religión y el recogimiento espiritual repleta de oraciones y cánticos. Esto hace que el personaje principal y el resto de miembros de la comunidad se vuelvan cada vez más planos con el paso de los minutos y el verdadero foco de interés se termine apagando: lo que podría haber sido una emotiva reflexión sobre como la amistad y encontrar el sentido de tu vida te puede llevar de nuevo al camino recto deriva en otra muestra trivial de cine religioso que intenta captar nuevos adeptos al cristianismo y que los ya creyentes se reafirmen en su fe.

Crítica de la película Godzilla: rey de los Monstruos

Sinceramente, esperábamos más, pero es más entretenida que la primera entrega...

Eso sí, no llega a Kong: La Isla Calavera por muchos motivos que ahora explicaré y que dejan un sabor de boca agridulce. De hecho he pasado un buen rato decidiendo si la película era de dos o tres estrellas, debido a que la sensación final es de entretenimiento, pero de una carencia de solidez dramática o de algo a lo que sujetar a los personajes humanos que realmente asusta. Y eso que hay un fantástico reparto defendiendo sus personajes (o sus arquetipos sin ninguna tridimensionalidad) pero no es suficiente porque el guión carece de cualquier punto de coherencia o de interés siquiera por lo que hacen esos personajes humanos. Y en lugar de tomárselo a broma, de reírse del cliché, de los tópicos o de las situaciones imposibles, como hacía Kong, en lugar de llevarnos en un viaje lleno de aventuras, pone a los personajes encerrados en entornos grises discutiendo cosas que pueden hacer y que muchas veces no hacen…

Crítica de la película El Sótano de Ma

Sin Octavia Spencer, estaríamos ante una película más bien ramplona.

De hecho, es Octavia Spencer quien levanta la película dirigida por, ni más ni menos, que Tate Taylor, responsable de que Spencer tenga un Oscar por Criadas y Señoras, y quien ha aceptado este proyecto de Blumhouse con Jasdon Blum como productor, quizá por necesidad tras el fiasco que supuso La Chica del Tren, quizá porque le apetecía probar a rodar una película de suspense con giros de guión imposibles y con un reparto de jóvenes actores insípidos casi todos ellos, pero de adultos con más Oscars que el 90% del cine actual. Allison Janney y Octavia Spencer. Y Juliette Lewis, Luke Evans y Missi Pyle. Mucho más interesante que el reparto de jóvenes actores, la verdad…

Crítica de la película Mr. Link. El origen perdido

Una nueva maravilla de Laika.

Cada fotograma de Mr. Link es una obra de arte y el ritmo, la aventura y la comedia no decaen en todo el metraje. Ese es el nivel que alcanza con su nueva película el estudio de animación stop-motion, que ya no tiene nada que envidiar, más allá de los mastodónticos presupuestos y la fidelidad del público, a grandes compañías como Walt Disney o Pixar.

Visualmente la película es todavía más rica que otras producciones de Laika por la variedad de escenarios que ofrece y el nivel de detallismo. No se antoja repetitiva porque la animación varía junto al tono en las distintas partes de la aventura. Chris Butler, que ya se había encargado junto a Sam Fell de dirigir para el estudio El alucinante mundo de Norman, divide la película en tres partes perfectamente diferenciadas, lo que hace que el ritmo y el interés del espectador no se pierdan por su gran dinamismo. En su primera parte, con Sir Lionel Frost, el mayor investigador de mitos, monstruos y leyendas, en la Inglaterra victoriana intentando formar parte de la sociedad de exploradores recuerda a las películas y la literatura de Sherlock Holmes por la propia ambientación y la locuacidad y excentricismo del protagonista. La segunda, con el encuentro de Frost con el eslabón perdido y la interacción entre los dos en el salvaje oeste, funciona a la perfección como una buddy movie en clave de western cómico que homenajea constantemente a las películas de Terence Hill y Bud Spencer, especialmente a la trilogía de Trinidad durante la escena de la taberna, en la que la violencia y el slapstick se dan la mano. Se trata de una serie de situaciones que sacan una sonrisa debido al choque de Mr. Link con el mundo de los humanos, la buena planificación (el uso del fuera de campo y las reacciones en primer plano de Frost son impagables) y la excelente labor en el doblaje español de Arturo Valls y Brays Efe. En la tercera parte de la historia, con el viaje en busca de los orígenes de la criatura, se convierte en una película de aventuras clásica mucho más exótica y con un punto de Indiana Jones, que se deja ver en el clímax y la set piece del barco, la cual contiene un curioso guiño visual a Origen.

Crítica de la película 10 días sin mamá

Simpática a ratos, pero previsible y no tan divertida como sería.

Nos quejamos muchas veces de las comedias españolas, por su carácter realmente localista, con chistes en los que acusamos a nuestros guionistas de un aroma rancio y de hacer bromas con cosas pasadas de tiempo, y muchas veces incluso pasamos a hablar del carácter homófobo, xenófobo o machista de nuestros productos (que no niego que a veces está ahí) y no sé si hemos visto el resto de productos del panorama europeo o americano en lo que a comedias se refiere, sobre todo el italiano, que muchas veces nos sorprenden para bien, pero que en este caso nos traen una película que bien podría ser del siglo pasado… con un aroma a cerrado, a pasado de tiempo, porque su aparente feminismo esconde una capa de paternalismo que asusta…

La historia es previsible, con una familia donde el marido, que trabajaba en otra región lo que le hacía viajar durante la semana, por fin vuelve a la oficina central, pero no parece muy interesado en pasar más tiempo con la familia, y sí en cargar todas las tareas del hogar en su esposa, abnegada madre que dejó su trabajo como abogada para cuidar a la familia. La pareja tiene tres hijos, una muy pequeña, un crío que es un terrorista en potencia, y una adolescente. Cuando el marido se enfrenta a un rival en la empresa, la madre, cansada de ser lo que es, decide tomarse unas vacaciones de 10 días en Cuba junto a su hermana. El caos se cierne entonces sobre la familia.

Crítica de la película El día que vendrá 

Keira Knightley construye una memorable interpretación, en esta apasionada película sobre el sentimiento de pérdida.

El final de la Segunda Guerra Mundial trajo consigo la destrucción literal de un continente europeo asolado por las bombas, y plagado de escombros y cadáveres escondidos entre las grietas de la sinrazón propagada por las hordas del Tercer Reich. Semejante escenario de sombras y fantasmas es donde el novelista inglés Rhidian Brook ambientó su éxito literario, titulado The Aftermath (La secuela): texto cargado de sensualidad y amargura medioambiental, que el cineasta James Kent (Margaret) ha traducido al lenguaje de las imágenes en movimiento. Un ejercicio que ha propiciado la elaboración de un filme intenso y frío a la vez, el cual cuenta con las excelentes interpretaciones de un elenco capitaneado por la singular Keira Knightley (mucho más mimética y contenida, que en otros largometrajes).

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