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Crítica de la película Baby Driver

Divertida, refrescante y sólida manera de abordar el cine de acción en clave musical.

Un musical de acción. Eso es Baby Driver. Dicho sea de paso, recomiendo al lector de estas líneas que se repase las entrevistas con el director y protagonista de la película que hemos publicado en esta misma página web porque en las mismas se dan muchas pistas, sin hacer spoiler, de cómo está concebido el largometraje. Quizá así se despejen algunas dudas generadas entre ese tipo de iluminado que se prodiga en estos tiempos en nuestra sociedad que, vaya usted a saber por qué y cómo, ha llegado a la conclusión de que viendo simplemente un tráiler tiene ya información suficiente para opinar sobre la película sin necesidad de verla completa, y habitualmente opina lo peor, reparte etiquetadas y la pone a parir en las redes sociales en la creencia de que de ese modo le van a salir más palmeros que le rían la gracia.

No señores, los críticos y la gente que la ha visto de verdad completa –no sólo el tráiler- no nos hemos vuelto locos cuando decimos que Baby Driver es una película muy curiosa e interesante por su manera de abordar el género de acción, persecución, atracos a bancos y demás. Su acierto está en renovar unas estructuras genéricas muy utilizadas desde un punto de vista original, o al menos diferente de lo que estamos viendo en los últimos años en la cartelera. No se trata de que hayan descubierto el santo grial de la originalidad narrativa en el cine. Tampoco es eso. Pero sí han elaborado una película que consigue mantenernos interesados en lo que ocurre en la pantalla a pesar de que en esencia eso que ocurre en la pantalla lo hemos visto ya muchas veces. Y eso tiene mucho mérito.

Crítica de la película Colossal

Nacho Vigalondo vuelve a sorprender con mezcla de géneros.

Vigalondo sigue en su línea y en Colossal vuelve a tomar prestadas las claves más superficiales de un género cinematográfico para acabar contándonos una mezcla de comedia y drama de clave más cotidiana e incluso llegado el caso costumbrista. Y sigue demostrando que se mueve mejor con los personajes femeninos que con los masculinos. Colossal es en muchos aspectos muy cercana a Extraterrestre. En ambas, más allá de los personajes masculinos, brillan las féminas. Y no cabe duda que si en Extraterrestre el director tenía un poderoso aliado en la presencia de Michelle Jenner, en esta ocasión se decanta aún más claramente por el protagonismo femenino convirtiendo a Anne Hathaway en el epicentro de toda su historia. Y Hathaway se lo recompensa elaborando una especie de reinterpretación de la figura de heroína de comedia romántica con un aire de Audrey Hepburn, pero menos etérea y más carnal, más cercana y real, Manteniendo esa especie de mirada de ángel de la Hepburn, añade a la misma el punto necesario de realidad defectuosa para alejarla de la visión idealizada del Hollywood clásico y traer la fórmula hasta nuestros días. Su personaje, desde sus fallos humanos, se convierte así en una visión de lo femenino desde lo masculino, al menos al principio de la película, porque si algo tiene de positivo este largometraje es su capacidad para ir transformándose en algo diferente a medida que progresa en su camino. Otra cosa sería imposible de pensar en una película que corre desde el primer momento el riesgo serio de afirmar ser una cosa cuando en realidad es otra. La transformación de la película está tripulada por esa evolución de arco de desarrollo del personaje de Hathaway, que empieza siendo una irresponsable e inmadura fémina incapaz de tomar el timón de su propia vida y acaba tropezándose con una responsabilidad que podría servir como metáfora de la convulsa situación que atraviesa lo femenino en nuestros días, al menos, insisto, desde el punto de vista masculino. Creo que Colossal gana cuando finalmente se quita la careta, pero para ello hay que advertirle al público que no va a ver en ningún caso una especie de variante de Monstruoso, Godzilla o cualquier otra idea de película con bichosaurios que se pueda imaginar el espectador. No es la intención del director ni de la película entrar en ese corral. Su corral es otro. Y no quiero destriparlo. Pero sí quiero aclarar que conviene no confundirse. Lo que hace Vigalondo con esta película es proponer una reflexión sobre la mujer, cómo ven los hombres a la mujer, como se ve la mujer a sí misma y la profunda brecha, a veces casi abismo, que puede llegar a producirse entre ambos sexos, asentada sobre una incomprensión pero sobre todo sobre el miedo, mucha veces, las más de las veces, el miedo del hombre frente a la mujer, y si no el miedo, la perplejidad y la curiosidad del hombre ante el enigma de lo femenino. O lo que el hombre decide definir como el “enigma” de lo femenino. Que tal como finalmente explica la película, no es tal enigma, simplemente es libre albedrío de la mujer, tan libre albedrío como el que aspira a tener y cree tener, aunque no siempre lo tenga, el hombre.

Crítica de la película Wonder Woman

Grata sorpresa. Una de las mejores películas de superhéroes que he visto.

Le pongo cuatro estrellas, pero en realidad pienso que merece cuatro estrellas y media, aunque esa medida no esté en los parámetros que manejamos para este tipo de comentarios.

La presentación de un personaje no es trabajo fácil, y habitualmente suele perecer víctima de lo previsible y lo tópico. Además en el caso de Wonder Woman, la espectacular aparición del personaje en Batman V Superman, el amanecer de la justicia –me reafirmo ahora en lo que dije, ella era lo mejor de la película-, había generado muchas expectativas. De manera que PattyJenkins y su equipo no lo tenían nada fácil para sacar adelante esta película. Pero lo han hecho. Han clavado una buena versión cinematográfica del personaje. Han trasladado al cine, con identidad plenamente cinematográfica, lo mejor de los comics, trayéndome a la memoria la etapa de George Pérez y Brian Azzarello en las viñetas de Wonder Woman. Su presentación del personaje está servida con una aplicación muy bien medida de la mezcla entre el cine de aventuras y el cine bélico, lo cual le otorga una curiosa personalidad cinematográfica como híbrido resultante en una buena película. Bien construida en el guión, con un ritmo narrativo equilibrado y en progresión coherente, con una construcción sólida de personajes, tanto principales como secundarios, que además están bien servidos por los actores.

Crítica de la película John Wick: Pacto de Sangre

Mejor que la primera y una auténtica escuela de cine de acción con contenido.

Contenido visual y contenido argumental. Espectáculo y entretenimiento acompañado de propuesta estética y de una historia que profundiza en el mundo de los asesinos presentado en la primera película al tiempo que lo amplía en su singificado, buceando claves que progresivamente van añadiendo más riqueza a la trama, en paralelo a sus espectaculares escenas de acción.

Tiene más dinero que la primera entrega. Tiene mejor guión. Más arco de desarrollo para personajes claves y para el universo que nos propone. En ese sentido, hace un trabajo similar al que hiciera en su momento El caballero oscuro respecto a Batman Begins en la trilogía sobre Batman dirigida por Christopher Nolan, es ese tipo de “secuela” que por su calidad y superioridad sobre la película anterior deja de ser contemplada como tal y transforma la primera entrega de la saga en una especie de prólogo introductorio para sí misma. Es un curioso fenómeno en el universo de las sagas del cine que podemos observar también en El Padrino 2 frente a El Padrino 1 y en El Imperio contraataca frente a La guerra de las galaxias.

Crítica de la película Life

Una copia de Alien mezclada con elementos “modernizadores” de Gravity y Marte.

En unas semanas llegará a la cartelera Alien Covenant, la nueva visita de Ridley Scott a la franquicia de Alien, y por eso resulta aún más curioso que tengamos esta misma semana en las pantallas un intento fallido de copiar los esquemas que éste director explotara con tanto acierto a finales de los años setenta. Lo que ocurre es que, al contrario de lo que lograran John Carpenter con La cosa y James Cameron con Aliens: el regreso, Life carece de personalidad propia y no encuentra su camino para desarrollarse más allá de ser un clon de la película de Scott que precisamente adolece de aquello que pregona su título: vida. Eso se produce porque se niega a sí misma toda posibilidad de explotar vías alternativas de explotación de la fórmula ya expuesta previamente en otros largometrajes para limitarse a ser una especie de recorrido agotador por una colección de “momentos Alien” que todo aficionado al cine conoce e identifica como ecos de aquél otro largometraje, ejerciendo así como una especie de remake encubierto. Para ello, y contando como cuenta con los guionistas de Deadpool, más le habría valido ser una parodia de la fórmula del Alien original capaz de ponerle al menos un tono gamberro a la explotación de los elementos esenciales de la misma, porque el reencuentro con los mismos, tal como está tomándose en serio la película, tiene el efecto de desanimar al espectador, en lugar de animarlo.

Crítica de la película Power Rangers

Mejor de lo que me esperaba. Entretenimiento digno y competente.

La nueva película de los Power Rangers ha sido una grata sorpresa. Conociendo el material del que parte me temía algo mucho más flojo, pero su guión se toma el tiempo necesario y maneja las claves apropiadas para construir bastante bien sus personajes protagonistas de adolescentes investidos con superpoderes por una nave llegada del espacio y a los cinco minutos de proyección todos los fantasmas negativos de las series y largometrajes anteriores desaparecieron.

El trabajo que han realizado los artífices de esta película con el material original de partida va mucho más allá del tuneado convencional y el repaso de chapa y pintura para actualizar el asunto respaldados por un presupuesto más abultado.

Crítica de la película Ghost in the Shell

Excelente película de acción y ciencia ficción.

No voy a pretender aquí ser un conocedor absoluto del manga o el anime original, ni de la obra de Masamune Shirow, ni nada por el estilo. Recuerdo ver la película de animación en VHS en mi adolescencia y quedar encantando por muchas de sus partes, pero también abrumado por la densidad de otras. Voy a juzgar la película protagonizada por Scarlett Johansson por lo que es, una excelente cinta de acción y ciencia ficción que plantea interesantes preguntas sobre lo que nos define y lo que nos hace humanos, mientras además homenajea continuamente a la fuente original. Sí, no soy un experto en el tema, pero he visto la película. Y Ghost in the Shell sabe cómo rendirle homenaje perfectamente.

Si usted es un fanático absoluto del manga, la película de animación, su secuela o la serie de animación de la que esta nueva película toma más de una referencia, es posible que sienta que no se parece lo suficiente, que no han calcado plano a plano la trama y a los personajes. Yo defiendo, y siempre lo haré, lo contrario. Tomar el material original y darle una nueva forma. Hacerlo reconocible pero al mismo tiempo que aporte cosas nuevas. Distintas, sorprendentes. En ese sentido esta película triunfa por completo. Sus referentes, además del anime, son evidentemente Blade Runner e incluso Matrix (cerrando así el círculo. Matrix tomaba cosas de Ghost in the Shell), pero sabe darle un punto distinto apoyándose en sus virtudes.

Crítica de la película Redención de Antoine Fuqua

Buena propuesta de cine sobre boxeo y bajada a los infiernos defendida con solvencia por su reparto.

Redención llega tarde, quizá demasiado tarde, a nuestra cartelera. Es una película de 2015. Y llega casi como de tapadillo. En silencio. Puede pasar desapercibida pero es una buena película. Una de las mejores sobre boxeo que he visto, servida además por un reparto que con Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams y Forest Whitaker está bien servida de talento ante la cámara. Y detrás de la cámara es un trabajo de Antoine Fuqua mucho mejor resuelto y en general más completo e interesante que el empeño descarado de explotación comercial de la “marca” que fue Los siete magníficos. Me atrevo a decir que en la filmografía de Fuqua es la que más se ha acercado al nivel que alcanzó en la que sigue siendo su mejor película, Día de entrenamiento.

Crítica de la película El Bar de Alex de la Iglesia

Álex de la Iglesia mezcla surrealismo apocalíptico y thriller asfixiante, en esta excéntrica comedia urbana.

Un cierto aroma a El ángel exterminador, del incomparable Luis Buñuel, cruza por la atmósfera voluntariamente malsana de El bar desde el primer fotograma; mientras los personajes pelean por escapar de un lugar sin salidas de emergencia. Álex de la Iglesia conforma así un guion enclaustrado dentro de una propuesta espartana, compuesta por los mínimos elementos escénicos con los que barajar el misterio que planea en el ambiente.

Al lado de Jorge Guerricaechevarría, el responsable de El día de la bestia imagina una historia plagada de altibajos, y carente de momentos muertos o de estaciones de servicio en las que descansar las neuronas. A modo de filme de hornada catastrofista, el cineasta bilbaíno comienza la película con la presentación de un cuadro de tipos diferentes y totalmente desconocidos, diferentes y vecinos de entornos diferentes de la ciudad.

Kong: Skull Island review

The best King Kong movie since the original. A character that since its premiere in cinemas in 1933 has become an icon for the cinema, an icon with two remakes, the last of them, directed by Peter Jackson. It is very difficult to revisit that character without repeating previous schemes and themes, and that is something that Jordan Vogt-Roberts film fully achieves. A trip to Skull Island in which we will not see New York, nor a Beauty and the Beast love story, but a display of adventure, action and great visual effects that on one hand brilliantly honors King Kong and on the other is a homage to the war movies of the 70s, with Apocalypse Now at the top.

No, I'm not comparing Kong with Coppola's masterpiece, much less. Neither in subjects, nor in depth ... Nothing has to do with it. But this film does offer various visual tributes to that and the Vietnam War in movies in general. To the cinema of the 70 in particular visually, to offer a visual spectacle of first order, pure entertainment that also keeps a couple of pleasant surprises. From the design of the island, Kong itself, the locations or the creatures that inhabit it (moving away from the typical dinosaurs to give us a new series of monsters ... like that terrifying giant spider), passing through the action of the movie, the tone of the film itself, more focused on Kong than in humans.

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