![[video] opinión últimos rumores Star Wars: Taika Waititi y guion filtrado](/media/k2/items/cache/cbe6864b3d740d30f083e306d933f3a5_XS.jpg)
Cine clásico (6)
Crítica de la película Regreso al futuro (Back to the Future ) (1985).
Director: Robert Zemeckis, Intérpretes: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Thomas Wilson, Crispin Glover, Claudia Wells, Marc McClure, James Tolken, Casey Siemaszko, Billy Zane; Año de producción: 1985; Nacionalidad: EE UU, Guion: Robert Zemeckis y Bob Gale; Director de fotografía: Dean Cundey; Banda sonora: Alan Silvestri; Color; Duración: 110 minutos.
Cuando en 1978 se estrenó en España Locos por ellos pocos podían suponer que tras tan estrambótico título en absoluto fiel al original: I Want to Hold Your Hand, se escondía una magnífica comedia que evocaba el ambiente de la América de 1964, concretamente la de aquel mes de julio marcado por la primera gira triunfal de los Beatles al otro lado del Atlántico. Por razones difíciles de entender para aquellos que no están habituados a los designios empresariales de las grandes compañías de Hollywood, la película nunca se ha vuelto a ver (hasta hace poco ni siquiera estaba reeditada en Estados Unidos) , lo que no impide que en la memoria de muchos quedara el nombre de su director, Robert Zemeckis, y sobre todo su capacidad para recrear un momento tan concreto y visualmente atractivo remitiéndose al uso de imágenes de archivo y a secuencias rodadas en interiores. Perteneciente a la misma generación de jóvenes talentos encabezada por George Lucas y Steven Spielberg, Zemeckis disponía del talento necesario para revitalizar el lenguaje cinematográfico de su época y sobre todo para reformular un tipo de películas destinadas a un público mayoritariamente adolescente pero no por ello descerebrado.
Crítica de la película Máximo Riesgo (Cliffhanger) (1993).
Director: Renny Harlin; Intérpretes: Sylvester Stallone, John Lithgow, Michael Rooker, Janine Turner, Rex Linn, Caroline Goodall, Leon, Craig Fairbrass, Gregory Scott Cummins, Denis Forest, Michelle Joyner, Max Perlich, Paul Winfield, Ralph Waite, Trey Brownell, Zach Grenier, Vyto Ruginis, Don S. Davis, Scott Hoxby, John Finn, Bruce McGill, Rosemary Dunsmore, Kim Robillard, Jeff McCarthy, Mike Weis, Duncan Prentice, Kevin Donald, Jeff Blynn, Billy D. Lucas, Dickey Beer, Simon Crane, Mark De Alessandro, Debbie Evans, Norman Kent, Joel Kramer, Lane Leavitt, Lisa McCullough, Jeff O’Haco, Georgia Phipps, J. Suzanne Rampe, Scott Rogers, Oswald Santin, Kevin Swigert, David Walling, William Washington, David Brashears, Wolfgang Güllich. Año de producción: 1993; Nacionalidad: EE. UU., Italia, Francia; Guion: Michael France, Sylvester Stallone, John Long. Fotografía: Alex Thompson; Música: Trevor Jones; Color; Duración: 112/124 minutos.
Cliffhanger, que en España conocimos con el título de Máximo riesgo, es una de las películas que hizo remontar la carrera de Sylvester Stallone nuevamente en la taquilla tras una etapa irregular de recaudaciones. Stallone puede ser considerado como el campeón de las películas de “antihéroe salvando el día” ya que en algunos aspectos fue él quien prologó las propuestas de vulnerabilidad, humanización y redención del antihéroe con el éxito de Acorralado, sentando las bases de lo que iba a estallar posteriormente en Jungla de cristal con el personaje de John McClane. De hecho, el personaje de Bruce Willis tiene muchos elementos de vulnerabilidad inicial y una curva o arco de desarrollo argumental que corre paralelo al de John Rambo en Acorralado. Ambos tipos son protagonistas a la fuerza, solo quieren ir a lo suyo, arreglar sus asuntos personales, solucionar sus miserias en un mundo que parece haberles dejado en la cuneta, pero ambos se ven metido en una guerra desde la que van a reinventarse a sí mismos. Y ambos son gente de clase trabajadora capaces de enfrentarse a todo un sistema –policías brutales de entorno rural y guardia nacional o ladrones disfrazados de terroristas– en camiseta. El bosque de Acorralado se convierte en la jungla de acero y cristal del edificio Nakatomi Plaza. Lo rural se transforma en urbano.
Crítica de la película Terminator.
Director: James Cameron; Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Lance Henriksen, Michael Biehn, Paul Winfield, Bill Paxton; Año de producción: 1984; Nacionalidad: EE UU; Guión: James Cameron, Gale Anne Hurd, Harlan Ellison, William Wisher; Director de fotografía: Adam Greenberg; Director de efectos especiales: Stan Winston; Banda sonora: Brad Fiedel; Color; Duración: 108 minutos.
Nos encontramos ante una película de la que nadie imaginaría, y mucho menos su creador James Cameron, que venía de hacer, una poco menos que desastrosa, Piraña 2 (1981), que acabaría con los años convirtiéndose en toda una franquicia, y que el chicle se estiraría inconmensurablemente hasta los cinco filmes que ya llevamos hasta la fecha, perdiendo color, sabor y sobretodo, esencia. Cada película ha sido contada, a excepción de las dos primeras, por directores diferentes, dando cada cual su particular visión de la misma alejándonos cada vez más de la historia original, y sobretodo de la idea visionaria que tuvo el genio de Cameron y que supo plasmar con absoluta maestría en la que se convertiría en una de las películas más populares de los años ochenta. Por eso quiero hablar de ésta, y rendir mi particular homenaje a una historia en la que a los jóvenes de mi época nos marcó un antes y un después en el género de la ciencia ficción.
Director Stanley Kubrick; Interpretes: Jack Nicholson, Shelley Duval; Guion: Stanley Kubrick y Dianne Johnson, basado en la novela homónima de Stephen King; Año de producción: 1980; Nacionalidad: Inglaterra / USA; Director de fotografía: John Alcott; Banda sonora: Wendy Carlos (a.k.a. Walter Carlos), Rachel Ellkind; Color; Duración: 114 minutos.
A finales de los años 70 el cine americano, al igual que la sociedad occidental en su conjunto, atravesaba un profundo periodo de crisis en el que a la conciencia de los malos tiempos se sumaba una no siempre expresada necesidad de reformular lo viejos esquemas geo-políticos y los valores culturales surgidos durante el largo periodo de la Guerra Fría. Era la época de la prolongada crisis energética, de la desertización industrial (el inicio de la deslocalización que desde entonces ha dejado en paro a millones de trabajadores fabriles de Norteamérica y Europa trasladando esos empleos a esa tierra sin ley que es el Tercer Mundo) y del principio del fin de la hegemonía económica, política y cultural que desde 1945 habían ejercido los Estados Unidos de América sobre un mundo supuestamente libre. En el plano de la cultura de masas era el tiempo de la eclosión de los best sellers de lectura rápida y nula entidad literaria, del punk como revulsivo al anquilosamiento de un pop y un rock definitivamente domesticados (aunque para advertir la futilidad de tan estridente y vacuo género musical basta con remitirse al extraordinario documental The great rock and roll swindle, que reduce a la nada su supuesta rebeldía anarquizante) y de una industria del cine otrora sublime, cautivadora y cruel y entonces ahogada en las deudas en las que la sumió su propia ineptitud y su pertinaz falta de ideas. Como en todo periodo de crisis, el fin del mundo conocido parecía esperar a la vuelta de la esquina, y los cambios que muchos creían percibir como inminentes tardarían en producirse, lo harían de manera casi siempre sutil y su resultado no sería un futuro precisamente mejor…
El Padrino: una trilogía épica e imprescindible
En el año 1972 Francis Coppola reescribió las claves de todo el subgénero de películas sobre la mafia adaptando al cine un best seller escrito por Mario Puzo: El Padrino. Incluso antes de estrenarse la película acumuló una colección de anécdotas y leyendas urbanas sobre visitas de la mafia al rodaje, enfados de Frank Sinatra por sentirse aludido con uno de los personajes, cambios de reparto, pulsos entre el director y el estudio que producía la película… Después de su estreno, El Padrino se convirtió no solo en un éxito de taquilla (costó aproximadamente seis millones de dólares y en su primera explotación comercial en cines norteamericanos recaudó casi 134 millones de dólares), sino también en una de esas películas-fenómeno que poblaron la inolvidable década de los setenta, películas como The French Connection, El exorcista, Serpico, La profecía, Tiburón, Tarde de perros, Taxi Driver, Todos los hombres del presidente, Network, un mundo implacable, El cazador, Encuentros en la tercera fase, Fiebre del sábado noche, Star Wars, Alien… El propio Coppola había de ponerle broche de oro a la década con otra obra maestra, Apocalypse Now, pero antes se permitió el lujo de romper todos los récords de recaudación y hacer pedazos la sentencia “nunca segundas partes fueron buenas” estrenando en 1974 la mejor secuela de la historia del cine, El Padrino 2, para muchos críticos incluso superior a la primera película.
Crítica de la película Río Bravo (1959)
1959. Estados Unidos. Color. Director: Howard Hawks. Guion: Jules Furthman, Leigh Brackett. Fotografía: Russell Harlan. Música: Dimitri Tiomkin. Intérpretes: John Wayne, Dean Martin, Angie Dickinson, Ricky Nelson, Walter Brennan, Ward Bond, John Russell, Pedro González González, Estelita Rodriguez, Claude Akins, Malcolm Atterbury, Harry Carey Jr., Sheb Wooley, Edward Astran, Walter Barnes, Nesdon Booth, George Bruggeman, Yakima Canutt. Duración: 141 minutos.
Basada en una historia corta de B.H. McCampbell, es una película de la que ya hablamos en el coleccionable de carteles de John Wayne, pero me niego a no incluirla por ello en este coleccionable del western porque es un título esencial del género y además uno de los que más influencia ha tenido en directores posteriores, como por ejemplo John Carpenter, que la homenajeó a placer en Asalto a la comisaría del Distrito 13, y luego volvió otra vez sobre esa misma referencia cambiando la pesadilla urbanita por la pesadilla de ciencia ficción en Fantasmas de Marte, poderosamente influida por este clásico del cine del oeste. Se podría decir que Río Bravo contiene todos los elementos que hicieron de Howard Hawks un gran director de la era dorada de Hollywood, uno de los principales cultivadores del cine de evasión en los años cuarenta y cincuenta, y el mejor maestro de la narración con cámara a la altura de los ojos que ha conocido el cine norteamericano a lo largo de su historia. No es raro que también Martin Scorsese se hiciera eco de esta película utilizándola como cita cinematográfica esencial en su primera película, ¿Quién llama a mi puerta?, cuando el protagonista, Harvey Keitel, en un gesto con el que seguramente se identificaban muchos cinéfilos en ese momento, lleva a su chica a ver esta notable obra de Hawks e intenta explicarle a la muchacha cómo ve él los distintos tipos de mujer tomando como ejemplo el personaje de prostituta disfrazada de corista para burlar la censura del momento que interpreta Angie Dickinson, que podía presumir de tener uno de los pares de piernas más bonitos del cine americano y años después seguía luciendo palmito en la serie La mujer policía. Me sobra la cancioncilla del nene y sin embargo está muy bien la referencia musical a los que palmaron en El Álamo, ominosa donde las haya.
Miguel Juan Payán
COMENTA CON TU CUENTA DE FACEBOOK
