Criticas (1855)
Crítica de la película La llamada de lo salvaje
Buena adaptación de la novela de Jack London. Cine de aventuras para toda la familia.
Da gusto reencontrarse con este tipo de cine de aventuras que sabe cuál es su camino y no se deja arrastrar a los errores que en algunas ocasiones han servido como lastre de otras traducciones a la pantalla grande o pequeña de la novela de Jack London sobre el perro Buck.
El primer acierto de esta versión es que tiene claro y no esquiva y camufla el protagonismo del perro. No intenta meter con calzador protagonismo humano. Harrison Ford y Omar Sy sirven como compañeros de aventuras del protagonista en clave secundario humano, pero nunca desequilibran en favor del tratamiento de los personajes humanos lo que la novela de London planteó de manera muy clara.
Crítica de la película Queen and Slim
Una película de itinerario y denuncia bien escrita e interesante.
Imaginen un híbrido de Bonnie and Clyde (Arthur Penn, 1967) con La huida (Sam Peckimpah, 1972), pero con una lectura muy clara de denuncia del racismo y, por qué no decirlo, de miedo a la escalada imprevisible de la violencia racial en los Estados Unidos (no olvidemos que junto al momento inicial de violencia con el que arranca su historia la película contiene también el momento del joven con la pistola en la manifestación) que experimentan los afroamericanos de aquel país.
La fórmula general de esta fábula funciona bien porque está bien escrita y sus dos protagonistas tienen mucho a lo que agarrarse en el guión para poner su talento al servicio de los personajes, incluso en los momentos más simples e incluso ingenuos del relato. En definitiva, como finalmente muestra, la película es una historia de amor, pero está bien acompañada por esa mirada de los protagonistas sumiéndose en la noche al volante de los distintos coches con los que atraviesan la geografía norteamericana. Eso hace que lo que podría haber sido una película de itinerario romántico al estilo de Dos en la carretera (Stanley Donen, 1967), se convierta en un recorrido de pesadilla que se va alimentando no solo de la progresión de la relación entre los dos protagonistas inicialmente distanciados en esos planos junto a sus respectivas ventanillas del coche, que lo separan, sino también en una propuesta de reivindicación del punto de vista afroamericano de un paisaje inquietante por el que tradicionalmente solo habían transitado hasta el momento los blancos.
Crítica de la película Manhattan sin salida
Clásico y activo filme policíaco, en el que el tema de la corrupción entre los agentes de la ley se mezcla con una angustiosa persecución por la isla de Manhattan.
Frank Sinatra se solía referir a Nueva York como la ciudad que nunca duerme, y esa idea es la que planea por el metraje y la historia de esta película, dirigida por el irlandés Brian Kirk (responsable de elaborar algunos episodios de la serie Juego de tronos).
A modo de pesadilla urbana, siempre impregnada de los efectos desasosegantes de la oscuridad reinante, la trama narra la lucha de un detective de homicidios, llamado Andre Davis (Chadwick Boseman): un efectivo investigador con fama de violento, cuyo padre falleció en acto de servicio, cuando el protagonista era solo un niño. El tiempo transcurrido desde entonces ha hecho de Andre un individuo con un férreo sentido de la legalidad, y con unos métodos peculiares para enfrentarse a los delincuentes. Todos estos antecedentes son tenidos en cuenta, cuando le encargan un caso peliagudo de robo y tiroteo masivo, en el que han fallecido varios compañeros vestidos de azul. El objetivo del atraco era un millonario cargamento de droga sin cortar, que un par de asaltantes armados han afanado de una tienda neoyorquina. Algo le huele mal a Andre desde el principio, y solo puede confiar en una colega de estupefacientes impuesta por sus jefes, llamada Frankie Burns (Sienna Miller). Sin escapatoria posible, los asesinos y ladrones intentan sacar el dinero suficiente para escapar del cerco policial; eso si consiguen salvar el cierre nocturno de la isla de Manhattan, ordenado por Andre.
Crítica de la película Domino
Una de las peores películas de Brian De Palma. Mal guión.
Lástima que un director que nos ha dado joyas como El precio del poder, Los intocables de Eliot Ness, Atrapado por su pasado o Carrie, caiga en la trampa de autoparodiarse involuntariamente de este modo en su tradicional empeño de homenajear o directamente imitar el cine de los que considera sus maestros, Alfred Hitchcock, en el caso que nos ocupa (Howard Hawks en otras piezas de su filmografía).
El problema de Domino es que al contrario de lo que intentara como homenaje en las películas de su primera etapa, Hermanas, Fascinación, Vestida para matar, e incluso la más floja Doble cuerpo, aquí el homenaje a Hitchcock que copa, domina, marca con excesivo subrayado incluso musical, la apertura de Domino, es más torpe, es como si De Palma copiara a un De Palma más joven y más inexperto de lo que fuera el propio De Palma cuando era joven, por puro capricho, en un ejercicio de postureo que no sirve al tema de la película.
Crítica de la película Sonic
Divertida y con mucho ritmo, buena adaptación del personaje.
Sin ser nada del otro mundo, sin revolucionar absolutamente nada en la industria ni lanzarse de cabeza por un precipicio (algo que sí hizo Assassin’s Creed por ejemplo y la gente acabó odiando la película, por arriesgar demasiado. O Silent Hill, que pese a todo fue bien acogida) Sonic: La Película consigue adaptar con corrección y éxito el espíritu del personaje en una comedia de aventuras familiar que supone un éxito para SEGA y Paramount y que logra, por fin, que el erizo azulado que ha sido la mascota de la compañía durante décadas, supere por fin a su gran rival, Mario en Nintendo. Esta es mucho mejor película, y va a conseguir mucho mayor éxito, que Super Mario Bros… Aunque quizá, y sólo quizá, se parezca demasiado a Detective Pikachu.
Sonic que debe abandonar su planeta de origen (por cierto, hay una película en esa aventura de Sonic niño que no me han contado y que me interesa. No hacía falta el traslado al mundo humano, os lo aseguro), usando los anillos que su mentora le entrega, y esconderse en nuestro mundo durante mucho tiempo. Tiene que pasar desapercibido y llevar una vida oculta a nuestros ojos, en un rincón remoto de Estados Unidos, para no ser descubierto. Eso le obligaría a mudarse a un nuevo planeta, donde sólo hay champiñones gigantes. Estaría absolutamente solo. Pero, por mucho miedo que tenga a eso, Sonic sigue siendo alguien que desea tener amigos y una familia, por lo que, por un error, el gobierno americano y el peligroso Doctor Robotnik, intentarán cazarle.
Crítica de la película Aves de Presa
Mejor de lo esperado. Muy divertida. Margot Robbie reina.
El tráiler no le hace justicia. La película, más allá de cuales puedan ser las intenciones y reivindicaciones pregonadas a los cuatro vientos por sus artífices, es un vehículo para el lucimiento de Margot Robbie. Y en eso cumple su objetivo y obedece a su naturaleza primaria. Que luego haya otros personajes que con el trabajo de las actrices y el actor encargado de desarrollarlos salen adelante como adecuados y eficaces comparsas para la fiesta de Robbie es algo positivo, grato para el espectador. Pero en su origen, Aves de presa es una fiesta montada para Robbie. Ella lo sabe. Nosotros como público también. Y la consecuencia, si sabes a lo que vas, es un rato muy entretenido y diversión con muy potables secuencias de acción.
Que nadie se llame a engaño. Se titula Aves de presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn). Con calzador. Blanco y en botella.
Crítica de la película Aves de Presa
Un nuevo giro en el cine de superhéroes.
Divertida, diferente y llena de acción. Una muy grata sorpresa tras un par de tráilers que no hacían prever que lo que estaba por venir fuese una película muy redonda, muy inteligente y con mucho potencial por explotar en el universo de estos personajes. La película tiene varias responsables en ese sentido. La directora Cathy Yan, la guionista Christina Hodson y Margot Robbie, no sólo en su papel de Harley Quinn, reina de la película, sino también productora de la película. Aunque menciono especialmente el papel de Hodson, guionista que ya dio mucha dignidad a la saga Transformers con Bumblebee y que ahora escribe una película completa y, en cierta medida, compleja. La película tiene guión…
Un guión que implica la búsqueda de un diamante y la ruptura de Harley Quinn con el Joker, para que un grupo de personajes se lancen a la búsqueda de un diamante y a la caza de Harley, lo que lleva a un cruce de caminos entre personajes que servirá como nacimiento del grupo. Aunque el grupo sea una pequeña parte y en realidad se trate de una película de Harley Quinn, donde todos los demás personajes son secundarios, sin más. No supone ningún problema narrativo y hasta se agradece, aunque en el futuro, ya conociéndolas, sería interesante que tuviesen un peso mayor en la trama o incluso que fuesen las protagonistas absolutas de la historia y que el camino de Harley Quinn fuese otro. La trama, eso sí, es muy cercana a la de cualquier cómic.
Crítica de la película Vida oculta
Malick regresa con un relato poético y desgarrador sobre la guerra.
Pero no sobre el frente y sobre los caídos en combate, ni siquiera un viaje a la locura como La Delgada Línea Roja. Terrence Malick nos traslada a la Austria profunda, a un pequeño pueblo de agricultores y pastores donde un hombre decide decir no a la guerra, enfrentarse sólo al nazismo por el mero hecho de negarse no sólo a luchar, sino a jurar lealtad a Adolf Hitler, lo que inicia una historia desconocida por la mayoría, una vida oculta, tapada muchas veces por las historias de heroísmo o sacrificio del frente, pero no por ello una historia menos importante. Vida oculta es un relato sobre los valores, la honestidad y la fe, algo que no se ve todos los días. Una historia pequeña y, justo por ello, grande.
La película nos habla de un joven matrimonio, formado por Franz y Fani. Tienen una granja en un pequeño pueblo en Austria. Cultivan, cuidan del ganado, tienen tres hijas preciosas… son felices. Incluso acogen a la hermana de ella y a su suegra. Pero los rumores de la guerra son cada vez más cercanos. Cuando los nazis invaden Austria un sentimiento de odio empieza a crecer, y cada vez más jóvenes son llamados a filas. Primero a entrenar, luego a combatir, jurando lealtad a Adolf Hitler. Algo que Franz no puede aceptar. No es sólo que repudie la guerra, podría ser un objetor de conciencia, o pedir destino en un hospital… es más que eso, es la idea de representar los valores nazis y jurarles lealtad lo que le impide aceptar y le llevará a seguir su propia conciencia sin flaquear nunca.
Crítica de la película El escándalo
A caballo entre la sátira y la más dolorosa realidad, con un reparto magistral.
La clave de El Escándalo es que, pese a tomar como punto de partida un tema muy serio como es el de los abusos sexuales y los ambientes laborales machistas y tóxicos (por decirlo suavemente), lo hace muchas veces desde un tono satírico que ridiculiza todavía más la situación y a algunos de sus personajes, especialmente al Roger Ailes que interpreta John Lithgow. Un tipo tan despreciable que incluso cuando nos remarcan las cosas buenas que ha hecho, sentimos náuseas. La película es heredera de títulos como El Lobo de Wall Street, La Gran Apuesta o Juego de Armas. De hecho comparte guionista con La Gran Apuesta, y eso es algo que se nota en ciertas claves…
Nicole Kidman da vida a Gretchen Carlson, una presentadora de FOX News que ve cómo su carrera se va a pique después de rechazar las proposiciones nada decentes de su jefe. Gretchen decide denunciarlo pensando que otras la seguirán, debido a que los abusos en FOX se han sucedido durante décadas. De hecho una de las estrellas de la cadena Megyn Kelly (Charlize Theron) sabe bien lo que es eso, como también lo descubrirá Kayla Pospisil (Margot Robbie) una recién llegada. Pero derribar a un hombre como el presidente de Fox News no será sencillo. El miedo, la sensación de abandono, las consecuencias… todo hace que muchas de las mujeres que sufrieron acoso o abusos sexuales no se quieran aventurar… ¿Serán capaces de derribar a este hombre? ¿A qué precio?
Crítica de la película Un momento en el tiempo - Waves
Imaginativo retrato coral de dos hermanos y de su familia desestructurada, un trabajo que recuerda en esencia al de la oscarizada Moonlight.
Un efecto hipnótico se eleva en cada fotograma que compone esta inspirada y estilística película, la cual sigue una línea de recreación en el tiempo y el espacio voluntariamente ralentizada, y algo recargada; lo que da un aura casi poética a lo que ocurre a lo largo del argumento central.
La historia de Waves no es particularmente innovadora. Narrada desde el parapeto agradecido de los dramas familiares, el guion arranca con Tyler Williams (Kelvin Harrison Jr.): un chico de instituto que destaca en el equipo de lucha libre, situación que le granjea popularidad y los méritos suficientes para aspirar a una beca universitaria. Pero todo esto se tuerce, cuando el joven sufre una lesión incurable en su hombro. El fin de la práctica deportiva acaba con las esperanzas de futuro de Tyler, quien ve cómo su relación con su novia naufraga, frente al embarazo no deseado de esta. Durante una discusión violenta, Tyler golpea a su antigua pareja y le provoca la muerte. Este hecho lleva al muchacho a la cárcel, con una sentencia de cadena perpetua.
