Crítica de la película Vida oculta

Malick regresa con un relato poético y desgarrador sobre la guerra.

Pero no sobre el frente y sobre los caídos en combate, ni siquiera un viaje a la locura como La Delgada Línea Roja. Terrence Malick nos traslada a la Austria profunda, a un pequeño pueblo de agricultores y pastores donde un hombre decide decir no a la guerra, enfrentarse sólo al nazismo por el mero hecho de negarse no sólo a luchar, sino a jurar lealtad a Adolf Hitler, lo que inicia una historia desconocida por la mayoría, una vida oculta, tapada muchas veces por las historias de heroísmo o sacrificio del frente, pero no por ello una historia menos importante. Vida oculta es un relato sobre los valores, la honestidad y la fe, algo que no se ve todos los días. Una historia pequeña y, justo por ello, grande.

La película nos habla de un joven matrimonio, formado por Franz y Fani. Tienen una granja en un pequeño pueblo en Austria. Cultivan, cuidan del ganado, tienen tres hijas preciosas… son felices. Incluso acogen a la hermana de ella y a su suegra. Pero los rumores de la guerra son cada vez más cercanos. Cuando los nazis invaden Austria un sentimiento de odio empieza a crecer, y cada vez más jóvenes son llamados a filas. Primero a entrenar, luego a combatir, jurando lealtad a Adolf Hitler. Algo que Franz no puede aceptar. No es sólo que repudie la guerra, podría ser un objetor de conciencia, o pedir destino en un hospital… es más que eso, es la idea de representar los valores nazis y jurarles lealtad lo que le impide aceptar y le llevará a seguir su propia conciencia sin flaquear nunca.

Crítica de la película El escándalo

A caballo entre la sátira y la más dolorosa realidad, con un reparto magistral.

La clave de El Escándalo es que, pese a tomar como punto de partida un tema muy serio como es el de los abusos sexuales y los ambientes laborales machistas y tóxicos (por decirlo suavemente), lo hace muchas veces desde un tono satírico que ridiculiza todavía más la situación y a algunos de sus personajes, especialmente al Roger Ailes que interpreta John Lithgow. Un tipo tan despreciable que incluso cuando nos remarcan las cosas buenas que ha hecho, sentimos náuseas. La película es heredera de títulos como El Lobo de Wall Street, La Gran Apuesta o Juego de Armas. De hecho comparte guionista con La Gran Apuesta, y eso es algo que se nota en ciertas claves…

Nicole Kidman da vida a Gretchen Carlson, una presentadora de FOX News que ve cómo su carrera se va a pique después de rechazar las proposiciones nada decentes de su jefe. Gretchen decide denunciarlo pensando que otras la seguirán, debido a que los abusos en FOX se han sucedido durante décadas. De hecho una de las estrellas de la cadena Megyn Kelly (Charlize Theron) sabe bien lo que es eso, como también lo descubrirá Kayla Pospisil (Margot Robbie) una recién llegada. Pero derribar a un hombre como el presidente de Fox News no será sencillo. El miedo, la sensación de abandono, las consecuencias… todo hace que muchas de las mujeres que sufrieron acoso o abusos sexuales no se quieran aventurar… ¿Serán capaces de derribar a este hombre? ¿A qué precio?

Crítica de la película Un momento en el tiempo - Waves

Imaginativo retrato coral de dos hermanos y de su familia desestructurada, un trabajo que recuerda en esencia al de la oscarizada Moonlight.

Un efecto hipnótico se eleva en cada fotograma que compone esta inspirada y estilística película, la cual sigue una línea de recreación en el tiempo y el espacio voluntariamente ralentizada, y algo recargada; lo que da un aura casi poética a lo que ocurre a lo largo del argumento central.

La historia de Waves no es particularmente innovadora. Narrada desde el parapeto agradecido de los dramas familiares, el guion arranca con Tyler Williams (Kelvin Harrison Jr.): un chico de instituto que destaca en el equipo de lucha libre, situación que le granjea popularidad y los méritos suficientes para aspirar a una beca universitaria. Pero todo esto se tuerce, cuando el joven sufre una lesión incurable en su hombro. El fin de la práctica deportiva acaba con las esperanzas de futuro de Tyler, quien ve cómo su relación con su novia naufraga, frente al embarazo no deseado de esta. Durante una discusión violenta, Tyler golpea a su antigua pareja y le provoca la muerte. Este hecho lleva al muchacho a la cárcel, con una sentencia de cadena perpetua.

Crítica de la película Underwater

Sorprendente homenaje al género de terror bajo el agua.

De donde no esperábamos absolutamente nada, como mucho un descalabro como pudo ser Life, nos encontramos con una película que aprovecha muy bien algunos de los elementos con los que cuenta desde su inicio. Un buen reparto, lleno de rostros conocidos y buenos actores y actrices, un interesante punto de partida, y una localización inmejorable para la historia, el fondo marino. Oscuro, siniestro… pocas personas no sienten un escalofrío al pensar en la profundidad del océano, donde no llega la luz del sol y la oscuridad es absoluta, y donde, realidad o no, nuestras pesadillas, los mayores monstruos pueden hacerse realidad. La película sabe usar ese espacio para generar tensión y hacer que crezca poco a poco a lo largo del relato.

Una estación de trabajo situada en el fondo de la fosa de las Marianas, a casi 7 millas de profundidad, donde una empresa está perforando para obtener materiales del fondo marino. Un terremoto provoca un desastre que permite a algunos huir pero deja encerrados e incomunicados a un pequeño grupo de supervivientes que tendrá que embarcarse en una peligrosa aventura para sobrevivir. Aunque, lo que no saben, es que quizá no estén solos ahí abajo… Noventa y cinco minutos sólo de duración para una película que ni siquiera nos deja aburrirnos y que cuenta con un sólido y competente reparto para defender la historia, apañada, correcta, con demasiados clichés y algún momento absurdo que se repite, pero también con curiosos detalles y un giro final muy jugoso.

Crítica de la película Las Aventuras del Doctor Dolittle

Fallida película de aventuras familiar que no aprovecha su enorme potencial.

Situar a Robert Downey Jr. como líder de un proyecto como éste, parecía todo un acierto. Una película sobre el personaje del Doctor Dolittle, una nueva adaptación del mismo, que supone cine para toda la familia, con animales parlantes y un protagonista estrafalario en una aventura única. Y todo eso aparece en esta nueva versión… simplemente no en la medida adecuada. Por exceso o por falta, la película falla en casi todos sus niveles, convirtiéndose en un chasco, no sólo por todos sus fallos, sino por el sabor que deja a oportunidad perdida. A película que podía haber sido mucho más en otras manos, y que se escapa a nuestra comprensión en qué momento salió mal.

La aventura comienza con un Dolittle alejado del mundo, que sólo se relaciona con sus animales y no quiere saber nada de los humanos. Pero una grave enfermedad de la reina le obligará a embarcarse en una peligrosa misión junto a algunos de estos animales y a un joven aprendiz al que no tiene más remedio que aceptar. En este punto podemos decir que mucha gente, al ver la película doblada, no tendrá que enfrentarse a uno de los problemas de la película, el trabajo de su productor y protagonista. Robert Downey Jr. está tan obsesionado con crear su propio Jack Sparrow que no se da cuenta de que ese no es el camino, y por ejemplo con el acento del personaje, convierte al mismo en un caos que a ratos es inglés, otras veces escocés, otras tantas americano… y así.

Crítica de la película Para toda la muerte

Simpática y surrealista comedia, donde la exageración de las situaciones planteadas contribuye a generar el elemento humorístico.

La sensación de estar ante un sainete del siglo XXI –convenientemente alargado en extensión- asalta rápidamente la mente, al contemplar las idas y venidas que efectúan los personajes de esta esforzada y colorista cinta, del actor y director Alfonso Sánchez (Superagente Makey).

Entre las costuras del guion de Para toda la muerte hay restos actualizados de Miguel Mihura y de Jardiel Poncela, aunque en su resolución se observe un componente de artificialidad colectiva, que no existía en la mayoría de las obras de los citados dramaturgos.

El argumento de esta alocada movie de Sánchez sigue los pasos de José (Alberto López): un hombre que ha pasado ocho años estudiando unas oposiciones, para acceder a un trabajo decente y seguro en España. Sin embargo, cuando le comunican por Internet que ha pasado el examen, y que se puede considerar a sí mismo como funcionario del Estado; una llamada le alerta de que ha habido un error en las listas publicadas, y que él es el primer suplente y no un reconocido trabajador en plantilla. Incapaz de contar a su esposa y a sus parientes y amigos la delirante situación, el aspirante a servidor público decide ir a casa del opositor que le precede en el puesto demandado, y acabar con su vida. Pero una concatenación de despropósitos hace imposible esta tarea criminal, sobre todo porque hay más de una persona que quiere acabar con la existencia del sujeto en cuestión.

Crítica de la película Éter

El cineasta polaco Krzysztof Zanussi (La estructura del cristal) recurre a las referencias fáusticas, para narrar este viaje a los infiernos de un médico con hambre de eternidad.

Mefistófeles y los experimentos científicos. Esta asociación, muy relacionada con un concepto de religiosidad añejo y algo obsoleto, supone el núcleo central de la exposición fílmica de Krzysztof Zanussi (veterano cineasta, con amplia formación como científico y filósofo), titulada Éter.

Una austera puesta en escena sirve de percha a este colega del genial Andrzej Wajda, para acercarse a la experiencia vital de un innominado doctor (Jacez Poniedzialek): un individuo hermético y carente de moral, al que condenan a una pena de prisión en Siberia, después de asesinar con láudano a una paciente a la que previamente había intentado violar. La aparente suerte hace que este facultativo escape de su retiro penitenciario en la gélida tierra rusa, para recalar en el ejército austrohúngaro. Allí, apoyado por un comandante con manga ancha para las excentricidades del prófugo, el doctor convence a un joven campesino para que se convierta en su ayudante, y le somete a un sinfín de experimentos; todo para dar con la medida exacta de éter, con el fin de provocar el sueño y no la muerte. El objetivo de tales pruebas es llegar al punto en que –debido a la mencionada droga- las personas pierden la sensibilidad hacia el dolor. Sin embargo, un asunto de espionaje lleva al doctor ante la justicia militar; lo que trae a escena su antiguo y trascendente pacto con el diablo…

Crítica de la película Adú

Salvador Calvo filma una emotiva película, sobre un niño que tiene que escapar de su país de origen con su hermana

Adú es ante todo una obra necesaria, máxime en un mundo en el que el fenómeno migratorio es satanizado por muchas de las fuerzas políticas que campan en Europa y el resto del planeta. De las concertinas de Melilla a las odiseas iniciadas en lugares en los que la muerte está en cada esquina y pueblo, el filme presenta distintos escenarios y posturas personales, frente a lo que supone reflexionar sobre la inmigración ilegal.

A modo de mosaico coral, el guion se compone de tres historias, entrelazadas por las circunstancias y la casualidad. La primera tiene lugar en Melilla, donde un grupo de guardias civiles es sometido a juicio, por la muerte de un refugiado que pretendía saltar la valla -coronada con alambre de espino- que separa España de Marruecos. El segundo relato transcurre en África, y lo protagoniza un activista en favor de los animales, que intenta preservar la vida de unos elefantes, amenazados por los cazadores furtivos y los tratantes de marfil. Y por último, aunque no por ello la menos potente, está la trama que da título al largometraje, y que la lidera la mirada deslumbrante de un niño llamado Adú, que debe huir de su lugar de origen con su hermana, después de la muerte de su madre a manos de una organización criminal.

Crítica de la película El amor está en el agua

Yuasa nos invita a enamorarnos, emocionarnos y aceptar la realidad con su último trabajo

Este año pasado parece que ha sido el año del agua en lo que respecta a animación japonesa; Los niños del mar, El tiempo contigo y The Wonderland han tenido como elemento fundamental (en algunos casos incluso podría decirse que protagonista) el agua, y ahora nos encontramos con otro largometraje más en el que hilo conductor no es otro que este mismo, esta vez por partida doble. Masaaki Yuasa regresa a las andadas con un nuevo film titulado El amor está en el agua tras sus dos últimos proyectos cinematográficos estrenados en el país nipón en 2017, Night is short, Walk on Girl y Lu over the wall, y ya os puedo confirmar que no va a dejar indiferente a nadie.

Como su propio título sugiere, la trama se centra en una historia de amor entre una chica, Hinako, que, tras verse envuelta en unos acontecimientos, conoce al amor de su vida, Minato. Antes comentaba que el agua estaba presente por partida doble, y es que Hinako, es una apasionada del surf, mientras que Minato es un chico cuyo propósito en la vida es ayudar a los demás, motivo por el que se hace bombero. Se que muchos estaréis pensando: “Otra película animada japonesa más cuyo tema principal es el amor”, y en parte no os falta razón, pero Yuasa demuestra con este proyecto que la cosa va más allá de una simple cursilería (que de esto tiene mucho, y eso que a mí no me suele molestar este aspecto), dando un giro en la trama que a más de uno os sorprenderá si no sabéis realmente de que trata todo esto. Sugiero, de hecho, que evitéis cualquier trailer, sinopsis y contenido de la película para que no estéis condicionados ni sepáis apenas nada, de esta forma os aseguro que disfrutareis más de ella.

Crítica de la película Cuestión de justicia

Michael B. Jordan salva una repetitiva película de juicios

El cine de tribunales y hechos reales empieza a asomar las orejas en la cartelera como ocurre cada año en estas fechas cuando se cumple el tiempo límite para estrenar película que pueda optar a los premios del año y jugar la baza de la denuncia social como clave argumental para repetir fórmulas genéricas que van necesitando cierta renovación.

Cuestión de justicia es un buen ejemplo de ello. Es repetitiva y a ratos un puntito telefílmica, sino por ello dejar de ser sólida dentro de la repetición de la fórmula en la que se desarrolla. Esa solidez se la presta en primer lugar su protagonista, Michael B. Jordan, que demuestra que puede hacerse con todo tipo de papeles y reniega con fuerza de todo encasillamiento, demostrando que estamos ante un actor todoterreno que puede meterse en cualquier proyecto y darle brillo con su trabajo. Lo hemos visto ya en suficientes registros como para que eso quede puesto de manifiesto, pero su papel como el joven abogado de este largometraje, basado además en un personaje real, lo confirma.