Crítica de la película La guerra de las corrientes

Imaginativa e interesante aproximación de Alfonso Gomez-Rejon a la batalla inventora que mantuvieron Thomas Edison y George Westinghouse, para liderar el imperio de la energía eléctrica.

Entre sueños de grandeza y deseos de permanecer en la historia hasta el fin de los tiempos, así es como el cineasta Alfonso Gomez-Rejon ha querido plasmar la llamada guerra de las corrientes, que se libró en Estados Unidos en las décadas finales del siglo XIX. Sin perder de vista el componente económico, el responsable de American Horror Story: Coven lleva a cabo un ejercicio fílmico de intensidad apremiante, donde el duelo interpretativo mantenido por Benedict Cumberbatch (Thomas Edison, en el filme) y Michael Shannon (en la piel de George Westinghouse) se erige como el elemento principal y omnipresente, a lo largo de una trama frenética y un tanto neurótica, conjuntada como un mecano de visiones determinantes.

El guion comienza con un objetivo: llevar la electricidad a los hogares estadounidenses, con el menor cargo impositivo y los mínimos riesgos para la salud y el consumo. En esa carrera por lograr la luminosidad perfecta, los experimentos de Thomas Edison y George Westinghouse se convierten en las alternativas más agresivas y competentes para alcanzar el monopolio empresarial en el floreciente sector. Mientras el primero de ellos considera la corriente continua como el método predominante para llegar a la meta planteada, el segundo propone un sistema de corriente alterna, soportado por bombillas con filamentos de mayor duración que las de su competidor. Traiciones, declaraciones poco honorables a la prensa, juicios y problemas familiares se suceden sin cesar a lo largo de esa batalla por dar con la energía del entonces futuro inmediato. Una guerra en la que se introduce un joven inmigrante llamado Nikola Tesla (Nicholas Hoult, en la película), con sus ideas sobre cómo ir más allá de lo estudiado por los proyectos de Edison y Westinghouse.

Entre turrones, piezas de mazapán, mantecados y peladillas; la plataforma Amazon Prime Video transforma su pantalla en un figurado disfraz de Papá Noel, dispuesta a animar los villancicos con una selección de títulos realmente entretenidos.

El plato fuerte de la batería de ofertas se encuentra en el apartado de televisión, donde los responsables de Amazon Prime Video han recopilado los episodios navideños de un puñado de conocidas series, que han acompañado a miles de espectadores a lo largo de los años. Dentro de ese ejercicio nostálgico de naturaleza memorística, destaca la recuperación de la mítica obra titulada The Office, en su versión estadounidense. Esta producción, creada por Greg Daniels, Ricky Gervais y Stephen Merchat sobre una oficina realmente neurótica, se prolongó durante nueve temporadas y 188 episodios, emitidos entre 2005 y 2013. Surrealista y regada con un espíritu desenfadado y contagioso, esta adaptación a la idiosincrasia de los habitantes de la nación de las barras y estrellas montada a partir de la original producción del canal BBC, contó con actores de la talla de John Krasinski (Jack Ryan), Rainn Wilson (Megalodón), Jenna Fischer (Carta blanca) y Steve Carell (Virgen a los 40).

Crítica de la película Próxima

Eva Green realiza una deslumbrante interpretación, como una astronauta que debe escoger entre quedarse con su hija o embarcarse en una misión a Marte.

Primeros planos sin artificio, silencios incómodos, angustias que surcan el rostro cansado de una mujer determinada a dar alas a sus sueños… Tales emociones son las que conjuntan esta película de Alice Winocour, en la que denuncia la discriminación por cuestión de género que suele ir a asociada a la carrera de las astronautas.

El argumento de la película recoge las vicisitudes y miedos que asolan a Sarah Loreau (Eva Green): una brillante ingeniera aeroespacial francesa, que es seleccionada para participar en una misión en Marte, junto a un héroe de la NASA como Mike Shannon (Matt Dillon). Sin embargo, Sarah tiene una hija pequeña a su cargo, llamada Stella (Zélie Boultant). La niña posee un vínculo especial con su madre, que no muestra hacia su padre; por lo que la próxima ausencia prolongada de la persona que mejor la entiende ocasiona un auténtico caos en su interior. Por su parte, Sarah se somete al duro entrenamiento, con la tristeza de verse obligada a desprenderse de la presencia física de su niña: sensaciones que generan un sinfín de dudas y ahogos.

El intimismo utilizado por Winocour favorece para comprender en toda su extensión el abismo afectivo al que se asoma la protagonista, mientras la odisea espacial queda en un segundo plano. Tal solución vuelca la trama hacia el lado de la relación materno-filial, y esa fórmula fortalece el ingrediente dramático, aunque desprende de significancia otros cauces argumentales.

Crítica de la película La odisea de los Giles

Divertida comedia dirigida con imaginación por Sebastián Borensztein, que cuenta con las brillantes caracterizaciones de Ricardo Darín y Luis Brandoni.

A veces, los menos favorecidos en el reparto de capital pueden sacar la cabeza, y poner en su sitio a los especuladores y ladrones con chequera y relaciones bancarias. Esta tesis es la que sustentó la novela La noche de Usina, de Eduardo Sacheri: texto en el que se basa La odisea de los Giles. Unas coordenadas temáticas y existenciales, que el cineasta Sebastián Borensztein transforma en una película agradablemente humorística y humana, cuya inspiración embrionaria podría encontrarse en la excelente cinta Atraco a las tres (José María Forqué, 1962).

La trama del largometraje sigue la aventura protagonizada por un exfutbolista llamado Fermín Perlassi (Ricardo Darín), quien anhela revitalizar el pueblo en el que habita con su esposa. El ahora gasolinero tiene en mente levantar una cooperativa, para dar trabajo a los pocos vecinos que aún no han huido a Buenos Aires. Sin embargo, el dinero que les piden por adquirir la antigua factoría es demasiado, y el hombre y su cónyuge se ven obligados a recaudar la cantidad entre distintos amigos y potenciales inversores. Cuando estos ya han alcanzado el capital estimado, la nueva sociedad proletaria ingresa lo reunido en el banco. No obstante, aún les falta un poco; causa por la que Fermín solicita un crédito, pero el responsable de la entidad le advierte que no se lo concederán, a menos que meta el total colectivo de la caja de caudales en su cuenta corriente. Tras seguir las citadas directrices, el susto se precipita al día siguiente, con el anuncio del corralito que asoló Argentina. Este acontecimiento hace que el saldo se pierda al completo, debido a la crisis del país. La crispación provoca que Perlassi tenga un accidente de coche, en el que fallece su compañera sentimental. Años más tarde, los estafados descubren que el abogado que se quedó con su dinero (en connivencia con el banquero que engañó a Fermín) guarda su botín en un campo aislado. Una noticia que anima a los miembros de la cooperativa quebrada a planear sustraer el parné, de las manos del timador de guante blanco.

Crítica de la película Last Christmas

Sentimental y divertida aproximación a la música de Wham! y George Michael, a través de una historia tintada con un desbordado espíritu navideño.

Tras los pasos de Love Actually y ¡Qué bello es vivir!, Paul Feig idea esta comedia romántica plagada de cromatismo invernal, donde las diferentes situaciones aparecen envueltas en la melódica voz de George Michael, mediante la escenificación de algunos de los hits más señeros de su carrera musical.

Ambientada en el Londres del Brexit y de la amenaza de la xenofobia provocada por grupos de extrema derecha, la trama sigue la estela de Kate (Emilia Clarke): una eterna aspirante a cantante, que se siente impulsada desde niña por la música y el talento de George Michael. La joven trabaja en una tienda de artículos navideños, mientras intenta salir airosa de las frustrantes audiciones a las que acude. Con una vida un tanto desastrosa y sin muchos apoyos emocionales a los que recurrir, un día se presenta en la tienda Tom (Henry Golding): un muchacho con una perspectiva existencial completamente diferente a la de Kate, motivo por el que la chica comienza a sentir que hay un hilo de unión entre ambos. Poco a poco, la realidad de la protagonista toma un giro novedoso, que le hace darse cuenta de las cosas que son verdaderamente importantes, y a las que no ha prestado la debida atención.

Crítica de la película La casa del terror

Macabra versión del juego de escape room y de las ferias populares de los pueblos, con la aparición de unos psicópatas que recuerdan al legendario Pinhead, de Hellraiser.

El aroma de los filmes de terror adolescente de los ochenta, con huidas frenéticas hacia la supervivencia y asesinos con ganas de “cargarse” a todos los incautos que caen en sus redes, prende con fuerza en esta divertida película de Scott Beck y Bryan Woods.

A modo de atracción enloquecida, la trama arranca con un grupo de veinteañeros ansiosos por  vivir experiencias al límite de lo soportable, durante la celebración de la Noche de Halloween. Entre los citados estudiantes se encuentra Harper (Katie Stevens): una chica con un traumático pasado de malos tratos por parte de su padre, que intenta dar carpetazo a su relación con un hombre de similar comportamiento al de su progenitor. La panda escapa de la ciudad, para buscar una extraña y apartada Casa del Terror, que promete un verdadero viaje al horror. Con el objetivo de pasarlo de miedo, los jóvenes penetran en los siniestros laberintos de esta caseta circense; pero lo que desconocen los chavales es que ningún cliente sale con vida, ni finaliza el recorrido propuesto.

Después de trece años sin tocar el tema de la mafia en sus películas, desde El infiltrado (2006); Martin Scorsese regresa al ecosistema de los ilegales clanes italoamericanos e irlandeses asentados en Estados Unidos, donde transcurrían parte de sus mejores obras, como Uno de los nuestros (1990) y Casino (1995).

El irlandés es un largometraje que vuelve a unir al maestro de Taxi Driver con el denominado imperio del crimen, y lo hace dentro de un esquema de clasicismo voluntario y absorbente. Un contexto que Scorsese sabe manejar como pocos, y en el que su estilo y lenguaje audiovisual encajan como un guante.

No obstante, los años transcurridos en otros géneros cinematográficos pueden hacer pensar en una cierta pérdida de empaque e inspiración en el director neoyorquino, a la hora de desarrollar los entornos mafiosos en los que se sustenta la trama de El irlandés. Un miedo que parece diluirse, ante las esperanzadoras coordenadas concitadas por el responsable de La edad de la inocencia.

Daniel Calparsoro recorre las calles de la capital alavesa, para convertir su misteriosa fisonomía arquitectónica en un personaje más de El silencio de la ciudad blanca.

Hay ocasiones en que una película está determinada por los lugares donde transcurre la trama, como si la atmósfera que insuflaran los decorados se pegara fuertemente a la evolución del guion. Esto es lo que ocurre con El silencio de la ciudad blanca, cuyos resultados no serían los mismos sin el elemento de suspense que transmiten los monumentos y las calles de Vitoria Gasteiz.

De similar forma a lo que sucedía con la adaptación de El guardián invisible (Fernando Gómez Molina, 2017) y el valle del Baztán; en esta ocasión el hilo conductor viene igualmente heredado de una novela precedente, del mismo título que el filme de Calparsoro, escrita por Eva García Sáenz de Uruturi. Una unión visual fuerte e irrompible, que la cinta del responsable de Cien años de perdón se encarga de potenciar, con cada plano y secuencia que componen el metraje de la obra.

Crítica de la película La trinchera infinita

Opresiva y estremecedora película, en la que es posible compartir el miedo y la angustia del represaliado protagonista, tanto por el golpe militar de 1936 como por la dictadura franquista.

El tiempo parece detenerse en esta esforzada obra de Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Aregi. Sin prisas ni veleidades vertiginosas, el trío de cineastas narra la historia de Higinio y Rosa, con la paciencia analítica que requiere acercarse a uno de los períodos más oscuros de la historia contemporánea de España (el correspondiente al comienzo de la Guerra Civil y el de la posterior dictadura franquista).

Desde las escenas iniciales, cuando Higinio (Antonio de la Torre) tiene que huir de su lecho matrimonial, para evitar ser asesinado por un grupo de partidarios de Franco; La trinchera infinita se erige como una huida constante, en la que la cámara sigue con precisión la asfixia cotidiana que sufren los personajes protagonistas.

La acción arranca en 1936, coincidiendo con el golpe militar que dio origen a la Guerra Civil Española. Higinio y Rosa (Belén Cuesta) llevan casados solo unos meses. Una madrugada, la pareja escucha cómo en el exterior de su casa se detiene un camión. De él bajan unos soldados con el uniforme nacional, hecho que obliga a Higinio a escapar rápidamente de su hogar. Delatado por un vecino del pueblo, el hombre es metido en el camión, con destino a un fusilamiento seguro. En medio de un momento de confusión, el militante republicano salta del transporte y se esconde en el bosque. Una vez que los perseguidores han bajado la guardia, el otrora miembro del ayuntamiento regresa con Rosa, quien decide esconder a su marido en el subsuelo de la casa. Año tras año, la situación no mejora, e Higinio tiene que estar oculto hasta 1969, siempre condenado a pasar sus días en espacios reducidos y con luz escasa.

Un noviembre movidito y cargado de emociones frente a la pantalla. Eso es lo que ofrece la plataforma online HBO España, para sus clientes españoles.

Unos contenidos en los que es posible viajar a la Inglaterra de la época de la dominación romana (Britannia) y al universo fantástico surgido de la mente del novelista Philip Pullman (La materia oscura). Todo ello aderezado con algún que otro tour por la Historia reciente del siglo XX, a través de revoluciones tan emblemáticas como la de la antigua Checoslovaquia (The Sleepers).

La materia oscura abrirá el catálogo de novedades, el próximo 4 de noviembre. Esta esperada y ambiciosa adaptación de los libros juveniles de Philip Pullman sigue las andanzas de una pequeña  huérfana, llamada Lyra Belacqua (a quien interpreta la madrileña Dafne Keen Fernández): una preadolescente, que descubre un siniestro complot para secuestrar niños. En un escenario de inspiración victoriana, y con muchas de sus localizaciones rodadas en el País de Gales, esta producción de ocho episodios cuenta con directores del calibre de Tom Hooper (El discurso del rey): apuesta con la que BBC, New Line Cinema y HBO intentan hacer olvidar el escaso tirón comercial de La brújula dorada (cinta basada en los mismos textos de Pullman, que fue estrenada en salas en 2007).