Jesús Martín

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Soy un auténtico apasionado de las películas que despiertan la imaginación

Davis Guggenheim consigue transmitir la angustia y el valor de la joven Malala Yousafzai, la menor que –cuando era niña- fue tiroteada por un talibán, por el simple hecho de querer asistir a la escuela.

Más allá de la concesión del Premio Nobel de la Paz en 2014 y de las efusivas conferencias en la ONU y en diversos organismos de los cinco continentes, Malala Yousafzai es una muchacha con miedos y esperanzas, con necesidad de disfrutar de la vida y sueños por llevar una existencia de normalidad efectiva. Así lo transmite acertadamente Guggenheim, avalado por su cámara y un tratamiento discursivo que alterna en las dosis adecuadas la imagen pública y privada de la singular y heroica protagonista.

Con la animación como herramienta esencial para marcar el ritmo y el contexto de la historia, el oscarizado director de Esperando a Superman y Una verdad incómoda exhibe ante los espectadores la faz de una adolescente que no dista mucho de ser como cualquier otra de las de su generación, con similares gustos e inclinaciones. Aunque, lo más llamativo que separa a Malala de sus compañeras de instituto es que sobre ella pesa la condena a muerte, que el régimen talibán le impuso desde el asesinato fallido de 2012.

El documentalista estadounidense entiende a la perfección que el guion no se sustentaría únicamente desde el punto de vista de la denuncia social, sino que su fuerza emana directamente de la capacidad para dar a conocer el interior de la impresionante chica: en toda su humanidad y con su espontaneidad, sin trampas de ensayos previos ni artificiosidad alguna. Un ejercicio del que Guggenheim sale airoso, más que nada por la sinceridad con que se expresa la familia Yousafzai al completo (clan en el que brillan con luz propia, junto a MY, tanto el convincente y emotivo padre, como la madre y los hermanos pequeños de la heroína).

Ágil en su desarrollo, y contundente en la utilización de las voces en off y de los testimonios que sustentan la narración, El me llamó Malala es una película en la que el tema principal lo compone la dignidad inherente a la lucha de los oprimidos; en este caso contra un régimen altamente dogmático, que impide incluso el acceso de los habitantes a derechos tan fundamentales como el de la educación.

El filme vuela con soltura por cada uno de los aspectos de la vida diaria de Malala, ahora convertida en un referente para millones de mujeres que ansían mejorar a través de la enseñanza. Y lo hace con el vigor que da la sinceridad en cada una de las situaciones planteadas, solo rota en momentos puntuales relacionados con los actos más protocolarios a los que la adolescente pakistaní se ve obligada a asistir.

Es cierto que la obra ya tiene ganado de antemano el posicionamiento en favor de las tesis defendidas por la joven Yousafzai; pero, a partir de ese reconocimiento de entendimiento humano, el creador monta un vehículo para mostrar la incoherencia y bestialidad de unos verdugos capaces de atentar contra una pequeña inocente; la cual expone su integridad armada únicamente con palabras, esgrimidas para romper las cadenas que impiden la libertad de sus semejantes.

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Nancy Meyers da un paso más en su carrera de historias amables y sentimentales, con esta comedia plagada de buenos sentimientos y happy hours. Un filme que deja un voluntario gusto azucarado, sin grandes concesiones a los conflictos emocionales.

Después de escuchar a algunos representantes de la patronal española animando a los trabajadores a buscarse jubilaciones privadas y a alargar la vida laboral hasta que el esqueleto aguante, Nancy Meyers desembarca desde Hollywood para demostrar que lo de la eternidad en el papel de currante es un asunto al que se le puede sacar algún tipo de enseñanza positiva. También es cierto que el protagonista de la película de la responsable de ¿En qué piensan las mujeres? no se ve obligado a prolongar su vida profesional, sino que regresa al ruedo por decisión propia, sin presiones de las instituciones de su país. Precisamente, un planteamiento bastante alejado de las tesis del citado organismo empresarial de la tierra de Cervantes.

Lejos de similitudes más o menos cercanas con realidades que quitarían el sueño a más de uno, El becario enfoca su guion en torno a la existencia de un anciano que no se comporta como tal, y que piensa que aún puede dar mucho de sí en el mercado. Experiencia y ganas de hacer cosas hacen de Ben Whittaker (Robert De Niro) un candidato perfecto para integrarse en el programa de prácticas proporcionado por la firma de ropa on-line que lidera la exigente Jules Ostin (Anne Hathaway). Ambos empiezan con mal pie, pero -poco a poco- estos colaboradores de distintas generaciones se hacen inseparables.

Lejos de similitudes más o menos cercanas con realidades que quitarían el sueño a más de uno, El becario enfoca su guion en torno a la existencia de un anciano que no se comporta como tal, y que piensa que aún puede dar mucho de sí en el mercado. Experiencia y ganas de hacer cosas hacen de Ben Whittaker (Robert De Niro) un candidato perfecto para integrarse en el programa de prácticas proporcionado por la firma de ropa on-line que lidera la exigente Jules Ostin (Anne Hathaway). Ambos empiezan con mal pie, pero -poco a poco- estos colaboradores de distintas generaciones se hacen inseparables.

Meyers maneja las riendas del filme siempre por la senda de las buenas intenciones, sin apego a las reflexiones tristes o a las obvias contradicciones que se deberían dar entre el mundo que experimentó en su juventud el papel de De Niro y el que maneja con soltura la fémina a la que pone físico Hathaway. En ese cosmos de colores amables, todo resulta bastante inverosímil. Para empezar, pese a la disponibilidad del veterano Ben, es un tanto incoherente que un hombre fogueado en el negocio de las guías de teléfonos se adapte tan rápidamente a un ambiente informatizado, que difiere de manera radical del que él conocía. A partir de ese punto de incongruencia existencial, la directora estadounidense monta un universo de cuento de hadas, en el que ni la competitividad de un sector como el de las tiendas on-line perjudica el mensaje artificial de felicidad que comanda el conjunto del libreto.

No obstante, El becario funciona en la medida en que lo hacen los productos destinados a colmar las expectativas de las grandes audiencias; siempre avalada por un estilo industrializado al máximo, sin riegos de autoría patente. Dentro de ese esquema, De Niro y Hathaway exhiben que son dos actores capaces de sobreponerse incluso a la falta de brillantez narrativa. La pareja sale más que airosa en la caracterización de sus respectivos personajes, aunque tampoco desentona el resto de los actores que colaboran en esta comedia (donde es de agradecer la presencia de una recuperada Rene Russo).

Todos estos elementos hacen que el largometraje se sostenga a base de oficio, y consiga imponerse a sus limitaciones a través de un aura de aceptación colectiva generalizada.

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Ridley Scott exhibe sus conocimientos técnicos, al construir una película de ciencia ficción que ha obtenido incluso el beneplácito de la NASA. Sin embargo, el cineasta británico naufraga en el aspecto del entretenimiento.

El estreno de Marte ha levantado un sinfín de reportajes periodísticos, interesados en asociar el análisis crítico con la veracidad astrofísica de la epopeya que narra el filme. En este sentido, la comunidad aeroespacial parece haber dado una nota alta a esta adaptación de la homónima novela de Andy Weir, que firma el competente cineasta de Alien. Un dato que resulta especialmente relevante, sobre todo si se observa que semejante examen solo lo han aprobado clásicos como 2001, aparte de títulos de reciente hornada del tipo de Gravity e Interstellar.

Ridley Scott no escatima planos, en los que especifica los pasos regidos por las leyes de la lógica que sigue el botánico abandonado en el Planeta Rojo, al que interpreta Matt Damon. Información que da fe de la concienzuda preparación orquestada por el responsable de Gladiator, para no meter la pata en su escenificación del universo.

No obstante, si –por ejemplo- se pregunta a cualquier espectador medio qué es lo que recuerda de 2001, probablemente la respuesta sería la escena del mono prehistórico golpeando un esqueleto, la computadora asesina y el monolito. Todos ellos elementos que poco o nada tienen que ver con la traslación literal de los manuales de la NASA, y que pertenecen más bien a la imaginación del creador (Stanley Kubrick, en este caso). Y es en ese terreno, del espectáculo de enganche, donde el responsable de El consejero patina de largo.

Marte carece de concesiones a la fantasía, y su guion se atisba como demasiado sobrio y algo excesivo en duración. El famoso cineasta no aprovecha en ninguna secuencia el inmenso decorado en el que transcurre la trama, y se contenta con ofrecer vistas congeladas de salvapantallas con las que ilustra la acción ralentizada.

Scott ni siquiera hace la intención de imaginar un futuro discordante –como ya efectuó con sobresalientes resultados en Blade Runner-, y presenta el mundo de 2033 como si los terrícolas no hubieran evolucionado lo más mínimo en sus aspectos más rutinarios (vestimenta, gustos musicales). Un desarrollo que únicamente se aplica a los logros tecnológicos.

Pese a estos bajones de interés, Ridley es un profesional que se ha mantenido más de treinta años en el mercado audiovisual, y sabe suplir esa anemia sustancial de la historia con trabajados encuadres y con la aportación visceral de los actores. Precisamente, la parte interpretativa es con mucho la que sale más airosa en este largometraje dentro de los engranajes artísticos. Encabezado por un convincente Matt Damon, el resto del elenco asume con soltura cada uno de sus papeles; siendo la hierática Jessica Chastain y el expresivo Chiwetel Ejiofor los que asumen una mayor distinción.

Tales ingredientes elevan la calidad de Marte, y consiguen que la película se vea con unas ciertas dosis de interés. Sensaciones en las que también colabora la animada banda sonora, donde suenan reconocibles temas de Abba, David Bowie y Gloria Gaynor, entre otros.p> En conclusión, se puede afirmar que la movie es altamente creíble desde la óptica académica, sin errores científicos especialmente significativos. Pero también es cierto que los padecimientos del Robinson Crusoe galáctico encarnado por Damon habrían adquirido una intensidad más vírica con un poco de misterio, o con algunas pinceladas de profundo suspense.

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Alfonso Gómez-Rejón firma una inteligente comedia sobre amistades al borde de la muerte, en la que el director toma el rumbo del humor cinéfilo para animar el asunto.

No todas las películas de instituto son del mismo calibre, como tampoco todas las cremas antiacné consiguen acabar con los dichosos granos. Pese a esta afirmación, lo que sí resulta más o menos cierto que –últimamente- los filmes relativos a pasiones adolescentes parecen tocados por la varita de las tragedias hormonales imposibles. Dentro del mencionado esquema, Yo, él y Raquel trasgrede un poco la norma de los lagrimones en la sala de proyección, aunque en realidad esto sea un efecto pasajero.

El libro escrito por Jesse Andrews narra una experiencia desgraciada con un estilo carente de pesimismo existencial; y Alfonso Gómez.Rejón recoge esa característica con un espíritu fresco, e intenciones sanas por mejorar el alcance audiovisual de una historia demasiado manida como para generar el necesario interés por sí misma.

Ante tales propósitos, el responsable de algunos episodios de la serie American Horror Story procura que los espectadores conecten con el personaje principal: un chaval que huye de los contactos intensos en el centro de enseñanza secundaria, donde cursa el año previo a la graduación. Greg es como el hombre invisible, hasta que la madre de este le obliga a quedar con Raquel (Olivia Cooke): una chica de la localidad que padece leucemia en estado terminal. Pero Greg no está totalmente solo en su cruzada, ya que en ella colaborará Earl (RJ Cyler): un boy que se dedica a rodar películas de baja calidad con el protagonista.

Precisamente, es la pasión cinéfila de Greg y Earl lo que introduce las mayores dosis de virtuosismo en esta obra, la cual está muy por encima de la media de un género teen denostado por los productos simplemente resultones. Por las manos de estos cineastas amateurs pasan con notable sentido paródico, Fitzcarraldo, Cowboy de medianoche, La naranja mecánica o Apocalypse Now. Todas ellas modificadas con gran sentido de la parodia por estos adolescentes con ganas de convertirse en artistas.

A través del desarrollo de estas secuencias sobre celebrados títulos de la historia del Séptimo Arte, las interpretaciones de Thomas Mann, RJ Cyler y Olivia Cooke adquieren mayor capacidad dramática; pero el buen feeling queda anulado cuando el guion trata el tema central (la muerte de un ser querido) con la debida seriedad.

No obstante, los diálogos orquestados por Gómez-Rejón contribuyen a diluir los aspectos más comunes de su comedia juvenil. Unas frases chispeantes que los actores lanzan continuamente, y que sirven para vestir con los ropajes de lo excéntrico al conjunto de adultos que pueblan la pantalla.

Sin embargo, conforme la película avanza hacia el desenlace, el libreto empieza a mostrar un paso más rutinario, como cansado por el esfuerzo que supone alejarse de las normas habituales. Un desenfoque desilusionante, en el que todo parece volver al sitio de lo políticamente correcto, con la moraleja incluida de la superación de los traumas y la asunción irremediable de las tristezas individuales.

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Espectacular obra de Joe Wright, inspirada en la historia de Peter Pan. El director de Expiación no escatima efectos especiales, para montar una cinta deslumbrante desde el punto de vista técnico y artístico.

Pese a que el parecido entre el texto original de J. M. Barrie y esta versión orquestada en el siglo XXI es meramente circunstancial, el responsable de Anna Karenina ha conseguido lo que otros cineastas no habían si quiera rozado: captar la esencia fantástica atesorada en el cuento del niño volador.

Sin ánimo de adaptar la novela editada a principios del XX, Wright concibe su filme a partir de imaginar cómo fueron los comienzos del célebre Peter y de sus amigos; y lo que nace de ese ejercicio de introspección es una aventura sorprendente de principio a fin, en la que la magia de Nunca Jamás da pie para escenas memorables y acción sin medida.

Para ello, el creador inglés somete el lavado de cara del conocido argumento a un cambio situacional para nada gratuito. Ambientar los años de orfanato del pequeño protagonista en el Londres de la Segunda Guerra Mundial permite al cineasta aprovechar los combates aéreos, y con ellos introducir la presencia de los barcos voladores que raptan a los niños del hospicio.

Aunque el tema de trasladar la trama unas décadas después de cuando sucede el argumento de Barrie queda pronto superado por una puesta en escena que delata la intención del filmador de Orgullo y prejuicio de contar algo distinto a lo habitual. Así lo percibe el espectador con el singular y épico enfrentamiento del navío pirata y los aviones de la RAF, en los cielos encapotados de la capital de Reino Unido. Sensación que queda finalmente sellada con la aparición del personaje de Barbanegra; al ritmo de la canción grunge Smells Like Teen Spirit, de Nirvana, y con un decorado que remite a Indiana Jones y el templo maldito y a la saga de Mad Max.

Concurso PAN Merchandisinghttp://www.accioncine.es/concursos-sp-1554204485/3704-concurso-pan-merchandising

Posted by Revista ACCION Cine-Video on Lunes, 5 de octubre de 2015

En ese universo construido por Wright, hasta el elemento más pequeño goza de sus correspondientes toques de espectacularidad, destinados a concitar un más difícil todavía, que contribuye a dotar de brillantez audiovisual a un largometraje que no permite treguas al aburrimiento o a los momentos de caída en la traca de emociones.

Tales pretensiones organizan el guion de Pan como si se tratara de una gigantesca montaña rusa, en la que los actores se esfuerzan por no perder el fuelle al son ensordecedor de los efectos especiales. Y lo cierto es que el plantel seleccionado consigue mantener el tipo con bastante dignidad. Apartado en el que destaca la sarcástica caracterización de Hugh Jackman, como un avejentado y excesivo Barbanegra, y la réplica del debutante y simpático Levi Miller, como el pequeño Peter Pan.

Precisamente, el oficio del cuadro interpretativo consigue que se note poco la endeblez de la historia central, y solo se perciba el aroma de la aventura de capa y espada que cuenta, con personajes míticos y mucha conexión nostálgica respecto al crío habitante de Nunca Jamás, ideado por Barrie.

Después de la sucesión de instantes al borde de lo imposible grabados por JW, lo que realmente queda en la retina es la contundencia de una producción que cuenta con secuencias tan apabullantes como la del choque final, mantenido entre la nave de Barbanegra y la comandada por el joven Garfio.

Pan hace de la diversión sin límites su mejor arma de presentación.

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Crítica de la película Regresión de Alejandro Amenábar

Alejandro Amenábar exhibe su capacidad para crear tensión escénica con esta oscura película, la cual queda mejor situada en el universo del thriller psicológico que en el cosmos perturbador del terror clásico.

Nada más comenzar los títulos de crédito y la inquietante banda sonora, Regresión eleva su atmósfera de suspense con elementos susceptibles de generar el malestar y el interés en el espectador. Pese al rótulo casi siempre desilusionante de “historia basada en hechos reales”, la cinta del responsable de Los otros provoca rápidamente las ganas de introducirse en la pesadilla anunciada, que se atisba a través de la incesante lluvia y de los paisajes desolados que conforman las primeras vistas. Mediante la técnica de la cámara en movimiento, un personaje con accesos religiosos entra dentro de una comisaría, donde le espera un policía mayor y un agente más joven. Juntos estampan al individuo una confesión manuscrita de su hija, que le acusa de abusos deshonestos.

Estos son los acordes utilizados por Amenábar para prologar un largometraje destinado a activar los mecanismos de los miedos ancestrales, subidos al carro de una investigación policial en la que hay implicaciones de satanismo y prácticas sobrenaturales. Para ello, el cineasta español apoya su discurso en lo aprendido de maestros como Roman Polanski; pero algo falla en la materialización.

Según las declaraciones del autor de Mar adentro, el modelo inspirador para Regresión fue La semilla del diablo; aunque los caminos que transitan ambos filmes son diametralmente diferentes en intenciones y resultados. El guión elaborado por el cineasta madrileño centra su atención en los personajes principales: interpretados de manera más que notable por el eficaz Ethan Hawke y la expresiva Emma Watson. Mientras que el libreto de la cinta de Polanski estaba más enfocado a diseñar un entramado colectivo demoniaco, con brujos identificados con nombres y apellidos. Esta disyuntiva no solo separa a las dos películas, sino que también marca uno de los mayores problemas en la producción de Amenábar. El director de Tesis parece olvidar que para la lubricación adecuada de la tensión terrorífica es necesario que la galería de secundarios esté bien perfilada, y esto no sucede en su largometraje.

El papel que encarna Ethan Hawke (el obsesivo detective Bruce Kenner) ata cabos sin casi sospechosos a los que acusar, con las pesadillas nocturnas y las conversaciones con Angela (excelente Emma Watson en su caracterización, aunque sea improbable que una chica criada en la América profunda tenga el aspecto de la hechicera de Harry Potter) como únicas guías activas.

Semejantes coordenadas ayudan a Alejandro Amenábar a mantener el tipo de la narración, cuando esta corre al ritmo del terror mefistofélico. Pero pierde enteros al variar su discurso hacia conclusiones menos inquietantes y más comprensibles. En este terreno, el director de Ágora no logra girar de manera convincente hacia los parámetros de las mentes desquiciadas, en la línea a como lo hizo Martin Scorsese en Shutter Island. Motivo por el que su thriller psicológico acaba superado por la escenografía fantasmagórica, y por los efectos concitados a lo largo de la primera parte del filme.

No obstante, Regresión funciona por su envolvente atmósfera y su versatilidad para alimentar la curiosidad de los espectadores.

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Andrew Mogel y Jarrad Paul montan esta película para que Jack Black se luzca. Con ello, el intérprete de King Kong pretende demostrar que también es capaz de salir adelante en las costuras de un hombre reprimido.

Ni los tintes caprianos de una historia son capaces de apagar el triunfalismo de un cómico con ganas de hacer ruido. Jack Black ha erigido su carrera a base de tics y gestos más o menos estridentes, al tiempo que saca partido mediático de su oronda figura. Y así lo vuelve a exteriorizar en este filme, que bien podría haberse quedado en una reflexión romántica sobre homosexualidad latente, encerrada en el armario de las convenciones sociales.

El humorista de Escuela de Rock da vida en la cinta a un taimado agente de negocios a pequeña escala llamado Dan Landsman que, para mayor gloria de su rutina, trabaja como voluntario en el comité fiestero para rememorar la promoción de 1994 (a la que el pertenece). Sin embargo, ninguno de sus antiguos colegas de instituto parece decidido a reencontrarse con el resto de la clase. Desesperado, el hombre ve un día en la televisión un anuncio de crema solar protagonizado por Oliver Lawless: uno de los estudiantes que compartió el bachillerato con Dan. Loco por atraer a sus otrora camaradas de pupitre, D Train viaja a Los Ángeles para convencer a Oliver de que asista a conmemorar los veinte años de su graduación. Todo parece ir sobre ruedas cuando ambos quedan en la ciudad de la Meca del Cine, pero el asunto se complica tras una noche de drogas y alcohol.

Este argumento sustenta una movie en la que los momentos de humor o de simple chascarrillo brillan por su ausencia, y donde prima el histrionismo de Black.

El D Train del título se percibe en la pantalla como un individuo bastante atacado por sus obsesiones con el pasado adolescente, al que se le viene encima un periodo de indefinición sexual pese a estar casado y con dos hijos. Sin embargo, tales elementos quedan amortiguados por un guion bastante rutinario, incapaz de crear un ambiente adecuado en el que las situaciones gocen de la necesaria fuerza escénica.

Por su parte, James Marsden anda algo desorientado en la piel de Oliver Lawless. El protagonista de X-Men se deja querer por la cámara e intenta adoptar una pose convincente, pero su personaje está solo esbozado; y la única cosa que realmente funciona en él es el sentimiento de fracaso que marca su currículo profesional.

No obstante, e independiente de los obstáculos para lubricar el engranaje de esta supuesta comedia generacional, Mogel y Paul naufragan sin ningún género de duda en la elección del casting. Los directores juntan a intérpretes de edades demasiado dispares (al menos desde el punto de vista físico) para que compartieran año de graduación. Una de dos: o las cremas antiarrugas no han hecho el mismo efecto en todos los rostros, o lo de repetir curso era norma en el instituto al que asistía Dan Landsman.

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Beda Docampo Feijóo compone un retrato muy respetuoso del sucesor de Benedicto XVI. Sin embargo, el ejercicio adolece de interpretaciones rompedoras, no sujetas a la historia oficial.

Acercarse cinematográficamente a una persona tan icónica como Jorge Mario Bergoglio es sin duda una aventura complicada, debido sobre todo a las posibles repercusiones mediáticas que conlleva. Máxima que no solo tiene que ver con el antiguo arzobispo de Buenos Aires, sino que ha imperado en todas las producciones destinadas a recrear la vida de los portadores de las sandalias del pescador.

Mucho más pendiente de no molestar a las altas autoridades vaticanas que de elaborar un largometraje con aroma a fotograma encendido, Francisco se eleva como una película de esforzada puesta en escena, siempre sujeta a las condiciones cronísticas que el guion efectúa a través de la periodista Ana (Silvia Abascal).

Lo que el personaje de la informadora española refleja es la vida de un hombre marcado desde su niñez por una fe cercana al pueblo, nunca colgada de las perchas acomodaticias de la curia. Así lo deja claro en el arranque de la cinta, identificado con el cónclave del 2 de abril de 2005, cuando Ratzinger fue escogido para ocupar el puesto del fallecido Juan Pablo II.

A partir de ese primer encuentro entre Ana y el entonces máximo representante de la Iglesia de Argentina, el cineasta traza un tapiz de colores amables, en el que cuenta cómo Jorge Mario Bergoglio ha llegado a ser uno de los nombres más destacados en la nueva era del Cristianismo. Esos incipientes apuntes dejan un sabor de boca realmente esperanzador, y revelan la intención de Feijóo por esculpir el personaje del Sumo Pontífice con experiencias fuera del dominio general. Sin embargo, todo afán por sorprender se esfuma demasiado rápido.

El creador norteño encierra la narración en un laboratorio de declaraciones de manual, que parecen sacadas de los periódicos y las televisiones. De esta manera, el filme planea por medio de consignas cerradas y ausentes de cualquier doble sentido, sobre temas tan candentes como el del papel de Bergoglio durante la dictadura militar, sus opiniones sobre el aborto y las relaciones de los sacerdotes con mujeres, o sus acciones para denunciar la corrupción en el gobierno de Kirchner. Estampas que dan origen a una especie de sucesión de secuencias bien trabajadas, aunque deficitarias en riesgo dramático.

No obstante, si Francisco adquiere una singularidad propia, es por el excelente rendimiento del cuadro artístico, en el que sobresalen los casi siempre eficientes Darío Grandinetti (su caracterización de Bergoglio es más que notable) y Silvia Abascal.

Al final, la crónica de Feijóo finaliza con la elección del protagonista como máxima cabeza visible de Roma, hecho acaecido el 13 de marzo de 2013. Un periplo que el compatriota de Cervantes ilustra con escenas que no molestan a nadie, pero que bien podrían haberse sacudido el miedo, para esbozar alguna confusión emocional en el sucesor de Benedicto XVI. Sin duda, puestos a escoger títulos sobre el Papado, Las sandalias del pescador sigue liderando el ranking. Quizá porque el Sumo Pontífice de esa movie, al que puso físico Anthony Quinn, era inventado…

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Crítica de la película Everest

Baltasar Kormátur escala la elevación más alta del mundo con esta película sobresaliente desde el punto de vista visual. El director saca un partido inmejorable de los apabullantes escenarios en los que transcurre la trama.

Durante el período de entreguerras, el cine alemán se dedicó a mimar un género que ellos denominaban de montaña. En él destacó, entre otros realizadores, la cineasta Leni Riefenstahl (la misma creadora que años después se erigió como la autora de la faz mediática del movimiento nazi). Entre las reglas de ese estilo primaba la utilización de encuadres aliñados con las dificultades del terreno, todo un desafío para las cámaras y equipos técnicos de esa época. Más de siete décadas separan la producción de Kormátur de esas películas en blanco y negro, plagadas de referencias a los paisajes grabados a altitudes considerables; y el tiempo mediado se nota en los resultados.

Las imágenes en 3D que presenta Everest son las auténticas protagonistas de un filme que se enmarca de lleno en los dramas sobre catástrofes, con una variante de extremismo humano que bien podría asociarse a muchos de los títulos setenteros, relativos al enfrentamiento entre los seres vivos y los entornos hostiles (Poseidón, Terremoto…).

Desde el principio, el guion –elaborado a partir de los testimonios de algunos de los supervivientes de la catástrofe- no desprecia ninguna oportunidad para intentar establecer un hilo de unión sensible entre los personajes y los espectadores, algo que solo consigue a medias. El defecto más evidente está en la acumulación de montañeros, que se dan cita en Nepal para participar en la coronación de la montaña situada en el Himalaya; y en la incomprensión –si no se pertenece al gremio- del porqué arriesgan sus aparentemente placenteras existencias en aventuras donde es más que posible que perezcan por cualquier contratiempo.

Kormátur procura que se conozca a cada miembro del grupo principal; pero, hasta la segunda parte del metraje, estos son nombres que se alternan en la pantalla sin una clara precisión de quién es quién. Tal defecto identificativo mediatiza un poco el comienzo de la película, marcado por una subida en la que únicamente se contempla un trabajo sin complicaciones especiales (un tanto increíble, sobre todo tras los mensajes que presentaban la empresa como de riesgo casi inasumible). El libreto parece renunciar a la primera hora de duración de la cinta, con secuencias que aportan bastante poco al argumento. Mientras que lo apuesta todo a la traca final del descenso.

Cuando los alpinistas ponen sus respectivas banderas en la cumbre, y se disponen a abandonar la cima, es el momento en que se producen los hechos trágicos ocurridos en la realidad. A partir de ahí, los instantes de desesperación y las decisiones dramáticas se suceden sin casi dar un segundo de pausa a los que visionan el filme; lo que contribuye a que el clímax se mantenga, gracias al ritmo acelerado que le imprime el director.

Aunque en esa subida de tensión cinematográfica también tienen bastante importancia las interpretaciones del estelar elenco artístico, en el que destaca la caracterización del cada vez más demandado Jason Clarke y del emotivo Josh Brolin.

No obstante, lo que más permanece en la mente de los aficionados es esa bestia llamada Everest, oscurecida por las tormentas y con su despiadado espíritu criminal entre las rocas nevadas.

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Enrique Gato testa la animación española con esta entretenida obra de ficción, sobre un alocado viaje a la Luna protagonizado por tres niños, un anciano y un camaleón muy mosqueado.

Tras el éxito de Tadeo Jones, Mediaset apuesta por el mismo equipo para orquestar una película en la línea de algunos de los taquillazos animados made in USA; y la empresa les ha salido francamente resultona. Para empezar, la cinta de Enrique Gato aprovecha la celebración de los cuarenta y seis aniversarios del alunizaje del Apolo XI, y monta con este acontecimiento una historia que mezcla el humor infantil conectado emocionalmente con Los Goonies, la acción cercana a la expuesta en Exploradores y la ambición propia de muchas de las producciones más contemporáneas de Disney. Los planteamientos del cineasta y de sus colaboradores beben abiertamente de las aguas de la cultura estadounidense, olvidándose de las identificaciones posibles con el modo de pensar de los nacidos en la tierra de Cervantes. Por todo ello, Atrapa la bandera no desprende a lo largo de su metraje relaciones visibles con la fisonomía audiovisual de la industria propia de la Piel de Toro; algo que genera la ventaja de la pegada internacional, pero que hace perder bastante autenticidad a una obra cuyo argumento no oculta su filiación con el American way of life.

De esta manera, los protagonistas del filme practican el kitesurf en vez de darle a las chapas y al futbolín, los adultos tienen poses de cowboys galácticos en vez de mercenarios del Siglo de Oro, y los paisajes se asemejan más a las caricaturas latifundistas de las extensiones petrolíferas que a las cañadas reales y a las huertas murcianas.

Tan norteamericana como la Coca-Cola, la aventura de Mike y de sus colegas rezuma los destellos de una epopeya yanqui por los cuatro costados, y se enorgullece de ello. Tesis que obliga a pensar que, pese a que la artesanía que hay detrás sea compatriota de la paella y el gazpacho, lo que trasluce en realidad es su apego a la nación de las barras y estrellas.

Más allá de las evidentes rugosidades mercadotécnicas, la creación de Gato tiene la ventaja de ofrecer una sucesión de fotogramas fácilmente entendibles; entre los que no falta el ingenio y que componen un producto con moraleja efectiva, sentimentalismo humano, malvados estereotipados hasta en el tupé y alguna que otra ocurrencia marca de la casa, que arranca la sonrisa sin medias tintas (quizá, lo mejor esté en la escenificación de la falsa llegada a la Luna, a través de un plató con un comandado por un señor que se parece horrores a Stanley Kubrick).

Todo un muestrario que contribuirá probablemente a vender la película fuera de las fronteras españolas (mucho más, si a esto se suma la inclusión del hit compuesto por Auryn, la boy band hispana con cachas a lo One Direction).

Sin embargo, tanto fuego de artificio deja entrever un poco las carencias de un filme que sucumbe ante los efectos amortiguadores y confusos de una globalización que borra el poso de lo autóctono.

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