Miguel Juan Payán

Miguel Juan Payán

Profesor de Historia del cine, Géneros cinematográficos y Literatura dramática

Crítica de la película Río Bravo (1959)

1959. Estados Unidos. Color. Director: Howard Hawks. Guion: Jules Furthman, Leigh Brackett. Fotografía: Russell Harlan. Música: Dimitri Tiomkin. Intérpretes: John Wayne, Dean Martin, Angie Dickinson, Ricky Nelson, Walter Brennan, Ward Bond, John Russell, Pedro González González, Estelita Rodriguez, Claude Akins, Malcolm Atterbury, Harry Carey Jr., Sheb Wooley, Edward Astran, Walter Barnes, Nesdon Booth, George Bruggeman, Yakima Canutt. Duración: 141 minutos.

Basada en una historia corta de B.H. McCampbell, es una película de la que ya hablamos en el coleccionable de carteles de John Wayne, pero me niego a no incluirla por ello en este coleccionable del western porque es un título esencial del género y además uno de los que más influencia ha tenido en directores posteriores, como por ejemplo John Carpenter, que la homenajeó a placer en Asalto a la comisaría del Distrito 13, y luego volvió otra vez sobre esa misma referencia cambiando la pesadilla urbanita por la pesadilla de ciencia ficción en Fantasmas de Marte, poderosamente influida por este clásico del cine del oeste. Se podría decir que Río Bravo contiene todos los elementos que hicieron de Howard Hawks un gran director de la era dorada de Hollywood, uno de los principales cultivadores del cine de evasión en los años cuarenta y cincuenta, y el mejor maestro de la narración con cámara a la altura de los ojos que ha conocido el cine norteamericano a lo largo de su historia. No es raro que también Martin Scorsese se hiciera eco de esta película utilizándola como cita cinematográfica esencial en su primera película, ¿Quién llama a mi puerta?, cuando el protagonista, Harvey Keitel, en un gesto con el que seguramente se identificaban muchos cinéfilos en ese momento, lleva a su chica a ver esta notable obra de Hawks e intenta explicarle a la muchacha cómo ve él los distintos tipos de mujer tomando como ejemplo el personaje de prostituta disfrazada de corista para burlar la censura del momento que interpreta Angie Dickinson, que podía presumir de tener uno de los pares de piernas más bonitos del cine americano y años después seguía luciendo palmito en la serie La mujer policía. Me sobra la cancioncilla del nene y sin embargo está muy bien la referencia musical a los que palmaron en El Álamo, ominosa donde las haya.

Miguel Juan Payán

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Crítica de la película La Casa del Reloj en la Pared 

Recomendable película familiar para adultos acompañados. Muy entretenida.

Tiene todos los elementos para apuntarse a una tarde de cine con la familia. No es, ni lo pretende, ser original en la trama que aborda, pero sí la trata con mucha solidez y sabiendo perfectamente qué es y cómo debe desenvolverse la propuesta que nos hace. Además está muy bien defendida por una Cate Blanchett como siempre más allá de lo eficaz hasta demostrar por qué ante las cámaras tiene la solvencia de los grandes actores de otras épocas, ejerciendo el nada fácil doble registro de actriz y estrella. Te vende lo que haga falta. Y tú lo compras en cuanto aparece en el plano. Fin.

Crítica de la película Hell Fest

Entretenido juego de terror con fórmula de parque de atracciones.

Hell Fest es el tipo de película que cuando eres adolescente vas a ver con los amigos y amigas para pasar el rato. Y ya. En una muy moderada adaptación del slasher encuentra recursos para resultar más distraída de lo previsible teniendo en cuenta que aplica la fórmula de este tipo de peripecias de terror con matanza de adolescentes paso por paso y no caben en eso muchas sorpresas.

Crítica de la película Ánimas

Curiosa propuesta de terror milennial con varios puntos de interés.

Limitada en medios pero valiente en algunos aspectos, más floja en otros, Ánimas me parece interesante sobre todo porque es un pulso entre el uso de los tópicos del género de terror y al mismo tiempo intenta escapar de los mismos por otros caminos que buscan darle más fuerza a la propuesta.

Explora por un lado la vía de la psicología. Cierto es que en lo referido a su propuesta psicológica me quedo antes con su capacidad para querer jugar visualmente con ese asunto que por el contenido narrativo de todo ese aspecto, demasiado previsible. En ese terreno de la psicología Ángela Molina presta una solidez necesaria pero no del todo aprovechada. Creo que ese personaje, independiente del papel o peso que tenga en la novela de la que parte la película, merecía en el cine, y contando con esa actriz que siempre te lo da todo ante la cámara, ser más importante en el desarrollo general de la trama. A veces el cine y su lenguaje pide desarrollar más los personajes que en otros medios no requieren o pueden proponer tanto juego. De ahí que la adaptación novela a cine nunca sea fácil. En otros aspectos, como el empeño de juego con recursos visuales como la puerta en el suelo, creo que la película puede caer en el tópico, o incluso mostrarse ingenua, pero aplaudo la decisión de atreverse a jugar con la ilustración que hace Ánimas de lo psicológico desde lo visual, algo que nunca es fácil y que se le resistió incluso a Hitchcock en Recuerda incluso contando con Salvador Dalí para solventar todo el asunto onírico. Me parece no obstante que en ese proceso un mayor protagonismo del personaje de Ángela Molina habría sido muy beneficioso. No me canso de decir que los actores son el mejor recurso, la mejor herramienta y el mejor efecto especial con que puede contar el cine.

Opinión del remake de Grupo Salvaje de Mel Gibson final de Animales fantásticos 2: Los crímenes de Grindelwald

Crítica de la película Johnny English de nuevo en acción

Floja explotación de un personaje y reparto que merecen más chispa en guión y diálogos.

Más de lo mismo. Rowan Atkinson y la parodiad el cine de espías al estilo James Bond. En este caso reclutando a una “chica Bond”, Olga Kurylenko, que es lo mejor de la película y tiene mucho mérito por el aplomo que muestra para mantener el tipo en un puñado de situaciones y diálogos bastante manidos en la línea de los cientos de parodias del género de espionaje que han llegado a la cartelera desde que nuestros más remotos ancestros se pusieron a dibujar bisontes en las cuevas más primitivas. Vamos que cuando Ramsés II jugaba al mus, ya le contaban esos chistes.

Crítica de la película Matar o Morir: Peppermint

Floja película de acción con guión propio de telefilme y Jennifer Garner desperdiciada.

Icónica para muchos espectadores por su papel en la seri Alias, Jennifer Garner no ha tenido mucha suerte con este retorno a las tramas de acción trepidante aunque ella cumpla con su cometido como repartidora de leña y aficionada a tirar del gatillo. No es ya que le pongan pelucón intratable incluso recordando los excesos capilares del amigo Nicolas Cage, es que el guión que le han enchufado tiene muchas vías de agua abiertas y en su conjunto todo en esta película la deja muy sola sin respaldarla en absoluto. Es pena porque tienen la película ahí, ahí, pero no han sabido verla. Y no parecen advertir sus debilidades.

La primera sin duda es que parece una película de otra época, como mínimo de diez años antes de que se estrene Atómica, por poner un ejemplo. Las secuencias de acción pueden tener un pase, pero lo que las respalda es demasiado tópico y vacío.

Crítica de la película Milla 22

Recomendada para adictos al buen cine de acción con Iko Uwais, protagonista de The Raid .

Peter Berg ha vuelto a demostrar con este trabajo por qué es uno de los directores más eficaces del actual cine de intriga que en sus películas siempre acaba mutando espectacularmente en estallido visual de acción.

El tándem formado por Berg con el actor -desdoblado en productor- Mark Wahlberg muestra aquí nuevamente que ambos forman una de las maquinarias mejor engrasadas del cine comercial de nuestros días.

Wahlberg defiende el asunto delante de las cámaras con la misma solvencia que Berg detrás de las mismas, y además respalda como productor esta hábil absorción de claves del cine de acción más exóticas como la que ha propuesto Gareth Evans con Iko Uwais como protagonista en The Raid (2011) y The Raid 2 (2014). Si el lector de estas líneas es aficionado al cine de acción y todavía no las ha visto, ya está tardando en salir disparado a buscarlas. Garantizo uno de los mejores ratos de reparto de tollinas de la historia del cine.

Volviendo a la película que nos ocupa, lo que me interesa destacar es que en Milla 22  la máquina Berg-Wahlberg -conviene empezara  pensar en ambos como entidad única de asociación creativa con unas claves de estilo bien definidas en sus películas El único superviviente (2013), Marea negra (2016) y Día de patriotas (2016)- no se ha limitado a replicar o copiar descaradamente lo propuesto por Gareth Evans en The Raid y The Raid 2, sino que simplemente han tomado de ambas aquello que les parecía más interesante para incorporarlo a su propia panoplia de recursos, intereses y estilo. Construyen así una intriga en evolución hacia lo trepidante y visualmente explosivo en la que podemos registrar las claves de su manera de entender y desarrollar este género que estaban ya presentes en sus colaboraciones anteriores, y cuyos orígenes pueden rastrearse hasta la mejor película de lo que podríamos denominar la primera etapa de iniciación en el género de Berg en solitario, La sombra del reino (2007). Dicho largometraje es un precedente muy claro de las aspiraciones del director y de una forma de entender el cine de acción e intriga que no ha podido poner en pantalla hasta que se cruzó con Mark Wahlberg en su doble papel como actor y productor. Por otra parte hay que tener en cuenta que esa asociación director-actor se forja sobre una comunidad de intereses en la forja de un tipo de producto de acción determinado que estaba también anticipada en la filmografía del propio Mark Wahlberg como actor con Shooter: el tirador (2007), dirigida por Antoine Fuqua, pero en mi opinión algo por debajo de todas las propuestas en esa misma línea que ha protagonizado el actor/productor a las órdenes de Berg.

Milla 22 encaja perfectamente en todo ese paisaje y filmografía compartida por Berg y Wahlberg, y además demuestra la intención clara de no quedarse estancados en el mismo tipo de historia y estar siempre atentos a los cambios que puedan operarse en la periferia del género en el que trabajan, lejos del barullo de repetición de esquemas, superhéroes franquiciados y serialización que impera actualmente en el cine comercial estadounidense.

Ese esa capacidad para ofrecernos un cine de acción, serio, muy trabajado en su guión y creación de personajes, bien respaldado por su reparto y notable por su manera de cruzar intriga y acción, lo que hace de Milla 22 una de las más recomendables propuestas del género que vamos a ver este año.

Cuenta además con el habitual ritmo trepidante y la solidez de los empeños Berg-Wahlberg, con un reparto en el que, como era previsible, brilla en la secuencias de acción y combate cuerpo a cuerpo Iko Uwais, con una espectacular Lauren Cohan repartiendo leña junto a la campeona de artes marciales Ronda Rousey, Sam Medina, al que vamos a ver también pronto en Alita: ángel de combate y Venom, como antagonista y John Malkovich en un papel breve pero donde tiene margen para imponer estilo y presencia.

Miguel Juan Payán

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Crítica de la película Predator

Consigue lo que se propone: entretenimiento y evasión. Competente secuela del original.

Es la tercera mejor entrega de la serie tras Depredador y Depredador 2, al menos según mi opinión, y además consigue rendir homenaje a la original y al cine de los ochenta y sus disparates trepidantes para disfrute gamberro del género de aventuras y fantasía manteniendo el estilo que caracteriza las películas de su director.

Suficientemente sangrienta para no ser una farsa, es visualmente la más explícita de toda la saga, no ha hecho pacto para buscar calificación por edades más amplia, y eso es bueno, porque de ese modo, Shane Black puede soltarse la melena y hacer el tipo de entretenimiento para adultos que requiere esta saga.

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