Crítica de la película Intemperie

Western español a las órdenes de Benito Zambrano.

Una historia árida y directa, basado en la novela de Jesús Carrasco y que no termina de funcionar, como tantas otras veces, no por el trabajo impecable del reparto, liderado por un Luis Tosar que cada día, si es que eso es posible, es mejor actor. Ni tampoco por un apartado narrativo y visual que no sólo cumple con lo que requiere la historia, sino que lo supera con creces, ofreciendo un ejemplar uso del paisaje, de la fotografía y del encuadre (Dónde suceden los hechos es casi tan importante como los hechos en sí, la localización se convierte en un personaje, y el juego de luces y sombras, define a los propios personajes muchas veces mejor que el guión…). Porque el problema es ese. Un guión demasiado simplista, maniqueo y a veces manipulador.

La historia está ambientada en los años posteriores a la Guerra Civil española, con vencedores y vencidos ya muy localizados y localizables. En ese mundo, en un territorio donde la gente sobrevivía trabajando hasta reventar por cuatro perras, un niño escapa de un cortijo. El capataz manda buscarlo a sus hombres. El niño es el hijo de una familia que trabaja en la hacienda pero que vivía con él. En su huida, se encuentra con un pastor y la relación entre ambos cambiará sus vidas, mientras la persecución continúa. Desde ese aspecto, la historia es abordada como un western, una película del oeste donde a veces surgen los momentos de suspense o de cine negro, que la convierten en algo muy interesante, por distinto. Emparentada con la reciente Sordo, por ejemplo.

Crítica de la película Los Ángeles de Charlie

Innecesaria y desangelada versión de las películas anteriores.

¿Entretenida? Pues pasablemente entretenida. ¿Mejor que las anteriores? A ver, las anteriores tampoco eran para tirar cohetes. A mí me resultaron más indigestas que ésta. Se gustaban mucho, más de lo recomendable. Se creían más graciosas de lo que eran. Confieso que ésta me ha resultado más digerible. El problema es que se limita a replicar con insistencia cansina las mismas propuestas de las dos que protagonizara Drew Barrymore con Cameron Díaz y Lucy Liu, y aunque en mi opinión Kristen Stewart y Elizabeth Banks hacen lo que pueden para mantener algo de chispa en la propuesta, se les cae por esa falta de propuesta nueva en lo ya contado anteriormente, que como digo tampoco era como para tirar cohetes de alegría.

Esta película recuerda bastante el intento de reboot de Men In Black, aunque en general aquella otra me resultó más sólida como distracción veraniega de lo que es ésta. Las dos películas tienen en común la reincidencia con lo ya explotado. Las dos son igualmente limitadas en su argumento, mero pretexto para incidir una vez más en las características de la franquicia a la que pertenecen. Pero esta parte de una base menos sólida, porque tanto la serie de Los ángeles de Charlie, fenómeno televisivo en su momento, como las dos películas protagonizadas y producidas por Drew Barrymore, que funcionaron en la taquilla, tenían poca materia prima que explotar. Eran mero cromo. Como ocurre en esta, sus personajes eran mero boceto. Y como en ésta, cuando intentan tener algo más detrás que contar, caen en el artificio.

Crítica de la película La gran mentira

McKellen y Mirren elevan este thriller con un guión excesivamente tramposo.

De hecho, de no ser por ellos dos y por el buen hacer de Bill Condon tras las cámaras, la película podría haber pasado por un telefilm de esos que emiten los fines de semana a la hora de la siesta. No es sólo que la historia sea la justa y necesaria para llevar la trama del punto a al b, sino que además es tan, tan tramposo, que los momentos finales pueden producir una sensación de sonrojo en el espectador, como si nos estuviesen tomando el pelo. Pero claro, por el camino tenemos a Helen Mirren y a Ian McKellen cara a cara, en un juego de engaños y mentiras que es una delicia. Dos intérpretes que podrían hacer fascinante la lectura de la guía telefónica… Y el guión de La Gran Mentira se asimila demasiado.

Un viejo estafador, experimentado y con mucho talento, tiene sus miras puestas en una reciente viuda con un gran patrimonio, a la que pretende seducir y desplumar, mientras sigue con otros de sus negocios. Pero el pasado de los personajes y las emociones se mezclarán en la situación, cambiándolo todo. Es difícil no soltar algún SPOILER cuando uno habla en profundidad de una película como La Gran Mentira, porque tiene varios giros de guión importantes. Hay que tener en cuenta que la fecha en la que se desarrolla la historia es 2009, algo de cierta relevancia. Y, por muy mediocres que sean esos giros, hay que respetar al espectador y dejar que sea él quien los descubra.

Crítica de la película Midway

La mejor segunda película de Roland Emmerich tras Anonymous.

El director de espectáculos visualmente rocambolescos y exagerados se saca de la chistera su mejor trabajo en su faceta como realizador de blockbusters espectaculares con esta crónica del enfrentamiento de Japón y Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.

Esta versión de Midway, a pesar de su título, hace un dinámico recorrido por el ataque a Pearl Harbor, el bombardeo de venganza de Doolitle, y los acontecimientos que condujeron a la batalla en cuestión.

En mi opinión es mejor que Pearl Harbor, de Michael Bay porque se ha librado del lastre petardo de la historia romántica a tres bandas que servía como caramelo sentimentaloide para pescar público más amplio en aquella. Nada de hora y media de romance metido con calzador aquí. Va al lío, y el lío son las acciones bélicas.

Crítica de la película Legado en los huesos

Nueva e interesante entrega de la trilogía del Baztán. .

Iniciada con El Guardián Invisible, película que estuvo rodeada por una polémica innecesaria que acabó dañando su taquilla, aunque la recaudación final no estuvo mal, lejos de asustarse, sus responsables han decidido dar el todo por el todo y rodar las dos siguientes películas, adaptaciones de los libros de Dolores Redondo, a la vez, algo tan habitual ya fuera de España y que permite seguramente no sólo abaratar costes, sino completar la trilogía sin necesidad de esperar a que la taquilla responda. Legado en los Huesos llega ahora y en abril el cierre, Ofrenda a la Tormente, y repiten tanto el reparto liderado por Marta Etura como el director, Fernando González Molina, un hombre que parece tocado por la varita del éxito en la taquilla y un auténtico artesano en estos tiempos.

También repite el guionista, Luiso Berdejo, que está dando mucho que hablar este año con La Trinchera Infinita, y que aquí abraza las claves del género policíaco y su variante de asesinos en serie con pasión. La historia nos devuelve al Valle de Baztán donde Amaia Salazar (Etura) debe regresar para investigar una serie de terribles suicidios que quizá no sean lo que parecen, sólo un año después de los hechos de El Guardián Invisible. La película además, para seguir ganando en interés, ha sumado tres nombres de mucho peso como son Leonardo Sbaraglia, Imanol Arias y Ana Wagener. El resultado, como decíamos, es un thriller competente y complejo, que juega muy bien sus cartas y nos engancha pese a sus defectos, que también los tiene.

Crítica de la película El tiempo contigo

Shinkai regresa con un proyecto maravillosamente visual y emotivo.

Menuda racha de sol y calor hemos tenido este ¿verano? Hago hincapié en verano porque realmente no se han notado los cambios de estaciones desde prácticamente el mes de abril hasta estos últimos días donde han ido apareciendo lloviznas y frio. Os estaréis preguntado, ¿Qué cuenta éste ahora del tiempo si estoy leyendo una crítica de una película? Pues todo está relacionado y es que Weathering with You trata en cierta medida sobre eso, pero justo, al contrario; La ciudad de Tokyo carente de rayos de sol y predominada por lluvias durante un extenso periodo, algo preocupante para sus habitantes y el territorio en sí. Este acontecimiento no es simple casualidad, sino que todo tiene su explicación y ese es el hilo conductor de este nuevo proyecto que nos trae Makoto Shinkai, prestigiado director que sorprendió con su anterior largometraje Your Name.

Viniendo del maestro Shinkai, sabíamos casi con certeza que íbamos a encontrarnos con un nuevo film que a pocos iba a defraudar, sobre todo a los acérrimos a las historias de amor. Como no podía ser de otro modo, estamos ante un nuevo drama amoroso, sentimental y emotivo a partes iguales; Chico llega a la ciudad en busca de trabajo tras alejarse de su hogar y familia. Cuando éste logra encontrarlo, una investigación lo llevará hasta una chica que aparentemente puede hacer salir el sol, siendo aquí cuando empiece su historia. Esta vez Shinkai ha querido apostar por el tema de los mitos relacionados con el sol y la lluvia, atrayendo al espectador hacia nuevos horizontes de esta forma. Pero pesar de querer hacer comprender esta mitología, no se llega a profundizar del todo en ella, solo unas pequeñas pinceladas que podían haberse ampliado para adentrarnos más en el tema. Quizás no sea lo que realmente busca el espectador porque, al fin y al cabo, como he mencionado antes, todos sabemos lo que vamos a encontrarnos desde el momento en el que los dos personajes aparecen en escena juntos, por lo que tampoco se engaña a nadie. Pero éste no es el único tema que se trata en la película, ya que aparecen algunos bastante actuales y controvertidos como son el cambio climático, la prostitución, la pobreza e incluso las armas.

Crítica de la película La odisea de los Giles

Divertida comedia dirigida con imaginación por Sebastián Borensztein, que cuenta con las brillantes caracterizaciones de Ricardo Darín y Luis Brandoni.

A veces, los menos favorecidos en el reparto de capital pueden sacar la cabeza, y poner en su sitio a los especuladores y ladrones con chequera y relaciones bancarias. Esta tesis es la que sustentó la novela La noche de Usina, de Eduardo Sacheri: texto en el que se basa La odisea de los Giles. Unas coordenadas temáticas y existenciales, que el cineasta Sebastián Borensztein transforma en una película agradablemente humorística y humana, cuya inspiración embrionaria podría encontrarse en la excelente cinta Atraco a las tres (José María Forqué, 1962).

La trama del largometraje sigue la aventura protagonizada por un exfutbolista llamado Fermín Perlassi (Ricardo Darín), quien anhela revitalizar el pueblo en el que habita con su esposa. El ahora gasolinero tiene en mente levantar una cooperativa, para dar trabajo a los pocos vecinos que aún no han huido a Buenos Aires. Sin embargo, el dinero que les piden por adquirir la antigua factoría es demasiado, y el hombre y su cónyuge se ven obligados a recaudar la cantidad entre distintos amigos y potenciales inversores. Cuando estos ya han alcanzado el capital estimado, la nueva sociedad proletaria ingresa lo reunido en el banco. No obstante, aún les falta un poco; causa por la que Fermín solicita un crédito, pero el responsable de la entidad le advierte que no se lo concederán, a menos que meta el total colectivo de la caja de caudales en su cuenta corriente. Tras seguir las citadas directrices, el susto se precipita al día siguiente, con el anuncio del corralito que asoló Argentina. Este acontecimiento hace que el saldo se pierda al completo, debido a la crisis del país. La crispación provoca que Perlassi tenga un accidente de coche, en el que fallece su compañera sentimental. Años más tarde, los estafados descubren que el abogado que se quedó con su dinero (en connivencia con el banquero que engañó a Fermín) guarda su botín en un campo aislado. Una noticia que anima a los miembros de la cooperativa quebrada a planear sustraer el parné, de las manos del timador de guante blanco.

Crítica de la película Last Christmas

Sentimental y divertida aproximación a la música de Wham! y George Michael, a través de una historia tintada con un desbordado espíritu navideño.

Tras los pasos de Love Actually y ¡Qué bello es vivir!, Paul Feig idea esta comedia romántica plagada de cromatismo invernal, donde las diferentes situaciones aparecen envueltas en la melódica voz de George Michael, mediante la escenificación de algunos de los hits más señeros de su carrera musical.

Ambientada en el Londres del Brexit y de la amenaza de la xenofobia provocada por grupos de extrema derecha, la trama sigue la estela de Kate (Emilia Clarke): una eterna aspirante a cantante, que se siente impulsada desde niña por la música y el talento de George Michael. La joven trabaja en una tienda de artículos navideños, mientras intenta salir airosa de las frustrantes audiciones a las que acude. Con una vida un tanto desastrosa y sin muchos apoyos emocionales a los que recurrir, un día se presenta en la tienda Tom (Henry Golding): un muchacho con una perspectiva existencial completamente diferente a la de Kate, motivo por el que la chica comienza a sentir que hay un hilo de unión entre ambos. Poco a poco, la realidad de la protagonista toma un giro novedoso, que le hace darse cuenta de las cosas que son verdaderamente importantes, y a las que no ha prestado la debida atención.

Crítica de la película Puñales por la espalda

Competente y divertida comedia sobre la intriga en cuarto cerrado.

El género en el que literariamente reinaron Conan Doyle de la mano de Sherlock Holmes y Agatha Christie con Hercules Poirot, Miss Marple y otros personajes de su galería de detectives excéntricos, le sirve a Rian Johnson para ajustar cuentas en clave de comedia con los palos que le cayeron por parte de un sector de los seguidores de Star Wars cuando se estrenó Los últimos jedi.

El reparto de estrellas sirve como primer anzuelo para entrar en una historia de crimen por resolver, el típico crucigrama que no se puede rellenar poniendo en las casillas que el asesino es el mayordomo, y que aparentemente, según avanza la trama, parece un laberinto cada vez más difícil de resolver, donde cada nueva pista que nos suministran como lectores o espectadores no pretende ayudarnos a identificar al culpable, sino precisamente lo contrario: despistarnos cada vez más sobre la identidad del mismo.

Crítica de la película Frozen 2

Mejor que la primera en casi todos los aspectos.

Evidentemente no soy el público al que va dirigida esta película o su primera entrega. Una historia familiar siempre, que además cautivó por otros motivos a otra parte de la audiencia que vio en Elsa el reflejo de una sociedad que no acepta a lo diferente, ni siquiera ella misma era capaz de aceptarse, algo que sigue explorándose en la secuela y que se ha convertido no sólo en referencia y referente, sino en algo más. Como la canción Let it go, un himno y una de las canciones icónicas de Disney. La más icónica de los últimos años, sin duda, y capaz de competir con los clásicos musicales de la compañía. Frozen consiguió lo que por ejemplo Enredados no fue capaz. Trascender la pantalla y convertirse en un fenómeno de masas gracias a esos aspectos. Pese a que Enredados era mejor película…

Frozen II parece tener claro de dónde viene y está dispuesta a tomar algunos riesgos más. La primera película tenía una trama demasiado previsible, algunos personajes demasiado planos y otros literalmente extraídos de Enredados y plantados con pequeños cambios en la película (el reno, por ejemplo). Tenía poderío visual, personajes preparados para encandilar a los más jóvenes (Olaf) y el tema de la nieve perfecto para las navidades, además de la historia entre hermanas. Y unas gotas de romance. La secuela no quiere apartarse de nada de aquello, pero da un paso al frente y se plantea dudas sobre los personajes, sobre su origen y su destino. No quiere que Elsa se conforme con ser aceptada, quiere que busque quién es realmente. Y quién es Anna.

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