Crítica de la película La trinchera infinita

Opresiva y estremecedora película, en la que es posible compartir el miedo y la angustia del represaliado protagonista, tanto por el golpe militar de 1936 como por la dictadura franquista.

El tiempo parece detenerse en esta esforzada obra de Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Aregi. Sin prisas ni veleidades vertiginosas, el trío de cineastas narra la historia de Higinio y Rosa, con la paciencia analítica que requiere acercarse a uno de los períodos más oscuros de la historia contemporánea de España (el correspondiente al comienzo de la Guerra Civil y el de la posterior dictadura franquista).

Desde las escenas iniciales, cuando Higinio (Antonio de la Torre) tiene que huir de su lecho matrimonial, para evitar ser asesinado por un grupo de partidarios de Franco; La trinchera infinita se erige como una huida constante, en la que la cámara sigue con precisión la asfixia cotidiana que sufren los personajes protagonistas.

La acción arranca en 1936, coincidiendo con el golpe militar que dio origen a la Guerra Civil Española. Higinio y Rosa (Belén Cuesta) llevan casados solo unos meses. Una madrugada, la pareja escucha cómo en el exterior de su casa se detiene un camión. De él bajan unos soldados con el uniforme nacional, hecho que obliga a Higinio a escapar rápidamente de su hogar. Delatado por un vecino del pueblo, el hombre es metido en el camión, con destino a un fusilamiento seguro. En medio de un momento de confusión, el militante republicano salta del transporte y se esconde en el bosque. Una vez que los perseguidores han bajado la guardia, el otrora miembro del ayuntamiento regresa con Rosa, quien decide esconder a su marido en el subsuelo de la casa. Año tras año, la situación no mejora, e Higinio tiene que estar oculto hasta 1969, siempre condenado a pasar sus días en espacios reducidos y con luz escasa.

Críticas usuarios de la película Día de lluvia en Nueva York dirigida por Woody Allen


Rafa ★★★★

Día de lluvia en Nueva York nos trae al Woody Allen más simpático y agradable de ver en la última década. Una película que se ve con una sonrisa que va creciendo conforme avanza la historia, mientras nos muestra esa aventura en Nueva York que vive la ingenua periodista interpretada por Elle Fanning y el viaje de autodescubrimuento del atribulado, inteligente e inconformista Gatsby (Timothy Chalamet). Divertida crítica y burla al lado más cutre de Hollywood, representado por un director, un guionista y un actor, mostrándonos sus miserias. No es una obra a la altura de sus grandes, pero ocupa una digna posición en su segundo escalón.
3 ⭐️ y media sería lo justo. Un 7,5.


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Crítica de la película Los Rodríguez y el Más Allá

Simpática película familiar que sin embargo no brilla en ningún momento.

La nueva película de Paco Arango tiene, como siempre en su carrera, el aliciente de anunciarse como una película cuya parte de la recaudación irá directamente a la Fundación Aladina, para ayudar a los niños con cáncer. Y eso es una maravilla y siempre aplaudiremos al creador por hacer algo así con todas sus producciones, incluso con algunas llegando a entregar toda la recaudación de la misma a la fundación. Pero eso no salva siempre una película, ni la hace mejor. Y aunque por momentos entretiene y hace que nos riamos de cuando en cuando, la película falla a muchos niveles y deja al espectador intentando descubrir qué es lo que ha visto realmente.

Porque Los Rodríguez y el Más Allá es una película de corte familiar que nos lleva a una historia con tintes de ciencia ficción en la que el hijo de la familia descubre que su difunto abuelo escondía muchos secretos y que la familia tiene una conexión con otro mundo, Maktub, pero esa conexión pone en peligro a su familia e incluso a la propia existencia de ambos planetas. Con un reparto plagado de estrellas y rostros populares, con gente como Geraldine Chaplin, Eduardo Soto, Omar Chaparro, Santiago Segura, Mariana Treviño, Macarena Gómez, Tomás Pozzi u Óscar Casas, la película tiene ante todo un primer escollo que superar y es su excesiva duración. Una historia que no debería ocupar más de 90 minutos se acerca peligrosamente a las 2 horas, haciendo determinados momentos muy cuesta arriba.

Crítica de la película Doctor Sueño

Mejor de lo previsto, decae en su desenlace víctima del exceso de mimetismo con El resplandor.

Secuela innecesaria de la película de Stanley Kubrick, hace sus primeros movimientos con cierta solvencia y habilidad para configurarse como una buena propuesta de cine de terror, ajeno eso sí a los sustos que quizá espere la gente. Es más sólida de lo que cabía temer después de ver su tráiler, que por otra parte merece pasar a la historia como uno de los peores tráiler del cine y no le hace ningún honor a lo que podemos encontrar en la película.

Funciona correctamente en el primer y segundo acto, e incluso tiene el valor de distanciarse del cine de susto más gratuito que me temo pueden esperar -equivocadamente- algunos espectadores. En eso respeta en cierto modo el tono de El resplandor que se apartó del terror más convencional para buscar lo inquietante jugando a la contra del terror superficial de susto facilón. Incluso me parece positivo que en sus primeras escenas Doctor Sueño haga una especie de declaración de principios e independencia de la película de Kubrick presentando el personaje de Rebecca Ferguson. Y aprovecho ya para decir que la actriz es lo mejor de la película, el motor de la misma, y su personaje tiene por sí mismo interés suficiente como para que en lugar de habitar una secuela de El resplandor contaran su propia historia y la de su grupo de colegas. Aunque tampoco es que con este grupo de antagonistas Doctor Sueño sea una innovadora porque en 1987 Kathryn Bigelow ya nos presentó unos vampiros de neowestern en su película Los viajeros de la noche en los que es difícil no pensar cuando vemos a Ferguson/Rose y su grupo.

Crítica de la película Parásitos

Bong Joon Ho vuelve dirige una película redonda que merece estar entre las mejores del año.

Se está poniendo difícil y al mismo tiempo interesante decidir qué películas merecen estar en la lista de las diez mejores del año en esta recta final de 2010, y eso es bueno para el espectador. Sin duda Parásitos es una imprescindible del cine que hemos visto esta temporada y de los últimos años. Y lo es jugando la carta de lo inclasificable. Porque podemos decir muchas cosas de ella, salvo que sea fácilmente etiquetable. Todo lo contrario. Juega tanto con los naipes de la baraja del suspense como con los de la baraja de la crítica social poniendo nuevamente de manifiesto la facilidad que tienen los grandes maestros del cine de Corea del Sur en los últimos veinte años para poner en pantalla un tratamiento de los géneros cinematográficos que desafía el adocenamiento y la repetición y camuflaje de esos mismos géneros en la clave de las franquicias en el cine estadounidense.

Es así, además de todas las demás virtudes que luce, una ventana abierta al cambio, a otras posibilidades de regocijo y disfrute en el cine.

Crítica de la película Watchmen (2009)

Una de las mejores adaptaciones de cómic y de las mayores obras del género.

Uno de los grandes saltos a la madurez del género de superhéroes que adaptaba una de las obras cumbres del mismo, y que llegaba a nosotros sólo meses después de la que quedó como la gran obra del mismo, El Caballero Oscuro, de Christopher Nolan. Con el paso de los años, Watchmen no sólo sigue siendo una de las muestras más elegantes y brillantes de las adaptaciones superheroicas, sino que además ha ido ganando un estatus de película de culto, con cada vez más admiradores y seguidores, con una versión extendida de más de tres horas y un montaje llamado Ultimate de casi cuatro, que incluye Los relatos del Navío Negro, la producción animada que incluía esa parte del cómic.

Zack Snyder, director de la película, se encargó de que la misma fuese una adaptación fiel en gran medida a la novela gráfica, mostrando elementos que le garantizaron la categoría R y que en aquellos momentos no eran nada comunes en este tipo de producciones. Watchmen cuenta con un elemento visual que es parte habitual de Snyder, como la fotografía o el uso de la cámara lenta, pero al contrario que en películas como 300 o Sucker Punch o incluso lo que intuimos de Liga de la Justicia, esta película está más cerca de lo que vimos en El Hombre de Acero. El uso de los efectos visuales es continuo y sin ellos no se entendería la película, pero no se busca tanto la pantalla verde, sino las localizaciones y sets reales, los espacios abiertos, los lugares reales y no generados por ordenador.

Crítica de la película El silencio de la ciudad blanca

Daniel Calparsoro diseña con brillantez la adecuada atmósfera tenebrosa que requiere el filme, pero naufraga cuando intenta dotarla de un aura mucho más inquietante de lo que permite el guion.

Tras la adaptación de El guardián invisible, ahora le toca el turno a la primera entrega de la trilogía creada por Eva García Sáenz de Urturi: un relato de asesinatos rituales y salvajes, que transcurre en Vitoria Gasteiz. No resulta baladí comparar la versión cinematográfica de El guardián invisible con esta historia dirigida por Daniel Calparsoro; ya que ambas siguen una pauta más o menos coincidente, que tiene en el folclore autóctono su piedra angular.

La trama de El silencio de la ciudad blanca recrea la investigación llevada a cabo por Unai y su compañera Estíbaliz, para dar con el responsable de una serie de crímenes esotéricos que asolan la urbe de la Virgen Blanca. Estos asesinatos tienen por víctimas a parejas de distinto sexo, cuyos componentes acreditan la misma edad. Los elegidos llevan un intervalo ascendente de cinco años, y los nuevos cadáveres suponen el regreso de una serie de homicidios ocurridos veinte años atrás. De hecho, el encarcelado entonces (un misterioso escritor de familia rica) está a punto de ser puesto en libertad. Unai se encuentra perdido, y el asunto no mejora con la llegada de su nueva jefa: la subcomisaria Blanca.

Crítica de la película Secretos de estado

Una buena película que hace del género de intriga un campo de reflexión.

Basada en hechos reales, Secretos de estado sigue la estela de propuestas en la línea de Todos los hombres del presidente o Los archivos del Pentágono, y comparte con las mismas la difícil fórmula de desenlace y hechos ya conocidos por el público convertidos en intriga a la inversa. Es una especie de vuelta de tuerca del género en el que los creadores del relato asumen que buena parte del público ya conoce el desenlace de la historia, pero no obstante trabajan igualmente las claves esenciales del género partiendo de ese previo conocimiento. No renuncian estas películas a generar suspense. Al contrario. Lo generan igualmente rizando el rizo por el procedimiento de situar en el punto de mira de la tensión creciente no tanto el qué pasa o va a pasar sino el cómo pasa o va pasar lo que ya conocemos.

En ese camino, como digo nada fácil, el director, que en 2015 ya dio pruebas de su eficacia en el género de intriga con la interesante Espías desde el cielo (hay crítica en esta misma página), tiene un equilibrado guión y tres actores principales como sus mejores aliados.

Crítica de la película Amundsen

Sobrio y algo convencional biopic sobre la vida del explorador noruego Roald Amundsen, que dirige Espen Sandberg (Kon-Tiki).

Roald Amundsen era un hombre serio, parco en palabras y con un carácter un tanto singular. Sin embargo, su naturaleza se transformaba, cuando se ponía a surcar las superficies heladas del planeta. Esta obsesión por aventurarse hacia geografías desconocidas convirtió al primer humano acreditado en alcanzar el Polo Sur en una auténtica celebridad, dentro del reino de Noruega; pero los destellos estelares no parecían acompañarle en la parcela más íntima y sosegada de su existencia.

El cineasta Espen Sandberg (quien ya recreó las hazañas del también aventurero Thor Heyerdall, en Kon-Tiki) se acerca a la escurridiza y pétrea personalidad de Amundsen, desde una perspectiva un tanto opaca. La necesidad de quedarse en el envoltorio, y hurgar poco en las capas menos mediáticas de tan ilustre protagonista, lleva al director a mostrar un retrato algo frío, donde los conflictos con su hermano Leon están rebajados en intensidad, y en el que las peleas por sacar adelante las expediciones son meras anécdotas, eclipsadas por la grandeza de los proyectos emprendidos.

Bajo semejantes premisas, el actor Pål Sverre Hagen (que igualmente prestó su físico para encarnar al antes citado Thor Heyerdall, en Kon-Tiki) modifica sus facciones convenientemente, para parecer el envejecido individuo que se dio a conocer por su espectacular viaje al temido Paso del Noroeste (el mismo en el que encallaron los navegantes de la serie El Terror). Un trabajo que se aprecia mejor desde el punto de vista estético, ya que su caracterización no consigue traspasar en ningún momento la dura epidermis del aventurero nacido en Borge al que representa. De esta manera, el intérprete refleja la faz de un individuo atrapado en su propio universo, al que únicamente le mueve su pasión por ir donde los demás mortales aún no se habían atrevido a trasladarse.

Crítica de la película La familia Addams (2019)

Divertida versión animada del tétrico y humorístico clan, que alcanzó la fama televisiva en los años sesenta y arrasó en las taquillas cinematográficas en los noventa.

Un simple chasquido de dedos y unas teclas evocadoras de ambientes góticos fueron elementos suficientes para poner en el firmamento audiovisual a la familia liderada por Morticia y Gómez, desde su bautismo mediático a principios de los años sesenta. Desde entonces, las tiras cómicas creadas por Charles Addams (destinadas en un inicio a ser publicadas semanalmente) han dado para horas inolvidables de televisión en blanco y negro, a la par que para una saga en formato de celuloide; la cual hizo célebres a los siniestros Addams entre el público de los noventa.

Después de las citadas estaciones creativas, La familia Addams regresa con el apoyo de la animación por ordenador propia del tercer milenio, de la mano de Greg Tiernan y Conrad Vernon.

La trama de esta esperada vuelta a las pantallas arranca con una boda de tintes esotéricos y espiritualistas, protagonizada por unos jóvenes Morticia y Gómez. Un enlace que no hace felices a todos, ya que los aldeanos aprovechan la ocasión para enfrentarse a los extraños vecinos, y acabar con su estancia en la zona. Expulsados del lugar, los recién casados buscan un hogar en el que establecerse. Un sitio que encuentran por casualidad en un manicomio abandonado, que se eleva en lo alto de una apartada localidad de Nueva Jersey. Tras unos años en paz, Morticia y Gómez crían a sus dos hijos (Miércoles y Pugsley), dentro de un horror home convenientemente amueblado. Pero los antiguos recelos no tardan en aparecer, y los habitantes de la aldea más próxima empiezan a ver una amenaza en los Addams. Un problema que la ambiciosa vendedora de casas llamada Margaux está dispuesta a solventar, por las buenas o por las malas.

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