Crítica de la película Dolor y Gloria 

Almodóvar regresa con su película más personal, seguramente.

Un ejercicio de sinceridad del autor, que se desnuda ante los espectadores y pone su alma en pantalla, lo que tiene una parte muy buena y otra no tanto. En los últimos años, Pedro Almodóvar ha dirigido y escrito algunas de sus películas más personales y autobiográficas, ya sea para hablar de su vida actual o para contar sus recuerdos… Había mucho del director en películas como Volver, La Mala Educación o Los Abrazos Rotos… Y creo que pocas podrían compararse con lo expuesto en Dolor y Gloria, su nueva película. Y esta sinceridad abrumadora es su mayor virtud, pero también una espada de doble filo que hace que, al final, titubee en demasiados momentos. Momentos de grandeza enorme y otros demasiado forzados.

Antonio Banderas, peinado incluso como el propio Almodóvar, es al alter ego del director, dando vida a un director de cine que debido a un problema físico ha decidido dejar de dirigir… En este momento de su vida, los fantasmas, pasados y presentes, de su vida, se personan ante él, para hacer balance de lo ganado y de lo perdido, de lo sufrido y de lo gozado. Desde los recuerdos de infancia con sus padres, a el reencuentro con su vida en los ochenta, cuando su carrera comenzaba a despegar… Y así casi parece que Almodóvar hace las paces consigo mismo, incluso de nuevo con Banderas, y juega con el propio metalenguaje, cine dentro del cine, dejándonos decidir qué es lo real y lo ficticio en esta historia…

Crítica de la película Nosotros 

Peele se confirma como un talento en el género de terror con trasfondo social.

Nosotros mejora notablemente el trabajo de Peele en el marco del género de terror sobre lo que hizo en Déjame salir. Mejora las propuestas de intriga y terror de aquella y se sitúa entre lo mejor que nos ha propuesto el cine de terror de los últimos años, ya que junto a su eficacia dentro de los parámetros del género le devuelve al mismo una cualidad de reflexión, espejo y gruta capaz de hacerse eco de inquietudes sociales que es lo que precisamente le ha venido faltando al este tipo de fábulas inquietantes desde que el Nuevo Terror hiciera su aparición en el cine estadounidense allá por los años setenta.

Crítica de la película Escape Room 

Imaginativa película de Adam Robitel, dotada de ritmo frenético.

Las múltiples similitudes con filmes de semejante factura temática a Escape Room no consiguen apagar el fulgor y el interés de esta vertiginosa obra, rodada con inteligencia y enorme sentido del entretenimiento activo. Adam Robtitel, como muchos cineastas antes que él, da una vuelta de tuerca tecnológica y social a la leyenda del laberinto y el minotauro cretense; y construye un mecano a lo Agatha Christie, donde los diez negritos de la novela de la escritora británica se convierten en seis jugadores, sin aparente conexión existencial entre ellos.

Crítica de la película Mula

Se esperaba más del regreso de Clint Eastwood delante de las cámaras, pero La Mula cumple. 

NO es ni mucho menos la película más brillante de Eastwood a ningún nivel, pero es cierto que los fans del actor, que son muchos, esperaban que Gran Torino no fuese su última película como actor y director. Es encomiable que con 89 años, el cineasta siga al pie del cañón, y que aquello de que se retiraba como actor era en realidad una broma, tampoco está mal. Pero si esperaban algo a la altura de Gran Torino o Million Dollar Baby, se van a llevar una tremenda decepción. Mula es una buena película, pero está muy lejos de alcanzar el nivel de aquellas dos, por ejemplo, y la culpa puede repartirse entre el guión y el propio director.

Crítica de la película Capitana Marvel

Es la Capitana Marvel que necesitábamos y que nos merecemos.

Es la Capitana Marvel que necesitábamos y que nos merecemos. Marvel da un paso adelante con sus propuestas individuales, alejándose de lo visto en películas como la trilogía de Thor o Ant-Man, o incluso el nuevo Spider-Man de Tom Holland y acercándose más a lo visto en Doctor Extraño o Black Panther. Un tono más serio, sin olvidarse del humor por supuesto, más centrado y con una trama algo más madura, haciendo además un híbrido entre cine de aventuras espaciales, buddy movie policíaca y película de acción, sabiendo muy bien lo que ofrecen y cómo lo ofrecen a su público y a los recién llegados, con épica y con un guión que permite un arco para el personaje central que no siempre puede verse en Marvel en el cine. Y, por si alguien lo duda, siguen encantándome la mayoría de películas Marvel, es sólo que ésta es más película, más sólida.

Crítica de la película 70 Binladens

Duelo de actrices que saca adelante toda la película.

Contar con dos monstruos de la interpretación como Emma Suárez y Nathalie Poza suele ser sinónimo de tener al menos una parte de la película completamente bajo control y así lo demuestra la última película de Koldo Serra, un thriller con toques de humor que nos presenta durante gran parte de su metraje un duelo entre ambas actrices, una lucha de ingenios en la trama, pero una combinación de talento y química sensacional en la pantalla. Sólo por ellas dos ya merece la pena ver la película (y el resto del reparto, ojo), y su mera presencia nos ayuda a tragar con algunas de las trampas del guión, quizá demasiado evidentes. Se trata de una película de engaños, y vaya si Poza y Suárez saben engañar y encandilar al espectador con sus personajes…

Una madre desesperada que acude a una sucursal bancaria pidiendo un préstamo, algo que parece imposible, pero que está a punto de suceder justo cuando la hora límite se acercaba… Su historia parece tan inverosímil que debe ser cierta… Pero, claro, la cosa se complica cuando a punto de cerrar la sucursal aparecen dos atracadores para robarla, un robo que sale mal y que se convierte en un secuestro con rehenes… En esas circunstancias, ¿en quién se puede confiar? ¿Quién dice la verdad, quién guarda un as en la manga y quién tiene motivos que desconocemos para hacer lo que hace o decir lo que dice? Un juego muy interesante aparentemente pero que se desinfla a nivel de guión según avanza la trama…

Crítica de la película Mirai

Hosoda logra un largometraje cercano y familiar pero lejos del nivel de otras de sus obras.

Mirai llega a los cines el próximo 15 de marzo y tras su paso por los Oscars, vamos a analizar si merece o no merece la pena su nominación a mejor película de animación japonesa. La cinta se centra en una familia que trae al mundo un nuevo miembro, es entonces cuando Kun, el único hijo hasta el momento del nacimiento de su nueva hermana, empieza a sentir celos e intentará captar la atención de sus padres de todas las maneras posibles.

Viniendo de uno de los grandes directores de la animación japonesa, Mamoru Hosoda, (El niño y la bestia, Los niños lobo) no podía salir nada malo de este nuevo trabajo, y sin lugar a dudas así ha sido, pero he de decir que esperaba mucho más de ella. Ojo, la película me ha gustado, es preciosa y sencilla, pero no me parece que esté a la altura de otras cintas de animación japonesas estrenadas durante el pasado año. ¿El por qué? Quizás sea su ritmo. La trama comienza algo lenta, le cuesta bastante arrancar, siendo uno de sus problemas, ya que podemos encontrarnos con que la historia comienza a fluir después de unos veinte minutos, acaparando casi un tercio de su duración. Es posiblemente su principal fallo.

Crítica de la película Beautiful Boy: Siempre serás mi hijo

Felix van Groeningen narra con eficacia y ritmo decreciente la lucha de un padre, por salvar a su hijo de las drogas.

Resulta curioso que Beautiful Boy casi haya coincidido en la cartelera con El regreso de Ben (Peter Hedges, 2018), una película que guarda más de una similitud con la obra del cineasta belga Felix van Groeningen. Ambas cintas tratan el tema del abismo infernal que las drogas causan en el seno familiar, cuando uno de sus miembros cae en una adición progresiva y mortal. También, en las dos historias el protagonismo está compartido, entre uno de los progenitores y el vástago adolescente que sufre la terrible dependencia hacia las sustancias dopantes. Sin embargo, el filme dirigido por Van Groeningen sigue una línea mucho más desarrollada a lo largo del tiempo, a la que plantea la movie interpretada por Julia Roberts.

Beautiful Boy (que toma el título de la homónima canción de John Lennon, tema que el personaje principal usa para calmar a su hijo cuando es niño) centra su argumento en la terrible historia del periodista freelance David Sheff, cuando descubre que su pequeño Nic está enganchado al cristal y a las metanfetaminas. Con continuos flashbacks, el cineasta a Alabama Monroe compone un emotivo fresco audiovisual, plagado de momentos cargados de efectividad dramática; los cuales permiten el lucimiento del elenco interpretativo al completo.

Crítica de la película Holmes & Watson

Pésima parodia de los personajes. Sin gracia. La peor película en lo que va de año.

Primer problema, construcción de guión. Los chistes no tienen gracia. Ni uno. Bueno sí, uno puede pasar, el primero, la frase con la que abre la película, blanco sobre negro. Después de eso: la nada. No les funciona casi ningún gag. Es más, en algunas ocasiones incluso dejan de completar el recorrido de la broma hasta el final, la dejan a medias, no rematan la faena. Ejemplos de ello: 1.- el chiste de la sala de los acompañantes en el club de genios donde Sherlock se encuentra con su hermano Mycroft; 2.- la broma-guiño a la escena romántica de Ghost en la autopsia… Hay más, pero lo voy a dejar aquí para no hacer más sangre de la innecesaria.

Crítica de la película Alita. Ángel de combate

Un trepidante espectáculo visual para toda la familia

Mucho ha llovido desde que en 1995 James Cameron (Terminator 1 y 2, Aliens el Regreso, Titanic, Mentiras Arriesgadas, Avatar…) quisiera producir esta película basada en el manga de GUNNM (Alita, Ángel de combate) de Yukito Kishiro. Como en ese momento la tecnología no había avanzado lo suficiente como para poder llevar con éxito a la pantalla esta adaptación, el proyecto se fue quedando estancado mientras Cameron lideraba otros proyectos. Por el año 2004, el propio Kishiro hizo un comunicado indicando que había cerrado un acuerdo con Cameron para que hiciera esta adaptación, confiando que “rápidamente” se liberara de sus otros proyectos.

Por aquel entonces Cameron estaba desarrollando Avatar y Alita pero, de manera muy inteligente, dijo: “vamos a hacer primero Avatar y eso nos servirá de escuela para luego hacer Alita”. Sin embargo, tras el rotundo éxito de Avatar, Cameron decidió dedicarse por completo a hacer las dos secuelas de esta y dejar aparcado Alita. Aún a día de hoy, quince años después, sigue embarcado en la segunda y tercera parte de esa película que esperamos poder ver algún día. Al final, viendo que seguía hasta arriba de trabajo, 24 años después de que decidiera por primera vez adaptar este manga, Cameron decide ceder la dirección a Robert Rodríguez (El mariachi, Desperado, Four Rooms, Planet Terror, Death Proof, Depredadores…), quien ha tenido a su disposición el mayor presupuesto de toda su carrera, 200 millones de dólares.

Sin más preámbulos, vamos a entrar en la sinopsis de la película para hacer el posterior análisis de la cinta, que ya adelanto que me ha encantado, que es una película que debéis ver en el cine para poder sacarla el máximo partido posible y que sin duda estamos ante la mejor película de Robert Rodríguez (lo que, siendo sinceros, tampoco era excesivamente complicado).

Crítica de la película ¿Podrás perdonarme algún día?

De las mejores entre las nominadas a los Oscar. McCarthy y Grant se tiran como lobos sobre sus personajes.

Desde su aparente sencillez, esta es una de las películas de contenido más interesante entre las que han salido a la palestra en las últimas semanas a la caza de los premios del año. Es también la que, desde su argumento, defiende un tema que define perfectamente rasgos de debilidad que definen la verdadera naturaleza de una sociedad plenamente sumergida en la farsa y el postureo. En muchos aspectos, y desde el territorio de la comedia negra que destila amargura, su fábula tiene como asunto la falsificación de las cartas de escritores famosos, asentándose sobre un caso y un personaje real, pero su verdadero tema es la soledad a la que nos hemos condenado a nosotros mismos y de la que intentamos huir desesperadamente coleccionando memoria ajena en un inquietante ejercicio de huida y ninguneo de nuestras propias experiencias.

Crítica de la película Feedback

Pedro C. Alonso hace gala en su ópera prima de un admirable manejo del suspense, la tensión y el ritmo mientras le toma el pulso a la realidad social.

Hora y media agarrados a la butaca y con los nervios a flor de piel. Ese era el objetivo marcado por el debutante Pedro C. Alonso en Feedback y, vistos los resultados, se puede dar por satisfecho el experimentado realizador publicitario. Producida al alimón por Vaca Films y Ombra Films (Jaume Collet-Serra), su condición de cine de género, que funciona como vehículo perfecto para jugar con los mecanismos del suspense y del entretenimiento, se presupone, por lo que puestos a buscar referentes y fuentes de inspiración rápidamente podemos identificarla como un cruce entre la tensión a contrarreloj en espacios reducidos de El desconocido, la visceralidad y violencia de Secuestrados y la puesta en escena y crítica social de Money Monster. Al igual que en la película de Jodie Foster, Jarvis Dolan (Eddie Marsan) es el presentador y la carismática estrella de un programa de éxito, en este caso radiofónico, que en pleno directo se ve sorprendido por la aparición de unos secuestradores que le obligan a continuar con el programa y transmitir a la audiencia su mensaje. Ahí terminan cualquier tipo de similitudes, pues la película de Alonso no solo es mucho más directa y sádica, sino que aprovecha el punto de partida argumental con la crítica hacia el Brexit para dar un inesperado giro hacia temas más truculentos como la violencia de género o los abusos sexuales, que terminan afectando de una manera u otra al protagonista y a Andrew (Paul Anderson), su expresivo compañero en las ondas.

Crítica de la película El Candidato

Magnífica película sobre política que podría haber entrado en la carrera de los premios.

Ignorada en la taquilla finalmente, igual que en los premios, es una pena porque Hugh Jackman podía perfectamente haber sido nominado a los Globos de Oro o los Oscars, pero que fue olvidado por completo. El hecho de que El Vicio del Poder haya sido nominada en muchas categorías y El Candidato ignorada por completo, puede tener más que ver con motivos políticos que con motivos cinematográficos. A fin de cuentas la película saca a la luz las miserias de un político demócrata, y a Hollywood le gusta aparentar y hablar de liberalismo, por lo que es más divertido destrozar a un político republicano… No, no estoy diciendo que El Vicio del Poder sea mala ni mucho menos. Digo que ambas podían haber sido nominadas…

Crítica de la película Feliz Día de tu Muerte 2

Secuela tan divertida como la original brillantemente liderada por Jessica Rothe.

Y además cambiando completamente de género, pasando de lo que era la primera entrega, una parodia del género slasher aplicando la mecánica del bucle temporal similar a Atrapado en el Tiempo. Una primera entrega que era tan simpática como inocua. Su mayor pretensión era hacer reír al espectador con su repaso al género, con las muertes cada vez más disparatadas y con un final hilarante en el que primaba el impacto antes que la propia historia. Lo conseguía con creces, además de un par de sustos magníficos que hacían que valiese la pena pagar el precio de la entrada. Nada más y nada menos. Y su protagonista, memorable, claro.

Especial películas para ver el día de los enamorados

Historias de amor imposible, dramas de pañuelo y palomitas húmedas, comedias con suspiros de por medio… La cartelera celebra el Día de los Enamorados.

Cada 14 de febrero, los centros comerciales hacen caja con la venta masiva de bombones con forma de corazón, perfumes sugerentes, peluches de suavidad tentadora, o joyas con el lema de “I love you very much” impreso en cualquier parte de anillos, pendientes y pulseras. Pero también es posible celebrar la jornada de San Valentín en una sala oscura, disfrutando de una historia en la que los devenires sentimentales de los protagonistas obligan a mantener la vista fija en lo que sucede en la pantalla, mientras las manos quedan sujetas al ritual inconfesable de las imaginaciones más o menos lujuriosas. Dentro de la oferta cinematográfica actual, aquí os ofrecemos una selección de películas con las que deleitar a tu pareja, y de paso darle pistas sobre lo profundo que es tu amor (podéis poner una balada de The Bee Gees, para digerir esta última frase).

Crítica de la película Bienvenidos a Marwen

Robert Zemeckis sigue sin tener suerte con sus experimentos de animación.

Varias veces lo ha intentado con resultados irregulares, pero no tan irregulares como en ésta ocasión. Salvo en su versión de Cuento de Navidad, Zemeckis no acaba de rematar la jugada al en lo que se refiere a sus trabajos de animación: siempre se quedan por debajo de los resultados de sus propuestas en imagen real. En esta ocasión incluso ha probado suerte adaptando una historia basada en personaje y hechos reales que por la vía del personaje principal se acerca de algún modo a Forrest Gump y además en el juego argumental de híbrido de realidad y ficción tiene algunos puntos en común con otro de los grandes éxitos del director, ¿Quién engañó a Roger Rabit? Pero eso no le ha proporcionado el éxito, sino más bien uno de los más sonoros fracasos comerciales de su carrera, y en todo caso uno de los desencuentros más claros con su público.

Crítica de la película Alita. Ángel de combate

Un enorme espectáculo visual que por momentos sabe a poco. .

Porque no todo puede ser cuestión de efectos visuales y grandes escenas de acción. Por muy espectacular que resulte por momentos Alita, a veces recuerda al tipo de cine que ofrece Michael Bay en Transformers. Espectáculo, por supuesto, incluso entretenimiento durante toda la película, pero ni los personajes ni sus historias nos atraen realmente. A esta película de Robert Rodríguez le sucede algo parecido. Busca complacer a todo el mundo y busca incluir todo, absolutamente todo, lo visto en el manga o el anime (en su historia inicial), lo que unido al estilo narrativo particular del director no termina de funcionar en todo momento. La película es cierto que va creciendo, pero le cuesta llegar a ese momento.

Crítica de la película El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie)

Buena película y entrañable retrato de los icónicos cómicos en su ocaso. .

John S. Baird, director de la recomendable Morir de pie, donde ya abordó la trastienda del humor y sus iconos, vuelve sobre un asunto similar remontándose en el pasado para retratar el ocaso de un dúo de comedia que cambió el cine de humor y sentó las bases para la explotación de esta fórmula en años posteriores. Stan Laurel y Oliver Hardy, precursores de muchos de los aspectos que marcaron el posterior desarrollo y la mecánica de gags de grandes dúos del cine como los formados por Bob Hope y Bing Crosby, Jerry Lewis y Dean Martin o Bud Abbott y Lou Costello. Estos últimos aparecen citados claramente como los herederos más directos de Stan y Ollie en un momento particularmente emotivo de esta película. Es un momento clave en el que, contemplando un cartel del estreno de la próxima película de Abbott y Costello cuando él mismo no es capaz de encontrar productor y dinero para financiar su nuevo proyecto, Stan Laurel enfrentándose a la confirmación del ocaso de su figura en beneficio de fórmulas que no renuevan o actualizan su propuesta sino que simplemente la vampirizan con descaro y con menor contenido poético del que él aspiraba a meter en los guiones de las peripecias de sus personajes. Es la escena del crepúsculo del juguete roto enfrentado a aquellos otros juguetes nuevos en manos del público, que ya le han pasado por encima como un rodillo.

Crítica de la película Green Book

Una de las mejores nominadas al Oscar de este año. Mortensen y Alí brillantes.

A priori, The Green Book tiene todos los elementos para ser una película interesante. Pero también podría haber sido una acumulación de tópicos. No lo es. Es una historia de carretera, fábula de itinerario en el que el viaje de los dos protagonistas sirve como reflexión del viaje de los Estados Unidos por el pedregoso sendero del racismo en los años sesenta. Podría haber sido una película-discurso, de esas que nos enchufa el cine estadounidense a modo de reflexión sobre la falta de igualdad de una sociedad peleada consigo misma -no se hagan ilusiones, esto de la discriminación es cardo que crece en todas partes con pasmosa facilidad, por mucho que nos engañemos pensando que es problema de otros-, pero no lo es. No lo es por varios motivos.

Crítica de la película La lista de Schindler

Una de las mejores películas de todos los tiempos que consigue desgarrarte por dentro

Este año se reestrena La lista de Schindler con motivo de su 25 aniversario, ocasión que desde la Revista Acción queremos aprovechar para rendir homenaje a una de las mejores películas de todos los tiempos que consiguió nada menos que sietes Oscars: mejor película, mejor dirección; mejor guión adaptado, mejor fotografía, mejor banda sonora, mejor montaje y mejor dirección artística… casi nada.

Justo antes de que se inicie la Segunda Guerra Mundial, Oskar Schindler (Liam Neeson) es un empresario alemán con muchas habilidades sociales que aprovecha su pertenencia al partido Nazi para ganarse la simpatía de otros nazis influyentes en su propio beneficio. Gracias a esas influencias, tras la invasión de Polonia consigue a precio de saldo una fábrica de esmaltar utensilios de cocina en Cracovia, la cual prospera rápidamente gracias a la explotación de cientos de judíos y, también, por la buena gestión que hace su talentoso gerente judío, Itzhak Stern (Ben Kingsley), quien aprovecha cualquier despiste de Schindler para contratar mano de obra cuando menos “no cualificada” (por ejemplo, a uno le falta un brazo).

Crítica de la película The Old Man and the Gun

La elegancia preside el último trabajo de Robert Redford ante las cámaras.

Elegancia visual. Elegancia en el reparto. Elegancia en la forma de narrar la trama, sin estridencias, como una anécdota tocada un aire de optimismo y sentido del humor que es una especie de bálsamo para los tiempos y el cine muchas veces estridentes en los que vivimos.

Crítica de la película Dragon Ball Super Broly

Posiblemente la mejor película de Dragon Ball hasta la fecha

Muchas eran las expectativas que estaba originando el nuevo largometraje protagonizado por el Super Saiyan Legendario Broly, más aún cuando se dio a conocer que éste sería incorporado a la serie original de Akira Toriyama de forma canon. Pues bien, tras haber podido disfrutarla en todo su esplendor, seguramente os estaréis haciendo esta pregunta: ¿Ha cumplido con su cometido? Sin lugar a dudas, la respuesta es SI.

Crítica de la película Jefa por accidente

Jennifer Lopez ejerce de superestrella latina, en esta floja comedia de Peter Segal.

La superación constante para conseguir las metas propuestas es un tema que suele encantar a la industria audiovisual estadounidense. Ya sea en formato de telefilme vespertino o de película cinematográfica con aires de libro de autoayuda, los nacidos en la nación de las barras y estrellas tienen una fijación casi freudiana, por alcanzar el éxito en sus distintas facetas existenciales (la profesional y la familiar, principalmente). Jefa por accidente (título poco afortunado pergeñado a partir del original, Second Act) es fiel a esa filosofía de manual rutinario y proactivo, que vierte sus enseñanzas sobre el personaje de Jennifer Lopez: una experta en ventas llamada Maya, que quiere progresar en su trabajo.

Crítica de la película Glass de M. Night Shyamalan

Esperábamos más del regreso de Shyamalan a estos personajes.

Si algo tengo claro después de ver la película es que no se trata de una mala película, ni mucho menos. Es una película buena, solvente, bien narrada y bien planteada, con momentos épicos y con un tono adulto en muchos momentos que no se ve casi nunca en el género, pero que en Glass tiene sentido por el carácter de la propia película y del universo que la rodea. Pero no es memorable. Si para quien esto escribe, El Protegido es la mejor película de Shyamalan, y además Múltiple supuso el regreso del director por la puerta grande (no olvido La Visita, simplemente que ésta era la importante), todos esperábamos más de esta tercera película ambientada en ese universo. Y la película no cumple las expectativas.

Crítica de la película El Vicio del Poder

Adam McKay vuelve a satirizar la sociedad americana.

Con un reparto brillante, el director de La Gran Apuesta se mete de lleno en la política americana tras asaltar la economía en su anterior película, también una de las nominadas a diversos premios el año de su estreno. En esta ocasión repiten junto a McKay gente como Christian bale o Steve Carell, el primero como protagonista imprescindible de la película y uno de los grandes favoritos a llevarse el Oscar este año, dando vida a un político republicano como Dick Cheney, quien fuese vicepresidente de George W. Bush, un puesto que podía ser decorativo en manos de otros, pero que en su caso le convirtió en uno de los hombres más poderosos del mundo, que cambió en gran medida la política americana y mundial…

Crítica de la película Como Entrenar a tu Dragón 3

La historia de Hipo y Desdentao llega a una maravillosa conclusión

No me canso de repetir que Como entrenar a tu dragón es la mejor trilogía de cine de animación o cine familiar de la última década, y una de las más grandes que puedo recordar, posiblemente a la altura de sagas como Toy Story. Y si no llega a ese nivel le falta muy, muy poquito. Enormemente superior a todo lo estrenado por Dreamworks o a todas las sagas que han poblado los cines con mayor o menor éxito de taquilla, ya sea Mi villano favorito, Ice Age, Kung Fu Panda, Madagascar… A todas las vence por un motivo sencillo… Cómo entrenar a tu dragón tiene alma. Y unos guiones de una madurez brillante que nos hablan de crecer, de madurar, de aceptar responsabilidades, del amor (no del romántico o no únicamente), pero, sobre todo, de la derrota y la pérdida…

Crítica de la película La casa de Jack de Lars von Trier

Lars von Trier narra, con brillantez y un exceso de simbolismo visual, los pensamientos y acciones de un asesino en serie.

El nuevo trabajo del cineasta danés de Rompiendo las olas viene a ser como una bofetada contra la indiferencia, justo como la mayor parte de los títulos que conforman su solvente y radical filmografía. A largo de las más de dos horas que dura el metraje de La casa de Jack es imposible esconderse de la bestialidad con la que el protagonista ejecuta a cada de sus víctimas, seleccionadas para que cuadren en la estructura teatralizada del argumento; número de asesinatos que también se explica por la confesión que el serial killer hace ante alguien llamado Verge (alter ego supuesto del Virgilio de La Eneida, y del guía a los infiernos de La divina comedia, de Dante).

Crítica de la película Destroyer

Nicole Kidman se luce y podría aspirar a premios con este trabajo.

Un sistema de narración que conocemos de la literatura y de los videojuegos, pero que nunca se había trasladado con éxito a la narrativa cinematográfica o televisiva. El proceso a la inversa lo conocemos y lo hemos visto en muchas ocasiones, cada vez más. Los videojuegos han sido capaces de incorporar de forma brillante la narrativa cinematográfica a sus historias, habiendo auténticas películas interactivas en este formato ya desde las aventuras gráficas de PC con títulos como Phantasmagoria II o The 7th Guest, hasta los más actuales como Detroit Become Human. No son los únicos. God of War, Spider-man o Red Dead Redemption se empapan de cine en referencias y narrativa para contar sus historias…

Crítica de la película Creed II. La Leyenda de Rocky

Mejor que Creed, la leyenda de Rocky , madura en historia, personajes y épica. Buena puesta en escena.

Creed II ha hecho todo lo que tenía que hacer para superar a su inmediata predecesora y además toma las decisiones correctas para madurar. No es mera explotación de la marca para seguir metiendo dinero en la taquilla, sino que complementa perfectamente Creed y se pone en cuatro estrellas y media, casi cinco, sacando adelante una asociación entre ambos largometrajes que, salvando las distancias, es en la saga de Rocky el equivalente a lo que fuera El padrino II para El padrino.

Crítica de la película Mortal Engines de Peter Jackson

Grandes efectos visuales con un endeble guión y una total ausencia de alma.

Un producto que seguramente podía haber dado mucho más de sí, pero al que se le ven las costuras desde el primer al último minuto de metraje, donde no importa lo que hagan los responsables, la historia se asemeja demasiado a otras y nunca se saca partido a los elementos realmente interesantes de la trama, ni a su tono steampunk, ni a las prometidas ciudades motorizadas, de las que vemos realmente poco… No hay tampoco excesivo carisma en su reparto, y el debut de Christian Rivers como director de largometrajes se salda con una película visualmente cuidada, pero completamente vacía por dentro. Más preocupada por la estética que los personajes.

Crítica de la película Bumblebee

Una de las mejores películas de la franquicia Transformers.

Posiblemente no sea la más cara ni la que tiene mejores efectos visuales, ni escenas tan enormes como las anteriores por los efectos especiales o la grandilocuencia del cine de Michael Bay. Pero es sin duda la mejor escrita y posiblemente mejor interpretada, aprovechando además el talento visual de su director, Travis Knight, responsable de la magnífica Kubo y las Cuerdas Mágicas, acompañado en esta ocasión en el guión por Christina Hodson, una de las guionistas de moda de Hollywood, que da aquí muestras de su talento y que se encarga también del libreto de Batgirl y Birds of Prey. Si le sale algo parecido a Bumblebee… estamos en buenas manos, la verdad sea dicha.

Crítica de la película Aquaman de James Wan

De lo mejor en lo suyo: superhéroes. James Wan clava el género con personalidad.

Espectacular a nivel de lo mejor que nos ha propuesto hasta ahora el cine de superhéroes. Perfecto viaje del héroe en todas sus fases y ejemplar argumento universal de búsqueda del tesoro el que se ha marcado James Wan para trasladar a la pantalla las viñetas del personaje de la DC. Olvídense de La liga de la justicia. Realmente esto es otra cosa. Me ha gustado más que Pantera negra, entre otras cosas porque tiene villanos más sólidos y es más interesante Atlantis que Wakanda con su puntito de tragedia griega propia estilo Olimpo imponiéndose sobre la vertiente más shakespeariana que adopta la de Marvel. Creo que no le sacaron a Wakanda todo el potencial y cualquiera que haya visto Vengandores: Infinity War entenderá a qué me refiero. También me ha gustado más que Wonder Woman. En aquella otra cuando salimos de la isla y la parte de Temiscira deja paso en la ecuación argumental y entramos en el mundo real, afloja un¡ poco pasando a ser algo más previsible en su fórmula de película de superhéroe en la Primera Guerra Mundial. Pero en ésta la mezcla de géneros está más equilibrada, y Atlantis nunca desaparece de la trama, sino que permanece aunque afortunadamente sí asistamos a salida al mundo “real” y no todo es agua. Hay cambio de paisaje pero sin perder nunca de vista el epicentro de ciencia ficción submarina que define la propuesta, que aporta además a la mezcla de aventuras un tono de fantasía heroica bajo el agua muy saludable y que da pie a secuencias de batalla épica realmente espectaculares.

Crítica de la película El regreso de Mary Poppins

Rob Marshall recupera la magia visual de la mítica Mary Poppins, con una puesta en escena plagada de referencias a la clásica película que protagonizó Julie Andrews en 1964.

Dentro de la campaña de Disney por actualizar sus títulos más celebrados, El regreso de Mary Poppins es quizá una de las obras más logradas; y eso que no se trata de un remake, sino de una historia que continúa la cinta precedente dirigida por Robert Stevenson.

El gigante audiovisual y multimedia se centra en las aventuras de la niñera inmortal ideada por Pamela Lyndon Travers, y con ella monta un espectáculo que derrocha colorido e imaginación; el cual juega de manera inteligente la baza de la nostalgia activa, hacia el filme que interpretó Julie Andrews hace cincuenta y cuatro años.

Crítica de la película María Reina de Escocia

El descomunal talento de Saoirse Ronan y Margot Robbie y los destellos de afilada escritura de Willimon rescatan de la mediocridad a la propuesta de Josie Rourke.

Proveniente del teatro con representaciones tan aclamadas como Coriolanus o el drama de época Les Liaisons Dangereuses, había cierta expectación por ver el debut en el largometraje de Josie Rourke con María, reina de Escocia. Apoyada en un libreto de Beau Willimon, showrunner de las cuatro primeras temporadas del remake americano de House of Cards, centra la historia en la figura de María Estuardo (Saoirse Ronan), conocida como María I de Escocia, que regresa de Francia en 1561 tras la muerte de Francisco II con el objetivo de ejercer su reinado en un país que estaba siendo gobernado por regentes. Ante su regreso, Isabel I de Inglaterra (Margot Robbie) se encuentra con la oposición de los católicos, que consideran que la legítima heredera de la corona inglesa es su católica prima.

Crítica de la película Galveston

Fábula de abandono y redención con notable reparto y sólida puesta en escena. .

La soledad y el abandono sirven como puente a la directora Mélanie Laurent para poner en pantalla un interesante ejercicio donde utiliza una capa exterior de solvente serie negra variante crook story que rápidamente y con astucia consigue ir apartando las capas genéricas propiamente dichas para construir una breve pero contundente película de itinerario en la que los dos personajes principales persiguen una redención aparentemente imposible.

La película hace por tanto un interesante ejercicio de utilización del género como punto de arranque pero en modo alguno como fin último. En ese camino merece más atención y mejor calificación de las que se le han dedicado, a pesar de que pueda llegar a despistar a algunos espectadores más amigos de lo evidente por su sólida convicción y coherencia que le impide hacer concesiones a la galería para satisfacer a las claves genéricas que son sólo el envoltorio exterior de una película que en realidad no aborda intrigas ni conspiraciones, sino un tema más interesante.

Crítica de la película Spider-Man: Un nuevo Universo

Spider-Man como nunca antes lo habíamos visto en cine.

Sí, en cómic sí, por supuesto. Y en videojuego también. Pero no en la gran pantalla con una historia como ésta. Con una versión del héroe que es lo más cercano que vais a ver a las viñetas jamás. Allá donde la imagen real no puede llegar, lo hace la animación en una película que, tras la máscara de producto familiar y de dibujos animados, apuesta en realidad por una versión mucho más madura del personaje en el sentido de tramas, tratamiento de los mismos, dramas personales e incluso estilo visual. Un Spider-Man siempre divertido, siempre entretenido, pero además con una capa de complejidad dramática en los personajes que no se ha visto mucho en la gran pantalla.

Crítica de la película El regreso de Ben

Julia Roberts y el joven Lucas Hedges demuestran sus indudables dotes interpretativas, en esta crónica familiar que firma el ingenioso Peter Hedges (padre de Lucas).

En no pocas ocasiones, los dramas familiares son las mayores tragedias que se pueden localizar en el contexto de los argumentos tendentes al naufragio emocional. De muchos es conocida la frase de León Tolstói, incluida en el demoledor comienzo de Ana Karenina, sobre el hecho constatado de que en la felicidad todas las familias se parecen, y solo se distinguen en la desgracia. Una sentencia que el reputado guionista y director ocasional Peter Hedges toma prestada de manera un tanto particular; retorciendo su engranaje a base de palabras enfrentadas y silencios prolongados, para dar con una historia de lucha continua y esfuerzos por mantenerse en pie.

Crítica de la película Yuli

A caballo entre el drama y el documental, termina en tierra de nadie.

Una película sobre el mundo de la danza, y sobre la danza en sí misma, narrando la vida del bailarín de ballet cubano, Carlos Acosta, que consiguió triunfar, contra todo pronóstico, en algunas de las compañías de danza más prestigiosas del mundo. Conocido con el sobrenombre de Yuli, el bailarín de orígenes humildes, vivió una odisea para llegar a ser quien es, un viaje que la directora Icíar Bollaín nos narra en forma de película, aunque a veces parezca más un documental que una película en sí misma. Una historia fascinante que no logra en todo hacernos avanzar del modo en que debería, a veces porque no sabe definir qué quiere ser realmente.

Crítica de la película La Favorita

Una película que no dejará a nadie indiferente.

Simplemente brillante. He leído en varios medios internacionales que se trata de la película más accesible de su director, Yorgos Lanthimos, un creador que nos ha sorprendido siempre para bien, con películas tan magistrales como Langosta, El Sacrificio de un Ciervo Sagrado, Canino o Alps. Y es cierto que es mucho más accesible para el público menos acostumbrado a su cine, pero eso no significa que sea una película simple, o que no tenga toda la fuerza de sus películas anteriores. Simplemente la historia, en esta ocasión, parece ser más sencilla. Con especial énfasis en esa palabra. Parece. Nada nos tiene preparados para el viaje al que nos somete el director, para su torbellino de emociones, pasiones y luchas de poder.

Crítica de la película Tiempo después de José Luis Cuerda

Decepcionante regreso de Cuerda al particular universo surrealista que creó con Amanece que no es poco. .

Como los buenos maestros, José Luis Cuerda siempre ha sabido moverse con soltura entre la comedia disparatada y el drama más desolador. Como director seguramente su película más destacada sea La lengua de las mariposas, pero si por algo será recordado el cineasta manchego es por su peculiar sentido del humor, que le ha llevado a fundar un subgénero: el surruralista. Mezcla de surrealismo y humor rural, ese estilo se materializó en la trilogía compuesta por Total, Amanece que no es poco y Así en el cielo como en la tierra. Su importancia fue tal que de ella bebieron humoristas de la talla de José Mota y, especialmente, los chanantes Joaquín Reyes, Raúl Cimas o Carlos Areces, que participan en el film como homenaje a su mentor.

Crítica de la película La búsqueda de la felicidad

Una notable Gemma Arterton encuentra pista para lucirse visitando el horror de lo cotidiano. .

La búsqueda de la felicidad nos sumerge totalmente en la monótona y asfixiante existencia cotidiana de una madre de familia que le proporciona a Gemma Arterton la posibilidad de brillar como actriz en un trabajo interpretativo más sutil y exigente de lo que pueda parecer en un primer término. Ella es la principal baza de esta especie de monólogo sobre la nada donde el drama parece empeñado en convertirse en trama de horror cotidiano, el horror de descubrirse de repente en una vida cotidiana que odias, que te frustra, te amarga, te cansa y te somete a la angustia.

Crítica de la película Cadáver

Reiteración de lugares comunes en un terror que no descubre nada nuevo.

Quizá el argumento de este largometraje funcione mejor en clave literaria, como cuento corto de terror, pero para impresionar desde la pantalla le faltan mimbres. Y le falta más personalidad para encontrar su propio camino en la propuesta. Vive de los lugares comunes del género. Cultiva el tópico. Se arriesga poco o nada. Y además equivoca algunos procedimientos clave de la propuesta. Me refiero, y no es spoiler, a la manera en que procede el “monstruo” o “amenaza”, en definitiva, el “agente del caos” a la hora de atacar a sus víctimas. Estamos ante una forma que demasiado pronto pierde su capacidad para intimidar y se convierte en una prima lejana de la Criatura Gollum de El señor de los anillos y el Hobbit. Y así, miedo poco o nada. La suya es además una forma de matar que tal como se presenta visualmente remite más a superpoder mutante que a la inquietud paranormal. Procedimiento de película de supervillanos aplicado al terror se traduce en distanciamiento del espectador. Número equivocado. Y lo tenían relativamente fácil para haber sacado algo más inquietante o por lo menos perturbador. Pero sistemáticamente a la horas de elegir entre intriga y tensión creciente en la puesta en escena optan por tirar de pirotecnia visual y abrazar la acción. Así pierden al espectador-socio que fabrique su propia inquietud viendo la película para tener un espectador-pasivo que simplemente asiste a la función y no llega a llevarse tampoco muchos sustos. La incapacidad para provocar sobresaltos con este tipo de argumento es notable y deja en evidencia las limitaciones de la película incluso en su propio campo de juego.

Crítica de la película Robin Hood

Simpática actualización del mito de Robin Hood.

No sé si era necesaria otra versión de una historia quizá demasiado conocida por la audiencia, incluso cuando se trata de una versión británica y no americana. Pero es verdad que convertir al personaje en un superhéroe es la mejor forma de hacer que la audiencia se interese por el mismo, o lo rechace por completo. Es una apuesta curiosa, que uno no termina de ver con claridad pero que ofrece un espectáculo suficiente para pasar un par de horas entretenidas en una sala de cine, sin pretensiones. Aventuras a la antigua usanza, pasadas por el filtro del cine de cómics. Sin problemas, sin más esfuerzo ni nada similar. Sin querer ser aquello que no es.

Crítica de la película El amor menos pensado

Juan Vera reproduce, con una cierta sensación de cansancio discursivo, la crisis de una pareja de mediana edad. Y eso a pesar de que Ricardo Darín y Mercedes Morán confeccionan un trabajo sincero y verosímil, en la piel de los protagonistas de esta tibia comedia romántica.

El amor ha dado pie a múltiples historias en formato de celuloide. Sin embargo, para alcanzar ese estado de profunda emoción sensible hacia otra persona, es necesario agarrarse en la mayoría de las ocasiones a un proceso evolutivo, marcado por el paso del tiempo. El romanticismo del simple toque de la mano, o el escalofrío de una mirada, no es el mismo en la adolescencia, a los veinte, a los treinta, a los cuarenta, a los cincuenta, o a los sesenta tacos. Las sensaciones se tornan más difíciles de encontrar conforme se acumulan las velas en la tarta de cumpleaños, y es necesario reinventar los sentimientos compartidos con cada paso de los días.

Crítica de la película Viudas de Steve McQueen

Steve McQueen vuelve a la carga con cine de calidad.

Desde el género, algo menos común en su carrera como director, y que creo que se corresponde con la presencia de Gillian Flynn como coautora del guión de esta película junto al propio McQueen. La autora del guión de Perdida, novelista reputada, responsable junto a Marti Noxon de la serie Heridas Abiertas (una de las mejores del año) siempre ha apostado por el género, por hablar del ser humano a través del crimen y de personajes dañados, rotos, rodeados de un misterio, muchos secretos… El thriller, el suspense, como arma para hacer una radiografía de los personajes y sus complejos, sus daños, sus heridas y cicatrices… Que es lo mismo que hace McQueen, con su cine, pero desde otros géneros. El director de Hunger, Shame y 12 Años de Esclavitud tiene una habilidad maravillosa para crear y componer personajes que se definen desde el dolor o el sufrimiento, desde el enorme peso que llevan sobre los hombros sus protagonistas, enfrentados a una destrucción física y mental, a una tortura del alma que les lleva por un terrible camino. Pero es un camino en el que no se rinden, son personajes que luchan, se rebelan… Consigan o no la redención, curación, libertad… lo que sea que deseen, su forma de enfrentarse a ello es a través de la rabia, de la no rendición… Al menos el director lo hace. Si sus personajes se derrumban, McQueen no les compadece. McQueen se ofusca y lucha…

Crítica de la película A la Sombra de Kennedy

Interesante biopic de una figura poco conocida.

Un presidente americano que vivió a la sombra de su predecesor, del que fue vicepresidente, hasta cuando se convirtió él mismo en presidente norteamericano. Hablamos de la figura de Lindon B. Johnson, el LBJ del título original de esta película de Rob Reiner, y que siempre estuvo a la sombra de JFK. Un hombre del sur, de fuertes convicciones y que fue clave en muchos determinados momentos, pero sobre todo un hombre que será recordado por haber heredado el puesto de presidente de Estados Unidos tras el atentado que acabó con la vida de Kennedy, y que posteriormente tuvo gran importancia en el devenir de la guerra de Vietnam y sus consecuencias para su país.

Crítica de la película Ralph rompe Internet

Mejor que la primera, es un Jekyll y Hyde de la animación que repite tópicos.

La secuela de Rompe Ralph mejora algunos aspectos del original sin perder fuerza a pesar de ser segunda entrega, lo cual es sin duda meritorio. Pero al mismo tiempo reitera mensajes y recursos que están empezando a convertirse en tópicos por pura repetición en el marco del cine de animación. El resultado es una especie de Doctor Jekyll y Mr Hyde. En lo positivo, reconoce astutamente su naturaleza repetitiva bromeando con la reiteración de los lugares comunes de este tipo de producto para todos los públicos con mensaje incluido.

Crítica de la película Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindelwald

Mejor película que la anterior, en la línea de las dos últimas de la saga de Harry Potter.

Oscura y siniestra como nos prometieron y con un desarrollo de personajes y conflictos más maduro que la primera entrega de las peripecias de Newt Scamander, entiendo que esta segunda entrega no haya convencido a quienes acuden a la saga a ver más de lo mismo y esperaban otro cuento de hadas como el que muy competentemente nos ofrecieron en la película anterior. Aquella me gustó. Era buena. Ésta me gusta más. Alcanza el nivel de desarrollo y madurez de la trama en mucho menos tiempo de lo que necesitó la saga de Harry Potter para conseguir los mismos resultados. J.K. Rowling demuestra que domina más y mejor este universo que ha creado y tiene una mayor solidez a la hora de construir la historia. Insisto en que ha llegado al tono al  que llegaron en las dos últimas películas de Harry Potter en mucho menos tiempo, y precisamente por ello sospecho que a muchos espectadores que quizá esperaban un ritmo más lento del progreso de personajes e historia les ha pillado de improviso esta maduración drástica de la primera a la segunda película de la saga. Vemos aquí un proceso de aceleración de la propuesta que no estaba en la anterior, pero responde a la propia personalidad diferenciada de esta serie de precuelas de las películas de Harry Potter.

Crítica de la película Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindelwald

Paso atrás en la sagaAnimales fantásticos, que cumple pero ofrece demasiado relleno. Sean o no fans de la saga Harry Potter, seguro que saben que este fin de semana se estrenaba en todo el mundo Animales Fantásticos 2, la secuela del spin off precuela de la saga original. Y que nos ha ofrecido una película que parece a medio hacer, a caballo entre una épica aventura mágica y una telenovela de saldo. No, no pretendo ofender cuando digo estas palabras. Pero quien haya visto la película no me negará que hay un par de momentos en los que seguir los árboles genealógicos de los personajes (casi todos) es más complicado que adivinar el número de la lotería de esta semana…

Crítica de la película Ni distintos, ni diferentes: Campeones

Ni distintos ni diferentes: Campeones. Superheroes de la vida real

Tras el más que merecido éxito de Campeones, Álvaro Longoria (Hijos de las nubes, The propaganda Game), nos trae este nuevo documental en el que nos narra el día a día real de Roberto Chinchilla, Alberto Nieto, Julio Fernández, Gloria Ramos, Fran Fuentes o Stefan López. De ellos y las personas que les acompañan en el día a día. Como se suele decir, la realidad supera la ficción y si en la película nos muestran una faceta de campeones, esta queda totalmente superada en este documental, en el que durante casi hora y media tanto ellos como sus familias nos cuentan como le plantan cara al día a día.

Crítica de la película Suspiria

Estéticamente interesante y perturbadora, viaja hacia un desenlace excesivo y grotesco.

Seductora pero presa de un simbolismo pretencioso que hacia el final cae presa de cierta pedantería y exhibicionismo, tiene cosas que me gustan mucho y otras que me dejan algo más frío, especialmente cuando se muestra demasiado obvia en sus maniobras de seducción a través del esteticismo, con una estrategia de rompecabezas. A su favor tiene esta versión de Suspiria dirigida por Luca Guadagnino su decidida apuesta por ir más allá de la película original de Argento y no conformarse con ser un remake para zambullirse en un paisaje de múltiples referencias cinematográficas que a modo de puzle animan su planteamiento desde un punto de vista cinéfilo.

Crítica de la película Superlópez

Divertida adaptación del cómic bien defendida por sus actores.

El reparto es el que tiene la mayor parte del mérito de que algo tan difícil como adaptar al cine un comic de parodia de superhéroes como Superlópez salga adelante de manera correcta y resulte en una película viable como el es caso de esta película. Pero lo que me parece aún más importante es que conserva un buen tono general de parodia en su conjunto. Y tratándose de un tema como el que aborda, enfrentándose a la visión del personaje que pueda tener cada uno de los lectores que han disfrutado del personaje creado por Jan en las viñetas, insisto en que no era cosa fácil. Superlópez, por ser parodia de Supermán y sus congéneres, productos de moda en nuestros días, no sólo no lo tenía más fácil, sino que muy al contrario lo tenía aún más difícil que otros personajes adaptados al cine en imagen real en los últimos tiempos, como Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape o Anacleto. Arrastrando tras de sí todo el abanico de la fórmula superheroica y con el icónico Supermán como referencia añadida y lastre de comparación “odiosa” para el espectador, la cosa era más complicada que en esos otros personajes sin un antecedente tan claro y popular como el del huérfano del planeta Krypton.

Crítica de la película Colette

Wash Westmoreland aprovecha una excelente ambientación histórica de la bohemia literaria parisina de finales del XIX y principios del XX, para encauzar este esmerado biopic sobre la vida de Sidonie-Gabrielle Colette.

La capital de Francia era una ciudad en continua ebullición a finales del siglo XIX y principios del XX. En sus calles se daban cita los escritores, los pintores, los escultores, los poetas, los dramaturgos y los creadores llamados a liderar las vanguardias de una época prodigiosa desde el punto de vista del arte. Dentro de semejante ola de talento, Colette supo entusiasmar a las masas, con sus historias de la pequeña Claudine y su despertar a la vida y a los placeres.

Crítica de la película Malos tiempos en El Royale

Interesante mezcla de géneros, no es perfecta, pero sí distinta. Una mezcla entre cine negro, película de misterio, Twin Peaks y alucinación misteriosa, con tintes de película de sueños rotos, drama criminal y un puntito de cine de ladrones y atracos. Quizá ese es el mayor problema de una propuesta tan interesante a todos los niveles como la nueva película de Drew Goddard, que en sus casi dos horas y media de duración, hay demasiadas películas, al menos tres o cuatro, y que deja cojas varias historias, al menos sin un cierre adecuado, deteniéndose demasiado en la contemplación de la obra que está construyendo, en lugar de narrar las historias que podría narrar si se centrase en las mismas. Es un proyecto muy interesante, pero deja un sabor agridulce.

Jesús Usero nos hace un repaso de la cartelera. .

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