Crítica de la película Redención de Antoine Fuqua

Buena propuesta de cine sobre boxeo y bajada a los infiernos defendida con solvencia por su reparto.

Redención llega tarde, quizá demasiado tarde, a nuestra cartelera. Es una película de 2015. Y llega casi como de tapadillo. En silencio. Puede pasar desapercibida pero es una buena película. Una de las mejores sobre boxeo que he visto, servida además por un reparto que con Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams y Forest Whitaker está bien servida de talento ante la cámara. Y detrás de la cámara es un trabajo de Antoine Fuqua mucho mejor resuelto y en general más completo e interesante que el empeño descarado de explotación comercial de la “marca” que fue Los siete magníficos. Me atrevo a decir que en la filmografía de Fuqua es la que más se ha acercado al nivel que alcanzó en la que sigue siendo su mejor película, Día de entrenamiento.

Crítica de la película El Bar de Alex de la Iglesia

Álex de la Iglesia mezcla surrealismo apocalíptico y thriller asfixiante, en esta excéntrica comedia urbana.

Un cierto aroma a El ángel exterminador, del incomparable Luis Buñuel, cruza por la atmósfera voluntariamente malsana de El bar desde el primer fotograma; mientras los personajes pelean por escapar de un lugar sin salidas de emergencia. Álex de la Iglesia conforma así un guion enclaustrado dentro de una propuesta espartana, compuesta por los mínimos elementos escénicos con los que barajar el misterio que planea en el ambiente.

Al lado de Jorge Guerricaechevarría, el responsable de El día de la bestia imagina una historia plagada de altibajos, y carente de momentos muertos o de estaciones de servicio en las que descansar las neuronas. A modo de filme de hornada catastrofista, el cineasta bilbaíno comienza la película con la presentación de un cuadro de tipos diferentes y totalmente desconocidos, diferentes y vecinos de entornos diferentes de la ciudad.

Kong: Skull Island review

The best King Kong movie since the original. A character that since its premiere in cinemas in 1933 has become an icon for the cinema, an icon with two remakes, the last of them, directed by Peter Jackson. It is very difficult to revisit that character without repeating previous schemes and themes, and that is something that Jordan Vogt-Roberts film fully achieves. A trip to Skull Island in which we will not see New York, nor a Beauty and the Beast love story, but a display of adventure, action and great visual effects that on one hand brilliantly honors King Kong and on the other is a homage to the war movies of the 70s, with Apocalypse Now at the top.

No, I'm not comparing Kong with Coppola's masterpiece, much less. Neither in subjects, nor in depth ... Nothing has to do with it. But this film does offer various visual tributes to that and the Vietnam War in movies in general. To the cinema of the 70 in particular visually, to offer a visual spectacle of first order, pure entertainment that also keeps a couple of pleasant surprises. From the design of the island, Kong itself, the locations or the creatures that inhabit it (moving away from the typical dinosaurs to give us a new series of monsters ... like that terrifying giant spider), passing through the action of the movie, the tone of the film itself, more focused on Kong than in humans.

Crítica de la película Resident Evil: Capítulo final

Mejor que las dos películas anteriores, retoma claves de las tres primeras entregas.

Alice vuelve con fuerza. Y es inesperado, porque la última entrega de la saga de Resident Evil fue bastante floja en lo argumental y demasiado festiva y disparatada en lo tecnológico. Al contrario que aquella, aquí se han centrado en retomar las claves que le han dado identidad a la franquicia y además andando hacia atrás en el tiempo, pasando de un arranque de la película que remite a las claves “Mad Max” de la tercera entrega a una reentrada en la cuna de Umbrella Corporation que tiene mucho de la segunda película hasta volver a los orígenes de la Colmena que vimos en la primera entrega de Resident Evil, con homenaje al “momento de parrillada” que fue una de las secuencias más celebradas por los seguidores de la franquicia en aquel primero encuentro con Alice y sus peripecias.

Crítica de la película Shin Godzilla

La mejor película de Godzilla que he visto, la que saca más y mejor partido a las claves del original.

El cine japonés ha conseguido finalmente volver a pillarle las vueltas al monstruo icónico que nació en los años cincuenta y acabó convirtiéndose en uno de los emblemas de su cine fantástico y de ciencia ficción. Shin Godzilla se una celebración del personaje que protagonizara Japón bajo el terror del monstruo, la primera entrega de Godzilla, convertido en metáfora del terror y la catástrofe nuclear desatada en Hiroshima y Nagasaki, esa especie de representación del espíritu de la naturaleza maltratada rebelándose y vengándose contra el hombre, que luego se convertiría en una especie de muñecote para entretenimiento de todos los públicos, sumiéndose en una sobrexplotación comercial que le llevó a devaluarse como héroe y protector de Japón frente a otras monstruosas amenazas del kaiju eiga.

Crítica de la película La ciudad de las estrellas: La La Land 

Una de las mejores películas que vamos a ver este año. Lección de cine.

Normalmente no me interesa el cine musical, pero tengo que reconocer que desde su arranque esta película me enganchó y a medida que avanza en su desarrollo crece hasta convertirse en una de las mejores películas del año que ahora acaba de empezar. Tiene además el ADN de la película nominada a los Oscar y muchas papeletas para ser una de las ganadoras. Me dio la impresión de que Damien Chazelle, que ya nos había sorprendido muy gratamente con su trabajo en Whiplash, ha conseguido todo aquello que se propuso lograr, pero no logró, Francis Coppola con una de sus películas más arriesgadas pero peor comprendidas en su momento: Corazonada.

Crítica de la película Train to Busan

Una de las mejores películas de zombis de los últimos años. Aunque quizá decir zombis sea erróneo. En realidad son infectados, de estos que comen carne humana y contagian, sí, pero lo hacen a toda velocidad. No están muertos, no, están infectados y convertidos en esa clase de zombis que comenzaron a hacerse populares con 28 Días Después, por ejemplo, y que no gustan mucho a George A. Romero. Pero en este caso funcionan de maravilla debido al trabajo excelente de dirección, ritmo, guión e interpretación de todos los implicados en una película que no cuenta nada nuevo, nada que no hayamos visto hasta ahora, pero que lo hace con frescura al situar a sus personajes en un tren que viaja de Seúl a Busan.

Sang-ho Yeon da el salto al cine de imagen real tras un par de largos animados, y lo hace con una película que es secuela, precisamente, de una de esas películas animadas, Seoul Station, en la que se narra la aparición del brote vírico que convierte a la gente en zombis y cómo llega a la estación de tren de Seúl. Train to Busan toma la historia justo ahí, con un grupo de personas que suben al tren justo cuando el virus llega a la estación, sin saber que una persona infectada se encuentra en el tren con ellos y acabará desatando el caos dentro del tren, ante los desconcertados pasajeros, entre los que hay un matrimonio que espera su primer hijo, un joven equipo de baseball, una mujer y su anciana madre, los miembros de la tripulación…

Crítica de la película Contratiempo

Interesante thriller español, entretenido y muy bien rodado. Aunque no perfecto, ni necesita serlo. Oriol Paulo, su director y guionista, ya demostró de sobra que sabía crear cine de suspense bien construido en torno a un muy buen reparto y una excelente puesta en escena con El Cuerpo, una película que aunque distinta en cierta medida a Contratiempo, posee un elemento en común, la intención de jugar al gato y el ratón con el espectador, proponerle un juego, un puzle que recomponer y con el que mantenerle interesado durante el tiempo de la proyección, ofreciéndole pistas pero de esas que no sabes de cuál puedes fiarte y de cuál no, para llegar a un final sorprendente que haga la experiencia entretenida para el público. Satisfactoria. Y Contratiempo lo consigue.

Un próspero hombre de negocios, joven adelantado, con familia y un futuro brillante, se ve envuelto en un oscuro caso, en el que es acusado de la muerte de su amante. Una abogada experta en estos casos, tratará de obtener toda la verdad del sujeto para intentar salvarle de la cárcel. Pero, ¿todo lo que cuenta es la verdad o hay distintas verdades dependiendo del punto de vista? Todo ello desde el momento en que un pequeño contratiempo cambia los planes de todos los personajes. A partir de esa premisa construye Paulo la película en torno a sus personajes centrales de verdad, encerrados en un cuarto, intentando que la verdad salga o no a la luz. El resto son recuerdos, historias, medias verdades…

Crítica de la película Rogue One: Una Historia de Star Wars

Mejor que el Episodio VII y con más personalidad a la hora de tratar la mitología de la saga.

Hace meses, cuando salió el primer tráiler de este largometraje, me mojé en un vídeo y dije que podría llegar a ser mejor y gustarme más que el Episodio VII, y lo cierto es que mis expectativas se han cumplido y precisamente por el camino que yo aventuré en aquel momento. Más libre que la película de J.J. Abrams a la hora de abordar la mitología de Star Wars, Rogue One consigue explorar aspectos realmente novedosos de la misma sin apartarse del espíritu de la franquicia. Es más, incluye numerosos guiños e incluso varios personajes clave que sirven para enlazar perfectamente este largometraje con el Episodio IV, una nueva esperanza. Y de hecho la palabra clave de esta historia es precisamente esa, la esperanza como motor de la Rebelión. Lo que hace Gareth Edwards es sacar el máximo partido a la libertad para contar una historia que se instala cómodamente desde el primer momento en la corriente narrativa de Star Wars pero busca incesantemente y con éxito darle otra vuelta de tuerca a la misma.

Crítica de la película Operación Anthropoid

Buena vuelta de tuerca al cine bélico de operaciones suicidas construida sobre actores más que sobre la acción.

Casualidades de la vida. Esta misma semana se estrena El infiltrado, otra película que comparte agallas y personalidad a la hora de proponer su aproximación a los géneros tradicionales del cine, reforzando el papel como fórmula de evasión de los mismos con unas detallistas construcciones sobre el desarrollo de los personajes y el trabajo de los actores que refuerza el conjunto de la película con mayor madurez y renuncia a la parafernalia más superficial y festivamente inocente de los mismos para llevarlos a un nivel de mayor madurez. Si El infiltrado hace eso con el cine policíaco de intriga en la lucha contra la droga, en Operación Anthropoid nos encontramos otro ejercicio similar pero aplicado al cine bélico, y más concretamente al que podemos ver en películas como Los héroes de Telemark (Anthony Mann, 1965), Operación Crossbow (Michael Anderson, 1965), pero donde aquellas trabajaran en clave épica y potenciando la acción, elaborando su discurso visual sobre los planos generales y las secuencias de acción, ésta otra película prefiere construir sobre los planos cercanos, planos medios y primeros planos, que dan toda la fuerza y el protagonismo al drama y el conflicto de los personajes sobre el despliegue de la acción trepidante. De ese modo tiene en común con El infiltrado su habilidad para construir una intriga creciente que reescribe el género en el que se mueve y las claves del mismo para buscar una implicación del espectador en la trama a través de una cierta relación de intimidad con los personajes principales. Resultado de ello es que la jaula en la que éstos están encerrados se cierra sobre nosotros como si formáramos parte de la propia historia que se nos cuenta desde el primer momento, cuando los dos protagonistas caen en el bosque y acaban en la cabaña donde comienza su odisea en territorio enemigo.

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