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Crítica Transformers el último caballero

Mejor que las dos primeras de la saga, que me entretiene más con Wahlberg de protagonista.

Me ha extrañado la floja calificación y acogida a esta quinta entrega de la saga de Transformers porque no sólo considero que es de las más entretenidas de la saga y claramente inclina mi preferencia en la misma hacia las películas protagonizadas por Mark Wahlberg, sino que además empieza a traslucir que hasta el propio Michael Bay está ya bromeando descaradamente sobre las limitaciones de esta franquicia que tanto dinero le ha dado hasta el momento. A ver, sigue siendo Transformers, y diré una vez más que el propio concepto cinematográfico de Transformers me ha parecido siempre absurdo, porque su traducción del juguete al cómic y a las viñeta del cómic es una cosa, pero en el cine ha sido siempre para mí el sinónimo de la materialización de los principales defectos del cine de blockbuster. Vamos que no soy lo que se diría un entusiasta de la saga. Quizá por eso en esta quinta película he apreciado esa ligera tendencia a reírse de sí misma que tiene, junto con etapas del relato que me llevan a pensar en un capítulo de la serie de animación de Transformers o en los cómics –el prólogo de los mitos artúricos, la persecución entre las ruinas, el amanecer en la chatarrería, todo el personaje de Izabella, el viaje a Inglaterra, el robot mayordomo-ninja, el submarino-, y por ahí me ha resultado más entretenida que las dos primeras entregas. La caza de Transformers me parece una idea entretenida que lamentablemente no se desarrolla más, como la guerra de sexos entre el personaje de Wahlberg y Laura Haddock, o los de Josh Duhamel y Santiago Cabrera. Tal como suele ocurrir en toda la franquicia y en buena parte del cine de Michael Bay, la acción por la acción y el exceso de pirotecnia de efectos visuales acaba por devorar todo lo demás, principalmente arco de desarrollo de personajes y conflictos. Pero al menos aquí, sin aportar nada nuevo ni sobre personajes ni sobre situaciones o trama, principalmente porque ya, de partida, toda la saga está bastante limitada en ambos aspectos como producto cinematográfico, la subtrama de viajes al pasado y la aportación de Anthony Hopkins, junto a la novedad en el paisaje británico y la manera que tiene de asumir sus propias limitaciones, la convierten en una de las películas que más me han gustado de la saga. Eso sí, en el final se le vuelve a ir la mano a Bay con una batalla demasiado larga, se pasa de metraje, cansa montón en el territorio de la acción y el personaje de Mark Wahlberg no avanza en ningún sentido, como tampoco avanzaba prácticamente nada en la primera trilogía el personaje de Shia LaBeouf. Carece de ritmo porque es un mero encadenado de acciones trepidante con muy poco argumento o cosas que contar más allá de la pirotecnia visual y las acciones circenses. Y vuelve cansina en su parte final.

Miguel Juan Payán

 

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©accioncine

 

Crítica de la película Dunkerque

Muy buena. Necesito verla urgentemente otra vez. Brillante reescritura del género bélico.

Christopher Nolan ha vuelto a hacerlo. Ha vuelto a poner en evidencia a quienes afirman que es un “cineasta sobrevalorado”, fórmula ya repetitiva y cansina, poco original, lugar común de sus detractores, que conforme avanza la carrera de este auténtico maestro capaz de impartir lecciones de cine en cada una de sus películas quedan cada vez más puestos en cuestión respecto a sus propios conocimientos cinematográficos. Es así de claro. Hay que mojarse ya. Y qué mejor momento para mojarse que Dunkerque: el cine de Nolan puede gustarte o no, estás en tu derecho. Pero negarle el pan y la sal como director es ya absurdo. Y Dunkerque lo pone nuevamente de manifiesto. Es una de sus mejores películas, y tal como apunté a modo de especulación en algunos de mis comentarios previos, finalmente, con la película vista, es ciertamente un nuevo punto de partida para su carrera que se amplía en horizontes y retos con este nuevo largometraje que además demuestra que el juego con el tiempo es el cemento sobre el que levanta el entramado narrativo de su estilo como autor.

Crítica de la película Colossal

Nacho Vigalondo vuelve a sorprender con mezcla de géneros.

Vigalondo sigue en su línea y en Colossal vuelve a tomar prestadas las claves más superficiales de un género cinematográfico para acabar contándonos una mezcla de comedia y drama de clave más cotidiana e incluso llegado el caso costumbrista. Y sigue demostrando que se mueve mejor con los personajes femeninos que con los masculinos. Colossal es en muchos aspectos muy cercana a Extraterrestre. En ambas, más allá de los personajes masculinos, brillan las féminas. Y no cabe duda que si en Extraterrestre el director tenía un poderoso aliado en la presencia de Michelle Jenner, en esta ocasión se decanta aún más claramente por el protagonismo femenino convirtiendo a Anne Hathaway en el epicentro de toda su historia. Y Hathaway se lo recompensa elaborando una especie de reinterpretación de la figura de heroína de comedia romántica con un aire de Audrey Hepburn, pero menos etérea y más carnal, más cercana y real, Manteniendo esa especie de mirada de ángel de la Hepburn, añade a la misma el punto necesario de realidad defectuosa para alejarla de la visión idealizada del Hollywood clásico y traer la fórmula hasta nuestros días. Su personaje, desde sus fallos humanos, se convierte así en una visión de lo femenino desde lo masculino, al menos al principio de la película, porque si algo tiene de positivo este largometraje es su capacidad para ir transformándose en algo diferente a medida que progresa en su camino. Otra cosa sería imposible de pensar en una película que corre desde el primer momento el riesgo serio de afirmar ser una cosa cuando en realidad es otra. La transformación de la película está tripulada por esa evolución de arco de desarrollo del personaje de Hathaway, que empieza siendo una irresponsable e inmadura fémina incapaz de tomar el timón de su propia vida y acaba tropezándose con una responsabilidad que podría servir como metáfora de la convulsa situación que atraviesa lo femenino en nuestros días, al menos, insisto, desde el punto de vista masculino. Creo que Colossal gana cuando finalmente se quita la careta, pero para ello hay que advertirle al público que no va a ver en ningún caso una especie de variante de Monstruoso, Godzilla o cualquier otra idea de película con bichosaurios que se pueda imaginar el espectador. No es la intención del director ni de la película entrar en ese corral. Su corral es otro. Y no quiero destriparlo. Pero sí quiero aclarar que conviene no confundirse. Lo que hace Vigalondo con esta película es proponer una reflexión sobre la mujer, cómo ven los hombres a la mujer, como se ve la mujer a sí misma y la profunda brecha, a veces casi abismo, que puede llegar a producirse entre ambos sexos, asentada sobre una incomprensión pero sobre todo sobre el miedo, mucha veces, las más de las veces, el miedo del hombre frente a la mujer, y si no el miedo, la perplejidad y la curiosidad del hombre ante el enigma de lo femenino. O lo que el hombre decide definir como el “enigma” de lo femenino. Que tal como finalmente explica la película, no es tal enigma, simplemente es libre albedrío de la mujer, tan libre albedrío como el que aspira a tener y cree tener, aunque no siempre lo tenga, el hombre.

Crítica de la película Ghost in the Shell

Excelente película de acción y ciencia ficción.

No voy a pretender aquí ser un conocedor absoluto del manga o el anime original, ni de la obra de Masamune Shirow, ni nada por el estilo. Recuerdo ver la película de animación en VHS en mi adolescencia y quedar encantando por muchas de sus partes, pero también abrumado por la densidad de otras. Voy a juzgar la película protagonizada por Scarlett Johansson por lo que es, una excelente cinta de acción y ciencia ficción que plantea interesantes preguntas sobre lo que nos define y lo que nos hace humanos, mientras además homenajea continuamente a la fuente original. Sí, no soy un experto en el tema, pero he visto la película. Y Ghost in the Shell sabe cómo rendirle homenaje perfectamente.

Si usted es un fanático absoluto del manga, la película de animación, su secuela o la serie de animación de la que esta nueva película toma más de una referencia, es posible que sienta que no se parece lo suficiente, que no han calcado plano a plano la trama y a los personajes. Yo defiendo, y siempre lo haré, lo contrario. Tomar el material original y darle una nueva forma. Hacerlo reconocible pero al mismo tiempo que aporte cosas nuevas. Distintas, sorprendentes. En ese sentido esta película triunfa por completo. Sus referentes, además del anime, son evidentemente Blade Runner e incluso Matrix (cerrando así el círculo. Matrix tomaba cosas de Ghost in the Shell), pero sabe darle un punto distinto apoyándose en sus virtudes.

Kong: Skull Island review

The best King Kong movie since the original. A character that since its premiere in cinemas in 1933 has become an icon for the cinema, an icon with two remakes, the last of them, directed by Peter Jackson. It is very difficult to revisit that character without repeating previous schemes and themes, and that is something that Jordan Vogt-Roberts film fully achieves. A trip to Skull Island in which we will not see New York, nor a Beauty and the Beast love story, but a display of adventure, action and great visual effects that on one hand brilliantly honors King Kong and on the other is a homage to the war movies of the 70s, with Apocalypse Now at the top.

No, I'm not comparing Kong with Coppola's masterpiece, much less. Neither in subjects, nor in depth ... Nothing has to do with it. But this film does offer various visual tributes to that and the Vietnam War in movies in general. To the cinema of the 70 in particular visually, to offer a visual spectacle of first order, pure entertainment that also keeps a couple of pleasant surprises. From the design of the island, Kong itself, the locations or the creatures that inhabit it (moving away from the typical dinosaurs to give us a new series of monsters ... like that terrifying giant spider), passing through the action of the movie, the tone of the film itself, more focused on Kong than in humans.

Crítica de la película Rogue One: Una Historia de Star Wars

Mejor que el Episodio VII y con más personalidad a la hora de tratar la mitología de la saga.

Hace meses, cuando salió el primer tráiler de este largometraje, me mojé en un vídeo y dije que podría llegar a ser mejor y gustarme más que el Episodio VII, y lo cierto es que mis expectativas se han cumplido y precisamente por el camino que yo aventuré en aquel momento. Más libre que la película de J.J. Abrams a la hora de abordar la mitología de Star Wars, Rogue One consigue explorar aspectos realmente novedosos de la misma sin apartarse del espíritu de la franquicia. Es más, incluye numerosos guiños e incluso varios personajes clave que sirven para enlazar perfectamente este largometraje con el Episodio IV, una nueva esperanza. Y de hecho la palabra clave de esta historia es precisamente esa, la esperanza como motor de la Rebelión. Lo que hace Gareth Edwards es sacar el máximo partido a la libertad para contar una historia que se instala cómodamente desde el primer momento en la corriente narrativa de Star Wars pero busca incesantemente y con éxito darle otra vuelta de tuerca a la misma.

Crítica de la película Hasta el último hombre

Una de las mejores películas bélicas sobre la Segunda Guerra Mundial.

Al nivel de las grandes: Salvar al soldado Ryan, La delgada línea roja, Cartas desde Iwo Jima, La colina de la hamburguesa, La colina de los héroes, La colina de los diablos de acero, Ataque, la serie Hermanos de sangre… Estas son las claves que pueden servir para hacerse una idea de cómo y por donde respira el último trabajo de Mel Gibson como director, una de sus mejores películas, mejor que la serie Las banderas de nuestros padres, The Pacific o Windtalkers y al nivel de otra joya del género bélico, o por aclararlo más, antibelicista, Senderos de gloria, de Kubrick.

Es también una de las miradas más brutales del cine a la guerra, sin adornos ni componendas para edulcorar las imágenes que representan el infierno de la muerte. Cada muerto y cada herido deja su huella en el espectador, que se ve totalmente envuelto en el huracán de violencia en algunas de las mejores escenas de acción que ha rodado el cine. Eso sí, acción con contenido, no acción por la mera acción o como adorno principal de la función. Detrás de las secuencias bélicas propiamente dichas, lo que oculta Hasta el último hombre es una apuesta muy actual por la vida frente a la muerte, una clara reflexión sobre las culturas de vida frente a las culturas y rituales de muerte, lo cual, con los tiempos de guerra contra el terrorismo en los que vivimos, resulta plenamente actual y va más allá del contexto histórico en el que se desarrolla este largometraje que por otra parte se basa en una historia real.

Crítica de la película Los juegos del hambre: Sinsajo 1

Mejor y mas sólida que las dos películas anteriores. Me ha gustado más. 

Sinsajo 1 es más cine que las dos primeras entregas de la saga. Maneja temas más interesantes. Concretamente se centra en el tema esencial de la saga, que es la forma en la que la gente común y corriente es engullida por la corriente de la historia, utilizada como anzuelo de propaganda en las guerras, manipulada como un títere sin alma por quienes se ocupan de propagar las ideas que son las que aprietan el gatillo y sueltan las bombas sobre los inocentes. Ese tema es el reto al que se enfrentan los personajes en esta entrega donde  finalmente las cartas de esta saga quedan puestas al descubierto, sobre la mesa, con más madurez y solvencia narrativa, con más seriedad, que en las dos películas que la preceden. Digamos que con esta película, el relato supera su fase más adolescente y entra en materia más interesante. Es  mejor en su primera mitad, en su exposición de la situación de cambio a que se enfrenta Katniss convertida en símbolo de la rebelión, el Sinsajo del título. Ese periodo de adaptación de  protagonista a su nuevo papel en el juego de la política es la mejor parte de todo lo que hemos visto hasta ahora en Los juegos del hambre, con diferencia. Katniss deja de ser una especie de heroína de recortable, bidimensional, para adquirir incluso cierto aire de Juana de Arco cuando acude por primera vez al frente. Además, está respaldada más que nunca por un reparto de actores que son pesos pesados capaces de levantar cualquier personaje en cualquier situación, a lo que se añade un papel más destacado y definido, tanto por su propia interpretación como por lo que cuenta de él Finnick, del personaje de villano que interpreta Donald Sutherland, un veterano, un clásico que brilla más en esta tercera entrega que en las dos anteriores. Para quien esto escribe es además una buena noticia que por cuestiones del propio argumento nos hayamos librado finalmente de esa parte más pedante y exagerada, churrigueresca, absurda y francamente molesta que eran los perifollos y jueguecitos de Barbie neurótica del Capitolio, comandados por Stanley Tucci, gran actor sin el cual sería imposible aguantar tal suplicio. El hecho de que aquí no haya juegos propiamente dichos, sino guerra, puesto que esta es una película bélica muy astuta que como digo trata el tema de la propaganda, permite que ese lastre para el relato, exagerado visualmente en las dos entregas anteriores, deje de estar presente. Una molestia menos. 

Plannos como el de la masacre del Distrito 12 testimonian el cambio del que hablo respecto a las películas anteriores. Eso sí, les ha fallado un poco la acción. Andan justos de presupuesto y lo administran bien, porque de hecho Julianne Moore, que junto con Sutherland es de lo mejor de la entrega, son el mejor efecto especial para la manera en la que se ha planteado la película, en primeros planos, con más drama que acción. Pero un poco más de escenas de esa guerra que apenas vemos le podrían haber venido bien al conjunto del relato. Imagino que se lo guardan prara Sinsajo 2,. 

Miguel Juan Payán

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©accioncine

Crítica de la película El caballero oscuro, La leyenda renace

Nolan pone el broche de oro a su saga de Batman con una obra maestra del cine. Una película que supera todas las expectativas, que eran extremadamente elevadas tras esa pedazo de película que fue El Caballero Oscuro y que sirvió para redefinir el cine de superhéroes, aquí haciendo el más difícil todavía para cambiar las reglas del juego de los blockbusters. El listón se ha puesto a una altura desmesurada porque Nolan ha demostrado que se puede y se debe hacer un blockbuster cargado de acción, trepidante y épico, pero a la vez lleno de personajes memorables, drama humano y social que se conjuga de forma espectacular, vibrante y emotiva en uno de los mejores cierres que se puede dar a una trilogía jamás visto en una sala de cine.

Olvídense de los Peter Jackson, los James Cameron y similares de rigor. En lugar de apostar por las nuevas tecnologías y vender la vida por epatar visualmente al espectador, sin que haya mucha tela que cortar en el guión, Christopher Nolan siempre ha apostado por hacer de sus guiones y su tradicional forma de contar el cine su mayor baluarte. Hacer historias que realmente interesen al espectador, con personajes que traspasen la pantalla y te lleven a un mundo ficticio pero real, aunque se trate de cómo controlar los sueños de la gente. Aunque se trate de un tipo enmascarado con capa y un coche que parece un tanque. Nolan apuesta por esas historias que se nos quedan dentro, que no nos dan todo mascado y pulido para que no tengamos que pensar. Películas que te apetece repetir a los dos minutos de terminar la proyección. El auténtico revolucionario del cine moderno es Christopher Nolan, y ni señores del Anillo, ni Avatares ni Matrix varios van a cambiar eso.

Crítica de la película Tengo Ganas de Ti

 

Fiel adaptación de la novela que hará las delicias de quien disfrutó de la primera entrega. Babi y Hache vuelven a la gran pantalla para completar esa gran historia de amor escrita por Federico Moccia con las novelas A 3 Metros sobre el Cielo y Tengo Ganas de Ti, que ya fueron adaptadas en su Italia natal y que ahora, un año y medio después del estreno de la primera adaptación española, regresan para volver a llenar las salas de cine como también lo consiguió 3 Metros sobre el Cielo con más de 10 millones de euros recaudados, cifra a la que aspira, sin duda, Tengo Ganas de Ti. Y en una época en la que el cine español anda de capa caída y el fútbol mantiene al público alejado de las salas, una película como ésta, destinada mayoritariamente al público femenino, puede resucitar la taquilla y dar una alegría a nuestro cine, que buena falta le hace.

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