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Campeones representará a España en los Oscar

De esas veces que sales del cine y piensas “cuanto me alegraría que este peliculón llegase a los Oscar” y va y se convierte en realidad. Pues este es el caso de Campeones. Hacia tiempo que no lográbamos pasar el corte, la última película en llegar a la categoría de mejor película de lengua no inglesa desde nuestro país, fue Mar adentro en el 2005, pero entiendo perfectamente que La Academia, se haya tenido que rendir a esta historia de superación, en la que Javier Gutiérrez (Marco), se encarna en un entrenador profesional de baloncesto que por su prepotencia y falta de compromiso, está pasando por un mal momento: tiene problemas con su mujer, se pelea con su jefe en medio de un partido y “dos copitas” antes de coger el coche, le llevan a tener que cumplir servicios comunitarios entrenando un equipo de discapacitados. Pincha para leer más...

Crítica de la película El juego de Ender

El juego de Ender, ciencia ficción de calidad, imprescindible para los amigos del género y recomendable para aficionados al buen cine.

La adaptación al cine de El juego de Ender, la novela de Orson Scott Card, no era nada fácil y de hecho todo apunta que muy posiblemente el mejor terreno para trasladarla al audiovisual era el de la serie o miniserie de televisión. A pesar de ello, el resultado final de esta adaptación a la pantalla grande de la fábula sobre sobre la corrupción de niños soldados convertidos en asesinos tiene una excelente factura visual, saca el máximo partido a su despliegue de efectos visuales, y propone una forma de entender la ciencia ficción más madura y cercana a los planteamientos literarios del género. Esa misma tendencia marcó las películas de ciencia ficción en su paso a la edad adulta, iniciada con 2001 de Kubrick a finales de los sesenta, y finalizada abruptamente con ele estreno de La guerra de las galaxias de George Lucas más o menos una década más tarde. El juego de Ender en su forma como película es el perfecto ejemplo para definir esa frontera que separa las versiones cinematográficas de las historias que adaptan, en una lógica mutación que impone las necesidades del medio cinematográfico sobre las necesidades y logros de la literatura. La película elige centrarse en el personaje que da título al libro, podando el resto de las subtramas implicadas en el relato original Fundamentalmente la gran sacrificada es la subtrama que protagonizan la hermana y el hermano de Ender, que en el momento de aparición de la novela fue un excelente ejercicio de prospectiva de su autor, anticipando el papel de internet y las redes sociales en el devenir político. Eso elimina casi totalmente el papel del hermano de Ender, que en la novela era un antagonista, la gran amenaza, y deja el papel de la hermana bastante mermado narrativamente. Teniendo en cuenta que todas las novelas de Orson Scott Carr hablan de la familia, es una pérdida que muchos seguidores del libro podrían considerar lógicamente muy sensible. Pero al leer los créditos de la película se me ocurrió que el término “basado en…” tiene un significado que quizá a muchos se nos podría haber escapado cuando hacemos balance de las adaptaciones de la novela al cine. Lo cierto es que dentro de una novela no hay nunca una sola, sino muchas historias distintas, y como ejemplo basta citar una destacada obra maestra de la ciencia ficción cinematográfica, Blade Runner, que dejó fuera de su relato varios elementos y subtramas interesantes de la novela de Phillip K. Dick que la inspiró, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, especialmente el tema del Mercerismo. Es un excelente motivo, entre muchos otros, paras volver a insistir en que es esencial leer, porque además leer sigue siendo el mejor pasatiempo que conozco. Teniendo en cuenta esa pluralidad de historias que habitan en toda novela y el hecho de que leer sigue siendo mi pasatiempo favorito, incluso por delante del cine, no me causa mucho problema ni escrúpulo ver versiones cinematográficas que adaptan la parte del libro original que a sus creadores les parece más significativa. Siempre y cuando sigan siendo fieles a eso que algunos llaman “el espíritu” del original y yo prefiero calificar simplemente como las tripas del asunto. Ese “espíritu” y esas tripas están plenamente presentes en esta versión cinematográfica de El juego de Ender, aunque inevitablemente sus artífices hayan decidido podar toda la parte “política” de la novela, que servía como contrapeso de equilibrio de la parte más belicista de la misma. Lo cierto es que me molesta más que la simplificación que se impone en la versión cinematográfica nos deje una peripecia de formación de Ender más concentrada en lo referido a su largo periodo de aprendizaje, promoción y liderazgo, una reducción de las batallas que debe librar y del papel del libro que da título a la historia así como un resumen del papel que tiene el videojuego como alternativa de género de fantasía y cuentos infantiles que en la obra de Orson Scott Card complementa con excelentes resultados las claves de ciencia ficción.

Lo que ocurre con esta versión cinematográfica de El juego de Ender, es que mirada desde la experiencia de haber leído la novela puede hacernos caer en la trampa del purista fundamentalista, llevándonos a pensar que esa poda de elementos de la misma es perjudicial para el relato, porque rompe la trinidad de distintas caras que presentaba el mismo: la peripecia de formación y superación de Ender en el entorno militar, que es un excelente ejemplo de la ciencia ficción militarista aplicada a reflexiones humanistas; las fábulas fantásticas desplegadas en el videojuego del gigante que introduce la fantasía en esa fórmula narrativa de ciencia ficción, incorporando elementos grotescos que son como un eco de las aventura de Alicia en el país de las maravillas, y finalmente la trama de manipulación y ascenso al poder de los dos hermanos en el frente civil, que añade una nota de distopía tecnológica al conjunto, además de constituirse en principal valedora del relato como interesante ejercicio de prospectiva y anticipación dentro de la ciencia ficción de carácter sociológico.

Pero lo mejor de El juego de Ender es que contrarresta esa pérdida de personajes, elementos y subtramas con un vigor visual que emparenta la película con el gran clásico entre las obras maestras del género, 2001 una odisea del espacio, y aunque el director cita como influencia al cine de David Lean en la vídeoentrevista que le hicimos para esta misma página, lo cierto es que a quien esto escribe le parece que la principal influencia de El juego de Ender está en las películas de Stanley Kubrick. Además de la lógica presencia como referente en clave de eco visual que se incorpora desde 2001, la película se desarrolla argumentalmente como una especie de variante de La chaqueta metálica en todo lo referido al entorno cuartelero que rodea al protagonista y su educación para dar la muerte a sus enemigos, incluyendo su antagonismo con el superior inmediato, Bonzo Madrid, o la manipulación emocional a que es sometido por el encargado de su formación, interpretado por Harrison Ford, y por el responsable de su entrenamiento como líder de la flota, interpretado por Ben Kingsley, dos “padrinos” del protagonista que incorporan a la historia el tema de la suplantación de la paternidad y la familia por el ejército. El tema de los niños convertidos en guerreros encuentra además una forma de desarrollarse que convierte a los jóvenes reclutas en una variante de los Drugos que protagonizaban La naranja mecánica, aunque para satisfacer las necesidades de amortización del presupuesto se hayan limado los momentos más violentos de la novela original en los duelos de Ender con sus compañeros, especialmente en el caso del personaje de Bonzo Madrid.  Por otro lado, el viaje de búsqueda de aceptación y definición de sí mismo que emprende Ender lo aproxima al antihéroe más completo de la filmografía de Kubrick: Barry Lyndon. Todo eso mientras la película bascula en lo referido a su escenografía entre 2001 (en el interior de la base y el espacio exterior) y Teléfono rojo: ¿volamos hacia Moscú? (en el diseño y la iluminación de los fragmentos que transcurren en el juego final con los mandos contemplando el resultado de la batalla).

De manera que cabe asegurar que todo aquello que la película ha podado de la novela original, está equilibrado sobradamente con su factura visual, sus referentes cinematográficos y un reparto que realmente consigue meternos incluso más que las propias imágenes en esta muy recomendable y madura propuesta de ciencia ficción cinematográfica, que además consigue hacernos reflexionar sin perder un ápice de su poder de entretenimiento.

Miguel Juan Payán

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Crítica de la película Thor, el mundo oscuro.

Mejor que Thor, me gusta más que Iron Man 3 y es más cercana a Los Vengadores.

Esta segunda película sobre Thor tiene las cosas más claras sobre su identidad como producto Marvel que la primera. Dicho de otro modo: es más cercana a los comics en que se basa en todos sus aspectos. Y conste que la película dirigida por Kenneth Branagh siempre me ha parecido buena, aunque personalmente me divirtiera más viendo la película de El Capitán América. Además Thor el mundo oscuro tiene gran habilidad para administrar el protagonismo de sus distintos personajes en diferentes fases del relato, lo que fue sin duda uno de los mayores aciertos de Los Vengadores y es una característica que define los comics de superhéroes de la editorial Marvel. En éstos los superhéroes propiamente dichos son sin duda los principales protagonistas, pero nunca son los únicos protagonistas. Por eso la película nos propone primero el reencuentro con Loki, antes de saltar a un momento que deja claro que Thor el mundo oscuro es mucho más cercana a las viñetas de la Marvel que la película anterior: la batalla en Vannaheim. Ahí es donde empieza a hacerse patente que Sif va a tener mayor peso en la trama, lo mismo que los compañeros guerreros del protagonista. Esa apertura de carácter épico marca la pauta del resto de la película, que mezcla con habilidad elementos de las historias de Espada y Brujería y el género de aventuras con la ciencia ficción. Además deja claro que estamos ante una visión del universo Marvel en el cine perfectamente conjuntada con las estrategias narrativas y de explotación cinematográfica de los cómics de esa editorial aplicadas en Los Vengadores. Continuidad total que se extiende tanto a una broma visual entre Thor y Loki a mitad de la película en clave de cameo de otro personaje como al primer fragmento post-créditos en el que se deja bastante claro cuál será el tema y el villano de Los Vengadores 2. La continuidad que toma como epicentro del universo Marvel en el cine Los Vengadores es probablemente lo que buscaba la productora cuando cambió al autor de la música de la película propuesto por el director por el compositor de Iron Man 3, Brian Tyler. Otro elemento de continuidad de las claves que propiciaron el éxito de Los Vengadores lo encontramos en el uso del sentido del humor. Tras el comienzo en Asgard con los “dioses”, entra en el relato la Tierra y los humanos aportando la parte más humorística al argumento, antes de convertir a Jane Foster (Natalie Portman) nuevamente en el puente entre el mundo de Thor y nuestro planeta y al mismo tiempo en una especie de variante de Alicia en el país de las maravillas que pasa al otro lado del espejo.

Thor, el mundo oscuro desarrolla un papel más interesante para Loki, y con un conflicto que da más juego que el tradicional encuentro entre protagonista y antagonista.  En esta película, Loki se confirma como el gran villano o antagonista de las producciones de superhéroes producidas por Marvel. Además los elfos oscuros son más sólidos y tienen más personalidad que los gigantes del hielo de la primera entrega. Frente a la primera entrega, ésta cuenta con más secuencias de acción (la batalla de Vannaheim, las mazmorras, el ataque a Asgard en plan batalla de Inglaterra, el enfrentamiento final …), saca el máximo partido a la misión imposible de Thor y sus compañeros en la línea de explotación del grupo de personajes, cada cual con su momento de protagonismo. Además la película exhibe una gran capacidad para aportar información con un solo plano a modo de viñeta de cómic (por ejemplo el plano de Thor, Odin, Frigga y Jane Foster después del ataque de los elfos a Asgard). Y para completar el trabajo cierra su trama con una batalla espectacular y con un final de cliffhanger imposible de superar que además encaja perfectamente con la personalidad del relato y los personajes del comic en el que se basa la película. El guión se mueve con más libertad y ritmo que en la primera entrega una vez que presentara en aquella a los personajes, los actores están más cómodos en sus papeles, Hiddleston tiene totalmente dominado su papel como Loki y sus secuencias con Hemsworth interpretando a Thor son mejores que las de la primera entrega. Todos los actores del reparto sacan partido del mejor aprovechamiento de sus personajes en el guión, empezando por Stellan Skarsgaard y su breve pero hilarante papel como contrapunto cómico o Idris Elba dando vida a la clave más épica de su papel como Heimdall, el guardián del puente, o Kat Dennings ejerciendo como la chispeante becaria/amiga de la protagonista.  

Aviso: es preciso quedarse hasta el final de todos los títulos de crédito para conocer el verdadero desenlace de este relato. Además del guiño de anticipo para próximos proyectos Marvel, esta es la primera película de los superhéroes de la compañía que termina el arco dramático de su argumento después de los créditos finales. Sospecho que más de un impaciente se va a quedar sin ver el verdadero desenlace de la película.

En cuanto a verla o no en 3D, opino que ésta es una de esas ocasiones en las que merece pagar el sobreprecio por la carga de acción constante que nos propone el argumento. Thor el mundo oscuro tiene más acción y de forma más continuada que cualquier otra película producida por la Marvel, excepto Los Vengadores. Y realmente en las escenas de batalla saca buen partido a la aplicación del 3D.

Miguel Juan Payán

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Richard Whalley Anthony Curtis, nacido en noviembre de 1956 en Wellington, Nueva Zelanda, consiguió su primer éxito como guionista con una serie de televisión que ahora no le convence pero en su momento le ayudó a asentarse firmemente en la industria audiovisual británica, La víbora negra, protagonizada por Rowan Atkinson con el que iba a trabajar posteriormente en la serie Mr. Bean. Además ha escrito uno de los capítulos más curiosos de la serie Doctor Who en la etapa protagonizada por Matt Smith, Vincent y el doctor, donde el personaje protagonista se cruza con el pintor Vincent Van Gogh, y puso su talento como escritor al servicio de dos de las comedias románticas más taquilleras del cine inglés, Cuatro bodas y un funeral y Notting Hill. Como director cuenta con tres títulos, Love Actually, Radio encubierta y Una cuestión de tiempo, película esta última que ha venido a presentar a España y sobre la que charló con nosotros.

-          Ahora que ha anunciado que no piensa volver a dirigir nos preguntamos si ha pensado esta película como una especie de resumen de su punto de vista sobre la comedia romántica como género cinematográfico.

-          Me alegro de haber rodado una película que tiene una idea más amplia de la vida. Por ejemplo las comedias románticas suelen terminar con una boda y en Una cuestión de tiempo he tenido la oportunidad de ir más allá de la boda y tratar con la familia, los hijos, los padres… Así que me alegro de haber aprovechado la película para tratar esos temas.

-          Su protagonista puede viajar en el tiempo y aprovecha para arreglar cosas de su pasado y mejorar sus peripecias románticas. ¿Haría usted lo mismo?

-          Creo que hay cosas que no estaría mal poder arreglar, pero en general, y sobre todo en lo que se refiere a los asuntos del corazón, es mejor dejar las cosas tal y como están. A mí me rompieron el corazón cuando tenía veinte años. Tardé cinco años en recuperarme. Fue la peor cosa que podía ocurrirme. Pero seguro que hoy sería incapaz de escribir estas cosas que escribo sobre el amor sin haber pasado por esa experiencia. Así que en general, creo que es mejor dejar el viaje en el tiempo a un lado, aunque está muy bien para contar chistes.

-          ¿Y en lo profesional? ¿Se arrepiente de algo en su pasado como cineasta que le gustaría arreglar viajando en el tiempo?

-          Es un poco el mismo caso. Todo el tiempo que estuve haciendo la serie La víbora negra me lo pasé pensando: “ojalá no estuviera aquí haciendo esto”, pero luego resulta que en el Reino Unido es mi trabajo más popular. Incluso hoy en día la gente joven sigue hablándome de La víbora negra. Así que aprendí mucho con ella. Y luego un productor americano me invitó a escribir un largometraje en Estados Unidos sobre un padre y un hijo, en Boston, y fue un desastre. Incluso MGM me puso una denuncia. Todo fue horrible, pero como resultado me di cuenta de que tenía que quedarme en Londres y escribir sobre una ciudad que conozco y sobre el tipo de personas que conozco, y no intentar irme a Estados Unidos y escribir sobre algo que conocía. Así que una vez más partiendo de una mala experiencia acabé haciendo algo que realmente me gusta hacer.

-          ¿Cómo trabaja la música en sus películas? ¿Piensa en las canciones cuando está escribiendo el guión o le llegan ya como inspiración cuando está dirigiendo?

-          Esta película es en la que la música se acerca más a la que estaba pensando cuando escribía el guión. Siempre tengo música puesta mientras escribo, pop si quiero sentirme alegre, o clásica si quiero algo más profundo. En este caso haya varias canciones que estaban allí incluso antes del guión, quería escribir algo para poder incluirlas. Para mí la música es como otro actor en la película.

-          Una cuestión de tiempo es una comedia romántica, pero al final es sobre todo una historia de los afectos entre padres e hijos.

-          Me ha encantado y también sorprendido el hecho de que tanta gente se acuerde sobre todo de la relación entre padre e hijo. Puede ser que se deba a la buena relación que tuvieron los dos actores que interpretan esos personajes, que al final del rodaje casi se querían. Además cuando le ofrecí el papel de padre a Bill Nighy, me dijo que le apetecía hacerlo pero no quería interpretarlo, sino hacerlo muy sencillo para que el público pueda poner a su propio padre en lugar del personaje. Al principio el personaje era más fuerte, enérgico, con bigote y con un secreto. Pero Bill interpretó este personaje de esa otra forma y eso ha hecho que el público encuentre ese papel de padre mucho más cercano.

-          Su película es una defensa de la familia como camino hacia la felicidad

-          Bueno, yo escribo sobre lo que conozco. Cuando intenté escribir sobre Estados Unidos: no podía hacerlo porque no lo conocía. Si no tuviera familia a lo mejor me haría otras preguntas, pero escribo sobre lo que he vivido. Mis padres vivieron muchos años, llegaron a ser muy mayores y yo cuidaba de ellos. Es un poco complicado. Por ejemplo cuando estaba escribiendo Cuatro bodas y un funeral no era consciente de que estaba escribiendo una comedia romántica. Pensaba que estaba escribiendo una película algo autobiográfica, y películas que me gustaban, como Diner (Barry Levinson, 1982) o El relevo (Peter Yates, 1979). Cuando escribí Notting Hill sí sabía que estaba escribiendo una comedia romántica. Es la única película que he escrito sabiendo exactamente lo que estaba escribiendo. Con Love Actually hay muchas historias, así que no quería escribir una comedia romántica muy larga, así que hay algunas tramas como la de Laura Linney o Emma Thompson que no son comedias. En Una cuestión de tiempo se puede decir que la primera mitad es una comedia romántica, pero luego es más como un drama familiar. Creo que en la vida puedes empezar como una comedia romántica, luego tras la boda viene el drama familiar, y luego con los hijos vuelve a empezar otra comedia romántica.

-          Hay un momento en que su personaje principal y usted toman una decisión definitiva respecto al personaje de Charlotte, la rubia fémina que es el primer amor de su antihéroe. La tentación del guionista sería complicarlo todo, pero usted lo simplifica. ¿Por qué?

-          Me encontré con un amigo y me confesó que cuando estaba viendo la película le preocupaba lo que hiciera el protagonista en ese momento. Puse esa secuencia simplemente para que Tim se diera cuenta de sus verdaderos sentimientos.

-          ¿Qué directores o películas le han influido como guionista y director?

-          Woody Allen ha sido una de las influencias más claras, sobre todo cuando  yo tenía veinte años. Después hay muchas comedias y películas que me han influido, como Diner o El relevo.

Miguel Juan Payán

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“THE WALKING DEAD” VUELVE POR PARTIDA DOBLE CON EL ESTRENO SIMULTÁNEO DE LA CUARTA TEMPORADA EN FOX Y FOX CRIME

El próximo 14 de octubre, a las 22.20 horas, menos de 24 horas después de su estreno norteamericano

Los dos canales ofrecerán una programación especial desde las 9.15 horas del lunes 14 de octubre con la emisión íntegra de la tercera temporada de la serie y el estreno del nuevo episodio

Esta es la primera vez que FOX y FOX CRIME aúnan su programación durante todo un día

➢ Coincidiendo con este estreno, FOX presenta la nueva APP FOXFan, una aplicación gratuita disponible para iOS que nace como un lugar de encuentro para hablar de series

Los canales FOX y FOX Crime estrenarán la cuarta temporada de “The Walking Dead” el próximo lunes 14 de octubre, a las 22.20 horas, de manera simultánea. Es la primera vez que ambos canales emiten al unísono la nueva entrega de la exitosa serie que, como ya es costumbre, llega a España tan solo un día después de su estreno en Estados Unidos, programado para el domingo 13 de octubre en la cadena AMC. Este es el primer año en el que FOX International Channels (FIC) estrena “The Walking Dead” el mismo día en todos sus canales FOX, distribuidos en 125 países.

De igual forma, FOX y FOX Crime darán la bienvenida a la cuarta temporada de “The Walking Dead” con un despliegue especial que convertirá a la serie de Robert Kirkman en la protagonista de todo el día. Desde las 9.15 horas de la mañana, los dos canales emitirán íntegra la tercera temporada de la serie, una cita destinada para aquellos que quieran refrescar la memoria sobre todo lo acontecido a lo largo de sus 16 episodios. El maratón se prolongará hasta el prime time, de las 22.20 horas, hora de estreno de la cuarta temporada.

FOXFan, la APP para hablar de series

Asimismo, y coincidiendo con este estreno, FOX presenta su nueva APP FOXFan, una aplicación gratuita disponible para iOS, desarrollada por el departamento de Digital Media de Fox International Channels a nivel global, que también está ya disponible en Italia, Portugal y el Reino Unido, donde también se lanza el 14 de octubre.

FOXFan es un lugar de encuentro para todos los amantes de las series, donde se podrá hablar de todas sus series favoritas utilizando el hastag #talkingseries. Además, encontrarán vídeos, noticias, información sobre los estrenos de FOX y secciones especiales, como #HotfromUSA, un lugar destacado con el contenido más reciente estrenado en EEUU.

FOXFan ofrecerá también eventos especiales, como es el caso de la posibilidad de ver a través de la aplicación contenidos en exclusiva.

“The Walking Dead” se ha convertido ya en la serie más vista de la historia de la televisión por cable. Esta ficción continúa batiendo todos los records en Estados Unidos a través de AMC y en todo el mundo a través de los 200 canales de entretenimiento que tiene FIC en 122 países. La tercera temporada estuvo constantemente en el primer puesto de lo más visto de la televisión de pago en todo el mundo, superando a todos los competidores en los principales mercados y mejorando los datos de audiencia de las temporadas anteriores.

En la cuarta temporada, Rick Grames (Andrew Lincoln) y el resto de supervivientes continúan su batalla para sobrevivir frente a la amenaza de los caminantes y de los grandes peligros que representan también los vivos. La cuarta entrega contará con 16 episodios que se emitirán en dos partes: una primera entrega de 8 episodios que se estrenará el lunes 14 de octubre y una segunda parte, que volverá en febrero de 2014.

En la esperada nueva temporada, Rick y al resto del grupo trabajarán para poner en marcha una nueva comunidad bajo la aparente seguridad de la cárcel en la que viven. Lamentablemente, en este mundo salvaje, la felicidad dura poco y los caminantes y otras amenazas externas acechan peligrosamente al otro lado de los muros. La casa del grupo y su nueva manera de vivir serán puestos a prueba constantemente y su lucha por la supervivencia nunca habrá sido tan peligrosa. La cuarta temporada también introducirá algunos nuevos persones que incluyen a Bob Stookie (Lawrence Gilliard Jr., “The Wire”).

Basada en el comic homónimo de Robert Kirkman y publicado por Image Comics, “The Walking Dead” está protagonizada por Andrew Lincoln, Norman Reedus, Steven Yeun, Lauren Cohan, Chandler Riggs, Scott Wilson, Melissa McBride, David Morrissey, Emily Kinney, Danai Gurira, Chad Coleman y Sonequa Martin-Green. La serie es una producción ejecutiva de Scott M.Gimple, Robert Kirkman, Gale Ann Hurd, David Alpert, Tom Luse y Greg Nicotero.

Esta serie ha conseguido dos premios Emmy al Mejor Maquillaje, una nominación a los Globos de Oro como Mejor Serie de Drama y una nominación a los Premios WGA, entre otros.

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