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Crítica de la película Downton Abbey

Buena prolongación de la serie original que gustará a los seguidores de la misma.

Entre 2010 y 2015 la serie de televisión Downton Abbey se destacó en la oferta televisiva por su calidad y consiguió abrirse un hueco en las preferencias de los espectadores. Era televisión de calidad, y aunque su tema y propuesta no eran tan novedosas como algunos de sus “fans” incondicionales pretenden, no era nada nuevo (revisen la serie Arriba y abajo, de 1971), sin duda merecía estar siempre citada entre las producciones de mayor calidad de la pequeña pantalla.

Otra cosa es que a algunos nos interesen poco o nada las peripecias de la aristocracia británica de medio pelo y sus entregados y felices sirvientes, como es el caso de quien esto escribe.

Frente al largometraje que aquí comento me encuentro en la misma situación de obligado reconocimiento de la calidad de algo cuyo contenido no solo no me interesa absolutamente nada, y tiro de obligada objetividad, aparcando mi intenso desapego personal frente a toda esta fauna de personajes que tan poco inspiradores me resultan.

A Downton Abbey le reconozco en positivo el buen ritmo de la narración y la manera de mover elegantemente el protagonismo compartido de todos estos personajes sumidos en ese laberinto de falsas apariencias. El lenguaje visual se gana mi atención y mi aplauso sobre un guion que en realidad revisita y explota sin arriesgar las claves de la serie original, abusando de la baza del previsible interés de los seguidores de la serie por seguir metiéndose en las vidas de esta pintoresca fauna que constituyen los habitantes de esa mansión británica entregada a las tensiones y pequeñas intrigas que promueve el festejo de la visita real al lugar.

Crítica de la película Untouchable

Ursula Macfarlane realiza un brillante documental en clave de película de terror, sobre las supuestas agresiones sexuales del productor Harvey Weinstein.

La mirada y las palabras cargadas de aparente sinceridad de la actriz Erika Rosenbaum abren la puerta al sórdido mundo creado por Harvey Weinstein, donde –según cuenta el documental- la violación a las aspirantes a estrellas del cine y a sus ayudantes más atractivas era la norma para él. A modo de thriller, la cineasta británica Ursula Macfarlane diseña una atmósfera que atrapa por la monstruosidad que despliega, y en la que la figura del depredador es retratada por las numerosas víctimas a las que violentó sexualmente.

La documentalista consigue establecer un ritmo narrativo sorprendente, que dibuja una clara línea de exposición, nudo y desenlace para tratar con rigor los espeluznantes hechos que toca. Para ello, Macfarlane toma la inteligente resolución de alejarse del eco mediático del juicio contra Weinstein, y procura ir paso a paso por su senda delictiva, desde sus inicios como productor musical en la ciudad de Búfalo.  Allí, la directora localiza el testimonio de una mujer, a la que convenció para viajar a Nueva York con fines profesionales. Una vez allí, en la habitación de hotel que ambos compartían, el entonces joven Harvey Weinstein abusó de su compañera, sin atender a la negativa de ella.

Este acto sirve para poner en antecedentes al espectador sobre la bestialidad de las agresiones sexuales que el cofundador de Miramax prolongó durante más de treinta años, y cuyas consecuencias fueron tapadas por bufetes de abogados y pagos millonarios a las víctimas. Una manera de silenciar las violaciones, que la documentalista enlaza directamente con el concepto de poder. Los testimonios de los protagonistas directos (tanto las mujeres de las que supuestamente abusó, como las personas que trabajaban a su lado) señalan al distribuidor americano de Cinema Paradiso como un tipo déspota y dictatorial, pese a su olfato para localizar buenos guiones y a su artificiosa cordialidad. Un individuo que se definía a sí mismo como el sheriff de la Meca del Cine.

[video] Crítica de la película AD ASTRA ★★★★ CON SPOILERS AVISADOS

Crítica de la película Un Verano en Ibiza

Blanda comedia francesa donde sólo se salva el reparto.

Porque la comedia francesa, de la que siempre oímos que es referente en Europa (aunque luego eso hay que demostrarlo en la pantalla y últimamente eso no sucede tan a menudo como debería), no es infalible, y mientras que propuestas como El Gran Baño cumplen y convencen, Un Verano en Ibiza queda lejos de aquello. Es un zafio y ramplón relato lejos de los mejores trabajos de su protagonista, Christian Clavier. Es más, lejos de los más divertidos, aunque no sean los mejores, como Dios Mío, ¿pero qué te hemos hecho? que estrena en breve secuela y que esperemos sea mejor que esta historia de viajes familiares que no funcionaría ni en una teleserie, la verdad.

Una familia poco convencional, con un hombre maduro, podólogo, enamorado de una mujer con dos hijos, que no le adoran precisamente. Ante la obsesión del hijo por encontrar a su amor perdido, que está en Ibiza, la familia entera decide viajar hasta la isla, lo que supone un intento del nuevo cabeza de familia por conquistar a los rebeldes hijos y por no perder a su atractiva esposa, que además se reencuentra con un novio de juventud. A partir de esa entrada, que además tiene un arranque lento y sin gracia, la película se convierte en un devenir de gags muchos de ellos sin mucho éxito, pero sin ningún interés por parte del guión por hilvanar una historia mínimamente coherente, con algún sentido para el espectador.

Crítica de la película Infierno bajo el Agua

Sin lugar a dudas, Infierno bajo el Agua es una de las más gratas sorpresas del verano..

Alexandre Aja es un director más que conocido por el fan del cine de terror y de género, que nos dejó impresionados con Alta Tensión, por ejemplo, para luego dar el salto a Estados Unidos y aprovechar la moda de los remakes de cine de terror para brindarnos tres de los mejores, la sorprendente Las Colinas tienen Ojos, la muy cuidada Reflejos, y la hilarante y desvergonzada Piraña 3D. Luego llegó Horns, también interesantísima, y la más oilvidada La Resurrección de Louis Drax. Y con Infierno bajo el agua vuelve al terror puro, al miedo como principal motor narrativo de la película, por encima del guión y de la historia que quiere contarnos…

Una historia tan sencilla como imposible. Una joven, nadadora profesional, vuelve a casa de su padre durante un huracán de clase 5, para buscarle. Pronto se encontrará junto a él en un sótano que se inunda poco a poco, rodeada de caimanes con ganas de convertirles en la merienda. Desde el minuto uno al último, sabemos que para que la historia siga adelante, los personajes deben tomar todas las malas decisiones posibles. Todas. Si arriba es la vida y abajo la muerte, los personajes siempre irán abajo. Si no la película duraría cinco minutos o menos… Por ejemplo, cuando la protagonista llega a casa de su padre y le encuentra inconsciente tras el asalto de un caimán… quien misteriosamente ha decidido perdonar la vida al personaje… O cuando deciden tomar un camino que claramente dirige a más peligro en lugar del que finalmente deben tomar cuando el primero se muestre una mala idea…

Crítica de la película Érase una vez en Hollywood

Tarantino hace su mejor trabajo en un brillante homenaje emocional al cine.

Salgo de ver esta película con la intención clara de ponerla la primera entre las mejores de su director. La madurez de Tarantino como narrador audiovisual alcanza en este su último trabajo niveles que en mi opinión superan los de películas anteriores. La tendencia al exhibicionismo de su filmografía, que forma parte de su carácter como autor y precisamente por ello no le reprocho, queda matizada y pulida hasta el límite para dejar paso a una elegancia en el juego con la historia, el trabajo con la alteración de la cronología, los guiños, la parodia y los personajes que había lucido ya en uno de sus mejores trabajos, Jackie Brown, quizá la película más cercana en distintos aspectos entre todas las del director a este último trabajo. Pero aquí la madurez de Tarantino como director obra muy a favor de la película y se hace notar muy positivamente. Da lugar al trabajo más equilibrado, más sólido, más interesante en lo referido al dibujo de los personajes y sus conflictos, más matizado en todos los rasgos definitorios de su cine, con mejor ritmo, y sin duda, tanto por su contenido como por su fábula, más interesante de cuantas películas ha dirigido Quentin Tarantino.

Crítica de la película Annabelle vuelve a casa.

Más que aceptable dentro de la miríada de secuelas, precuelas y spin offs de Expediente Warren.

Por encima de su primera entrega, pero todavía inferior a Annabelle Creation, que mostraba el nacimiento de este monstruo que forma ya parte de los iconos del cine de terror. No podía ser menos, si de una forma u otra la película ya ha aparecido en un buen puñado de películas, y además de su papel protagonista en su trilogía, tenía uno muy importante en Expediente Warren. El público todavía no se ha cansado de ella, así que puede seguir dando miedo un tiempo más. Y ahí reside la clave del buen hacer de la historia. No cansa al espectador pese a conocer a la muñeca a la perfección.

La historia nos presenta de nuevo a los Warren en esta ocasión, tiempo antes de la primera película, justo cuando entra en su poder la muñeca Annabelle, la maldita figura poseída por un demonio que lleva aterrorizando a la gente desde los años cuarenta. A través de la llegada a la casa, aparecen las auténticas protagonistas, McKenna Grace, sustituyendo a Sterling Jerins como Judy Warren, la hija del matrimonio, y su niñera, Mary, interpretada por Madison Iseman. Juntas tendrán que sobrevivir cuando la muñeca, convertida aquí en un faro para otras almas y espíritus, decida hacer de las suyas. Porque ya sabemos que lo que viene con Annabelle no son precisamente fantasmas que quieren volver a casa. Son almas condenadas con muy malas pulgas y muchas ganas de hacer daño.

Crítica de la película Lo Nunca Visto.

Comedia sencilla y a veces algo simple.

Una trama que busca ser conciliadora, “buenrrollista”, positiva y una batalla más contra el racismo y la xenofobia, y lo consigue en determinados momentos, pero en otros peca de tópica y previsible, cuando no cae en lo ridículo o en lo ofensivo, no para la cultura de cada uno, ni para las razas, sino para la inteligencia del espectador. No es la tónica general de la película, pero sí es cierto que cae en esos tópicos y en ese juego demasiado a menudo, restándole méritos a una película que es divertida, sin duda, y que hace reír a la gente, que es su principal objetivo, pero no termina de quedar del todo redonda por varios motivos, y deja la sensación de que podía haber sido menos obvia… Menos evidente en su camino educador para la audiencia.

La trama es tan alocada como prometedora. Un pequeño pueblo perdido en la sierra, rival de sus vecinos de abajo, que tienen mejor suerte que ellos. Pese a sus intentos por resucitar el pueblo de cara a la gente, el pueblo se muere y ya no tiene ni 20 habitantes. Si no aumenta su población antes de que lleguen las elecciones, el pueblo será absorbido por sus vecinos y perderán su ayuntamiento, su médico, las quitanieves en invierno… hasta el cura. La solución llega de donde menos lo esperan. Cuatro personas han huido por el monte. Son africanos y en los medios dicen que son peligrosos, pero el pueblo pronto descubrirá que quizá sean la única oportunidad que tienen de salvarse, aunque eso les obligue a superar sus miedos, sus prejuicios y aprendan a convivir.

[video] crítica de la película EL REY LEON 2019

Miguel Juan Payán y Jesús Usero

Crítica de la película EL REY LEON 2019

Crítica de la película El Rey Leon

Remake repetitivo casi plano por plano del original, pero sin nervio.

El rey león en dibujos animados sigue sin ser destronado. A pesar del buen trabajo que hizo y de lo mucho que me convenció Jon Favreau en su remake de El libro de la selva, aquí la selva se le ha atragantado. Su versión de El rey león es un remake sin personalidad propia que además en un intento por rendir doble tributo al original de animación y la versión del mismo en clave musical, acaba por olvidar que debería tener una personalidad propia, a poder ser cinematográfica.

En algunos momentos el intento de hacer valer el legado del musical acaba por afectar al rendimiento cinematográfico de esta película.

Su otro problema radica en que no consigue estar a la altura de los grandes momentos clave de la película de animación. Ni en la estampida, ni en el humor de Timón y Pumba. Ni en la relación sentimental de Simba y Nala. Y por supuesto tampoco en el verdadero corazón, el alma del original: la relación de Simba y Mufasa, padre e hijo, que se explica como tema central del legado en esa secuencia donde Simba recupera su personalidad recibiendo el mensaje de la memoria de su padre.

No hay nervio en ninguno de esos momentos. No hay nervio porque el alarde de arte de dibujos animados es sustituido aquí por un alarde tecnológico visualmente impresionante, técnicamente sobresaliente… pero sin alma, sin nervio, sin ritmo.

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Videocríticas

[video] Crítica AD ASTRA ★★★★

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06 Septiembre 2019

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